Primer Encuentro por Familias de Instrumentos en Argentina

Nuestro amigo Daniel Kovacich nos comparte esta hermosa experiencia en Buenos Aires:

El día 22 de Octubre se realizó el Primer Encuentro por Familias de Instrumentos, del Proyecto Orquestas Infantiles y Juveniles de la Ciudad de Buenos Aires, con coordinación general del Maestro Claudio Espector.

Este proyecto, que depende del Ministerio de Educación de la Ciudad, fue creado en el año 1998, y cuenta con 11 sedes, 16 orquestas, más de 1200 alumnos en total y aproximadamente 130 alumnos de clarinete. Una de sus principales funciones es acercar un bien cultural, la música, a zonas que a veces no tienen posibilidades de acceso a la misma, y ha demostrado ser un valioso complemento y ayuda a la educación escolar.

Los profesores de nuestro instrumento son este momento 16: Claudio Bucello, Claudia Kuttenplan, Javier Mariani, Pablo Thimental, Emiliano Álvarez, Estefanía Espector , Alejandro Guareschi, Analia Rodriguez, Federico Landaburu , Luciana González Velazco, Alejandro Soraires, Daniel Kovacich, Guillermo Sánchez, Amalia del Giudice, Fabián Fazzio y Gonzalo Morales Sanchez.

Los clarinetistas, con todas las maderas, se reunieron en la sede del barrio porteño de Flores, y cubrieron durante todo el día distintos aspectos de la ejecución, entre ellos el trabajo en ensamble de clarinetes Creo que toda la comunidad de Clariperu va a estar muy contenta de saber que dos de los arreglos ejecutados por profesores y alumnos en el cierre de la jornada pertenecen a Marco Mazzini: el "Carnaval Arequipeño" y "Eine Kleine Nachtmusik", de Mozart. Ambos arreglos fueron cedidos gentilmente por Marco desde la biblioteca de Clariperu.

Entrevista al clarinetista Valdemar Rodriguez - CLARIPERU

Maestro Fundador de la Academia Latinoamericana del Clarinete, caracterizado por su entrega total a la docencia en Venezuela, el clarinetista venezolano Valdemar Rodríguez conversa en exclusiva con Valentina Palma para Clariperu. 

De carácter emprendedor, miembro fundador del movimiento de Orquestas Infantiles y Juveniles de Venezuela -  a quien los venezolanos le deben su lucha incansable por el desarrollo de la escuela del clarinete en su país -  nos comparte sus inicios en la música, además de su opinión sobre la escuela de clarinete en Latinoamérica.

Esta conversación se llevo a cabo entre junio y julio de 2007, y fueron gratas horas de opinión que  no podemos dejar de agradecer al maestro Valdemar Rodríguez, por compartir con nosotros sus más sensibles experiencias en el mundo del clarinete.

• Maestro cuéntenos un poco acerca de usted. ¿Cómo llegó a ser clarinetista?
Bueno eso es un cuento bastante…, digamos que lejano… no partió de mi, yo tenía 4 ó 5 años cuando quise estudiar música, no existían las orquestas juveniles, mi padre y mi tío eran músicos de la banda del estado, la banda de San Felipe, ambos eran saxofonistas… yo acompañaba a mi papá a los ensayos de la banda y grupos de música popular y siempre le decía que quería tocar trompeta; recuerdo la casa de un señor a donde iban a ensayar, en donde  había una trompeta vieja, y yo me encerraba en ese cuarto a intentar sonar la trompeta mientras ellos ensayaban.

Pero antes de eso mi papá comenzó a enseñarles a mis hermanas mayores a leer música, y yo le decía a mi padre que yo también quería aprender, pero él me contestaba que cuando supiera leer me enseñaría las notas, entonces me empeñé en aprender a leer a los 4 años para convencer a mi papá de que me enseñara las notas en el pentagrama, recuerdo que pasaron como 6 meses y un día mi papá me dijo que buscara en el bolsillo de su camisa una cosa que tenía para mi, cuando mi sorpresa fue encontrar un papelito muy pequeño con un pentagrama dibujado, allí estaban las notas con los nombres, así fue como comencé a estudiar música.

Entonces un día en la tarde mi papá llegó con un clarinete piccolo y me dijo: aquí está el instrumento que vas a tocar, por supuesto yo me puse a llorar porque yo quería una trompeta, pero este es el que tu vas a tocar y punto, replicó… Y comencé a tocar las notas y a los 5 años ya estaba tocando el clarinete, mi mamá que era maestra de una escuela, siempre me ponía en el colegio para que los amiguitos me escucharan el clarinete, en la escuela nadie estudiaba música, de hecho yo nunca había visto un violín, ni contrabajos, ni nada de eso, solo los instrumentos de viento de la banda; por otro lado recuerdo que los amigos de mi papá me hacían mini exámenes en la banda, me preguntaban: ¿Qué nota es esa?, ¿Cuánto dura este silencio?... y de esa manera jugaban conmigo.


• Sumergiéndonos un poco en su desarrollo como estudiante de clarinete, ¿Qué nos puede contar sobre sus maestros?
Mi primer maestro fue mi papá, el que me enseñó el instrumento, la embocadura, las notas… pero nunca me habló específicamente de la técnica, yo lo hacía intuitivamente, él nunca me habló de la respiración, sólo me hablaba del sonido, decía que había que tener un sonido con calidad y me inculcó la afinación y la belleza del sonido, pero con conocimientos muy básicos.

Dentro de sus posibilidades y conocimientos de saxofonista me enseñó el clarinete, con dos métodos que contenían al final los conciertos de Weber, el de Mozart… era un método italiano que también tenía dúos. Pero nunca había escuchado esos conciertos hasta que me vine a Caracas, no tenía grabaciones ni nada, solo la música del método, no sabía nada de sonatas ni conciertos.

Yo seguí estudiando con mi papá, pero era como solfeo con el clarinete, y recuerdo que todos los días salíamos a pasear en el carro y hablábamos y contábamos las anécdotas del día, siempre parábamos en una plaza, pero mientras mis hermanos iban a jugar, mi papá me incentivó. Entonces a veces pasaba 3 días tocando y luego una semana sin tocar…, entonces cuando tenía como 13 años se abrió la primera escuela de música del estado y yo ingresé como uno de los primeros alumnos y también entré en la banda sinfónica donde estaba mi papá.

Luego cuando tenía 15 años comenzó el movimiento de orquestas juveniles que fundó el maestro José Antonio Abreu, recuerdo que el director de la banda me presentó al M. Abreu y él me dijo que me fuera a Caracas, que me fuera a estudiar con José Gay (1er clarinete de la orquesta Sinfónica Venezuela), entonces le dije a mi mamá que yo quería irme y ella habló con mi papá, pero él dijo que primero tendría que graduarme de bachiller, luego paralelo a eso yo asistí al primer seminario de orquestas infantiles que se hizo en Venezuela en el año 1979… [Entre risas nos afirmó:] “Yo nunca había visto tanto clarinete junto en una orquesta, allí fue la primera vez que tocaba en una orquesta sinfónica y yo quedé de primer clarinete”.

Después me fui a Valencia, continué estudiando en la universidad y tocando en la orquesta juvenil del estado Carabobo”. En esa época recibí un par de clases con el que era director de la Banda Sinfónica 24 de Junio, pero nuevamente sentí que era como seguir estudiando solfeo con el clarinete.

En el verano de ese año, unos amigos de la orquesta de Carabobo me invitaron a tocar en un quinteto de vientos, pero ellos ya habían logrado entrar en la Orquesta Simón Bolívar y me invitaron a quedarme en su casa en Caracas, por esos días aproveche de ver clases con el profesor José Gay, en el primer Conservatorio que hicieron para el movimiento de orquestas, pero nuevamente me sentí que era solfeo con el clarinete. Entonces conocí a un nuevo maestro que venía de Chile tocando las variaciones de Rossini (Luís Rossi), y yo me interesé por escuchar sus clases y participé tocando un dúo de Mozart original para violín y viola. En ese momento fue cuando yo conocí a un verdadero maestro del Clarinete, era la primera vez que alguien me corrigió y me dijo como se tocaba el clarinete. En ese momento decidí dejar de estudiar en la universidad Ingeniería Eléctrica y venirme a Caracas para estudiar con el maestro Rossi.
Con el pasar del tiempo, tomé clases magistrales y cursos de verano con maestros de fama mundial a los cuales he admirado a través de sus grabaciones como fueron: Walter Boykens, Guy Deplus, Antony Pay, Kalman Berkes, Thomas Friedli, Gervase de Peyer, Michel Lethiec.


• ¿Actualmente cómo ve el panorama musical en Latinoamérica?
En el pasado (primera mitad del siglo XX) e incluso hasta los años 70, hubo un auge y desarrollo de la música en Brasil, Chile y Argentina, la llegada de grandes solistas y directores de talla internacional, compañías de ópera y compañías de ballet europeas dieron un gran impulso a la formación de público y ejecutantes locales de alto nivel. Los grandes conciertos y montajes de óperas en el teatro Colón de Buenos Aires, su calidad era solo comparable con el nivel artístico de los montajes que se realizaban en Europa.

Actualmente con el auge de las orquestas juveniles, en Latinoamérica se han roto los paradigmas de la enseñanza musical, lo que ha redundado en un crecimiento constante del mundo musical de los países como: Venezuela, Ecuador, Uruguay, Paraguay, Costa Rica, Perú, Guatemala, Colombia y México; países estos que carecían hasta los años 70 de un sistema fortalecido de educación musical para niños y jóvenes. Es así que en la actualidad existe un bum de la música académica a nivel de toda Latinoamérica.

De tal manera que grandes solistas, jóvenes directores, grandes orquestas, excelentes grupos de cámara, festivales de jazz, festivales de música de cámara, cursos de veranos, clases magistrales, emergen por cantidades nunca antes vistas por toda Latinoamérica.


• ¿Cree saber el por qué de esta ‘evolución’ y desarrollo musical Latinoamericano?
Se debe básicamente al fenómeno de la globalización, con este hecho se marca la era de la información, la técnica y el conocimiento pueden ser llevados a todos los lugares, hasta el último rincón del mundo, e igualmente a la implementación del Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles que rompió los paradigmas de la educación musical y que en Venezuela atiende actualmente alrededor de 300 mil niños y jóvenes músicos de la región.

• En su experiencia de maestro debe haber tenido muchos casos de alumnos que manifiestan distintos inconvenientes al momento de interpretar una obra. ¿Cómo cree usted que puede ayudar a un alumno a desarrollar su musicalidad?

Lo ideal sería incluso comenzar antes de tomar el instrumento, pero si el alumno tiene tiempo tocando, hay que hacer énfasis en que el clarinete no es el fin, sino la música.
El clarinete debe ser el medio de expresión que nos permita decir a través de los sonidos, lo que no se ve y lo que es realmente la música: La expresión de sentimiento y la creación de atmósferas.
Cuando comencé a dar clases siempre seguía el mismo patrón: Técnica, fraseo, creatividad; antes le decía al alumno hasta el último pianísimo o forte, hasta que me fijé que ellos siempre necesitaban de mi para montar nuevas obras (estaban realmente limitados para crear) entonces decidí cambiar mi metodología e invertí totalmente la manera de impartir clases.

Primero la creatividad y fraseo: el alumno debe lograr con ayuda del maestro a identificar cada frase y cómo se ejecuta cada frase. Y le aplico la técnica de confrontación de diferentes puntos de vista, hasta que el alumno logra hacerse una idea musical propia y en ese momento el descubre la música y toda la técnica fluye mejor porque el alumno puede observar y sentir que el pasaje o la frase tiene un sentido musical.


• ¿Qué es la Academia Latinoamericana del Clarinete?
La Academia Latinoamericana del Clarinete se conformó de una manera gradual y progresiva, comenzó como una cátedra de 8 alumnos venezolanos, los cuales alcanzaron un gran nivel técnico y un desarrollo musical admirable. Fue en ese momento cuando muchos clarinetistas venezolanos y otros Latinoamericanos solicitaron el ingreso a esta cátedra, encontrándonos nosotros en la necesidad de buscar otros colegas clarinetistas que vinieran a impartir clases, pero no en una dinámica tradicional, sino en un sistema de rotación de profesores y alumnos para así poder acceder a los conocimientos que cada uno de los profesores podía dar. Además, de la posibilidad de aprender a enseñar, hacer música de cámara, tocar de solista y tocar en orquesta, desarrollando clarinetistas integrales capaces de abordar el clarinete en sus distintas posibilidades. Maestros de muchas nacionalidades y solistas de reconocido nivel internacional del mundo entero, vienen a Venezuela a enseñar y contribuir al desarrollo de los alumnos de la Academia Latinoamericana del Clarinete.


• ¿Como hace un clarinetista Latinoamericano para ingresar a la Academia Latinoamericana del Clarinete?
Existen dos maneras: La primera y más sencilla es enviando una grabación en video, la cual es evaluada por cuatro maestros de la academia, y la segunda posibilidad es presentando una audición en vivo ante estos profesores.


• Dentro de la gran diversidad de su repertorio, ¿Tiene alguna preferencia musical?
Lo que más me gusta interpretar son los clásicos y los estándares, es decir, los más importantes de cada estilo: Mozart, Debussy, Bartok, Stravinsky, Beethoven, Bernstein y últimamente he estado tocando música con aires de jazz, Big-Band. Pero no tengo una en especial, sin embargo, Mozart es lo que más me gusta tocar, es una de las obras más hermosas, casi no la escucho últimamente, pero tocar el concierto es fantástico. Será por eso que lo he tocado 52 veces con el clarinete di basetto.


• Y de los últimos conciertos que se han compuesto, ¿Tiene alguno preferido, alguno que usted pueda señalar como una “excelente obra”?
Hay muchas, en Venezuela existe una obra muy buena de Jean Carlos Castro, es un concierto para clarinete y Big-Band, considero que es muy buena en su estilo, igualmente me viene a la memoria las Tres piezas para clarinete solo de Atehortua que fueron grabadas por el maestro Rossi, por supuesto el concierto de Corigliano y el concierto de Calandreli que toca Eddie Daniels. En general me gusta escuchar la música moderna. Hay una obra que toca Jonathan Cohler llamada Moon Flowers babes de Cooper Couphermann, y las obras Latinoamericanas.


• ¿Cómo se siente luego de toda su fructífera carrera?
Lo que siento que he hecho es que he abierto caminos para los jóvenes Latinoamericanos, y eso me da mucha satisfacción de tres maneras: tocando, enseñando y en el rol administrativo que cumplo en el sistema de orquestas.


• Durante su tiempo de estudio e incluso a lo largo de su vida ¿Qué consejo ha sido el que mas le ha servido en su vida como solista?
He recibido muchos consejos de maestros de todas partes del mundo, pero recuerdo dos muy especiales:

El maestro Luis Rossi me dijo: “Lo importante no es tocar muchas notas o cosas difíciles, sino que lo poco o mucho que puedas tocar lo debes hacer con gran solvencia técnica, con mucha conciencia del fraseo y gran sensibilidad”.

Y el segundo es del maestro Stanley Drucker, quien luego de tocar el Mozart para él, me dijo: “Hay dos tipos de músico en el mundo, los que tienen buen gusto y los que tienen mal gusto y con lo que he escuchado de ti, me he dado cuenta que tu perteneces al primer grupo, tu tienes buen gusto y no temas hacer lo que te provoque hacer, dale rienda suelta a tu creatividad y confía en ti”


• Y acerca de su actividad docente, ¿Qué nos cuenta de su amor por enseñar?
Es mi pasión, es lo que más he aprendido y desarrollado, tengo casi 30 años enseñando en todos los niveles, desde la iniciación hasta una maestría y en todos los niveles lo disfruto. En estos momentos en que he dado clase en Canadá, en Estados Unidos y en casi todos los países de Latinoamérica, así como también he impartido clases magistrales en el conservatorio Tchaicowisky de Moscú y en la Universidad Cultural de Beijin, y actualmente estoy invitado para dar clase en Portugal, China y Dinamarca.


• ¿Algún recuerdo de su experiencia como solista?
En la gira de conciertos con la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar, bajo la dirección del maestro Eduardo Mata, en el festival “Cervantino de Guanajuato” (México), fue verdaderamente mágico, recuerdo que fue la última vez que interpreté el concierto de Mozart bajo su batuta.


• Cuéntenos algo de sus viajes
Cada gira y cada viaje tiene una enseñanza y su magia, lo que si te puedo decir es que si uno trabaja con constancia y tenacidad, la vida siempre le da a uno mas de lo que uno desea. Cada viaje es una consecuencia del trabajo diario y hay que soñar aun el sueño imposible y la vida siempre te dará más.


• Hace poco nos enteramos que usted formará parte del jurado de un concurso muy prestigioso, el concurso Internacional Carl Nielsen que se efectuará en Dinamarca el presente año 2009, ¿Cómo recibió esa noticia, ya se la esperaba?
La recibí con beneplácito y como un reconocimiento al nivel técnico y artístico musical existente en Latinoamérica y ademas del desarrollo que ha tenido la escuela del clarinete en esta región, con excelentes maestros, solistas, cuartetos de clarinete, festivales de clarinete y compositores Latinoamericanos que se han inspirado para escribirle a nuestro bello instrumento.

El concierto de Carl Nielsen junto al concierto de Mozart son obras obligatorias del repertorio de todos los clarinetistas venezolanos y el Concierto de Nielsen es exigido como obra de graduación en las instituciones de educación superior de mi país.

Esta invitación me complace y me compromete a continuar el trabajo de formación de jóvenes clarinetistas de Latinoamérica.


• Si pudiera dar un consejo a los estudiantes que van a leer esta entrevista ¿Cuál sería? 
A los clarinetistas Latinoamericanos les digo que sigamos cada vez más integrados, compartiendo conocimientos y experiencias, para así seguir elevando el nivel estándar internacional ya alcanzados y remontarnos a niveles de excelencia nunca antes vistos en un colectivo de clarinetistas de ninguna otra región del mundo.

El clarinetista peruano Marco Apaza es uno de los ganadores del Concurso Latinoamericano de Clarinetistas

Marco Apaza y John Cipolla (USA)

Alumno del Conservatorio Nacional de Música del Perú, el joven clarinetista peruano Marco Apaza participó el pasado mes de septiembre en el I Concurso Latinoamericano para Clarinetistas que se celebró en el marco del gran Congreso Latinoamericano de Clarinetistas que organizó Clariperu en la ciudad de Lima y que congregó a músicos de 13 países de América y Europa.

Marco Apaza ganó el segundo puesto en este gran concurso, patrocinado por Buffet Crampon de Francia, Cañas Gonzales, Clariperu y Bambu.

El concurso, primero en convocar a clarinetistas de toda Latinoamérica, contó con participantes de Argentina, México, Costa Rica, Bolivia y Perú. Una de las obras obligatorias era la nueva pieza "Satsi", comisionada por Clariperu al compositor peruano Rafael Junchaya.

El jurado calificador estuvo conformado por grandes clarinetistas de renombre internacional: Pascual Martinez-Forteza (España, clarinetista de la Filarmónica de Nueva York), Antonio Saiote (Portugal, solista internacional), John Cipolla (Estados Unidos, presidente electo de la Asociación Internacional de Clarinete), Nuno Pinto (Portugal, solista internacional), Sauro Berti (Italia, clarinetista de la orquesta de la Opera de Roma) y Marco Antonio Mazzini (Perú, director de Clariperu y solista internacional).

Cuarteto Qero

A sus 24 años, Marco forma parte del nuevo Cuarteto Qero y es el primer clarinete en el Octeto de vientos del Conservatorio Nacional de Música - que cada año trabaja junto al maestro Wolfgang Schlachter (Austria). En el 2005 participo en el “Primer Concurso para Clarinete Solista” que realizo la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil e Infantil del Perú, donde obtuvo el segundo lugar. Actualmente, integra la Orquesta Sinfónica Nacional Juvenil de Ministerio de Educación. 

Natural de la ciudad de Juliaca (Puno), se inició en la música como miebro de la banda del Colegio Franciscano San Roman de Juliaca, y a su llegada a Lima estudio clarinete con la maestra Ana Barrera y el maestro Claudio Panta. Hoy en día estudia con el maestro José Luis Eca.

El siguiente año, Clariperu organizará no sólo el II Concurso para clarinete, sino tambien el I Concurso Latinoamericano para Clarinete bajo (el primero en Latinoamérica) y un concurso de composición para clarinete y guitarra "Premio Clariperu". Esto sucederá durante el II Congreso Latinoamericano de Clarinetistas, Lima 2012.

Felicitamos a Marco Apaza por representar al Perú en este gran concurso y  ser uno de los ganadores, y le deseamos muchos más éxitos en su carrera. ¡Bravo!

Entrevista a Sabine Meyer - CLARIPERU

El 7 de noviembre del 2003, en el auditorio del Conservatorio de Bruselas, se presentó la famosa clarinetista alemana Sabine Meyer. Ofreció un programa bastante atractivo: la Sonata de Saint - Saens, Scaramouche de Milhaud, Cuatro Piezas de A. Berg y la primera Sonata de Brahms.

Una hora antes de su recital, Marco Antonio Mazzini conversó con Sabine en exclusiva para Clariperu.

Sorprendí a Sabine en el momento en que estaban afinando el piano. Ella, vestida completamente de negro, estaba siguiendo y escuchando atentamente el proceso. Con una sonrisa Sabine Meyer me confirmó que con todo gusto accedía a la entrevista para Clariperu. En su camerino no se ve mucho: el estuche de sus dos clarinetes abierto, su clarinete en Sib sobre la mesa, cañas y partituras. Sin dejar de mostrarme una sonrisa, respondió a mis preguntas que espero ayuden a conocerla un poco más. 

* Quisiera que me cuentes como aparece el clarinete en tu vida.

Bueno, mi padre era músico, profesor y pianista, y además tocaba el clarinete en una banda (“big band”). Cuando tenía 5 años empecé a estudiar piano, luego el violín…(sonríe) y cuando cumplí los 8 años empecé con el clarinete. Mi hermano, que es 5 años mayor que yo, también toca el clarinete… así que creo que era normal que yo también tocara clarinete, ¡estaba en la familia!

* ¿Qué tipo de música tu padre solía tocar en la banda?

El es profesor de clarinete, digamos clarinete académico, pero en la banda tocaba mucho jazz, le gustaba improvisar. Sí que era buen músico!

* Actualmente, ¿tienes alguna rutina como clarinetista?

Para mí, rutina es una mala palabra si haces arte. Te explico: yo toco muy seguido el concierto de Mozart, pero si subo al escenario, cada vez es como si fuera la primera vez, siempre me presento con ese sentimiento, cosa que así la música es nueva y fresca. No tengo rutina de interpretación.

* Pero cuando practicas, ¿No sigues una rutina? Digamos notas largas, escalas…

No, ya no soy tan seria. Muchos años atrás si tenía que practicar mucho, por largas horas. Ahora depende de la obra que esté trabajando. Si es una composición nueva y de gran dificultad, pues a estudiar mucho. Por otro lado, si quieres tocar la sonata N°1 de Brahms, tienes que entender más que practicar, ¡no hay mucho que practicar ahí!

* En el libro de Pamela Weston “Los Clarinetistas Virtuosos del Presente” hay una frase en donde ella dice que te tomas tu trabajo “muy en serio” . ¿Qué tan serio trabaja Sabine Meyer?

La música…o que trabajar conmigo es…

* ¡Me refiero a la música…!

Bueno, creo que tienes que ser muy serio en lo que tocas. Digamos que quieres tocar el concierto de Mozart: pues tienes que saber exactamente lo que está pasando en la orquesta, todo … o pasemos a la sonata de Brahms: cada vez que la leo es como leer un libro, es la suma y combinación de dinámicas, articulaciones, emociones…eso es lo que hago siempre, saber todo lo que sucede alrededor del clarinete, y me lo tomo muy en serio.

* Ya que mencionas la Sonata de Brahms, ¿Cómo Sabine Meyer abarca esta obra?

Para mí, y para cualquier clarinetista, es muy importante saber la parte de piano, conocerla, de otra manera no puedo tocar en conjunto y entender la obra. Por otro lado, toma mucho tiempo el realmente entender la música. Yo he recorrido un largo camino para llegar a tocar como lo hago hoy, y esa madurez me da la sabiduría de poner mi personalidad en la música, respetando a la vez lo que Brahms quiso y pensó al escribir esta obra.

* ¿De qué manera consideras que ayudas a tus alumnos a desarrollar su musicalidad? Creo que el tener musicalidad es el resultado de muchas cosas, todas ellas importantes, como tener un buen comando del instrumento. Como los ayudo…mmm…. Creo que eso viene de manera natural, como un cantante que canta grandes frases, con claras articulaciones…. una vez mas tomo de ejemplo la sonata de Brahms: si haces las articulaciones correctas, entenderás entonces la música. No es solamente “ligar de aquí a allá” sino mucho más.

* ¿Crees que para llegar a ser un buen músico se necesita talento?

Claro que si, ¡definitivamente! Lo que hago con mis alumnos es darles una buena base, saber emitir un sonido cálido y sólido, control de los dedos, respiración. Con talento y una buena base puedes llegar muy alto.

* Recuerdo que cuando te conocí en 1999 te pregunté de manera inocente cómo hacías para obtener ese sonido tan bello, y me contestaste de manera coloquial “bueno, escojo buenas cañas”

Si…(sonríe por largo rato). ¿Sabes que tengo aquí? ( me enseña una caja negra bastante grande que contiene en su superficie un controlador de temperatura) ¡cañas! (debo haber visto como 15 en su interior). Todas estas cañas las fabrico yo.

* ¿Fabricas tus propias cañas?

Sabine Meyer

Si, y me toma mucho tiempo no solo confeccionarlas si no además prepararlas… espero poder tocar bien con una de ellas esta noche. Creo que uno debe trabajar en las cañas, no solo sacarlas de la caja y decir “funciona – no funciona”, hay que retocar la caña, variarla a nuestra necesidad para obtener mejores resultados.

* ¿Has intentado tocar un clarinete de sistema Boehm?

Te refieres a un clarinete francés….si….si he probado los clarinetes franceses y puedo tocar en ellos, no perfectamente pero de manera decente. Como sabrás, tengo muchos estudiantes que tocan en sistema Boehm, por lo que he tenido que aprender el sistema francés para poder ayudarlos mejor. Me agrada, pero prefiero los mios.

* He escuchado tu grabación donde interpretas “Cantos” la obra de Takemitsu. El CD es un excelente trabajo. ¿Cómo se siente Sabine Meyer al interpretar obras modernas?

Yo toco muchas obras modernas, sobre todo en música de cámara. Muchos compositores han escrito para mi Octeto y para el Trio di Clarone….hace unas semanas un compositor amigo mio ha escrito un concierto para mí –muy difícil... pero muy buena obra (vuelve a sonreír).

* No tienes entonces ningún prejuicio… no te consideras una “clarinetista clásica” en el sentido que sólo interpretas obras tradicionales…

No, para mi es muy importante la variedad…

* Como tu CD “Tributo a Benny Goodman”

Tu lo has dicho. Me gusta tocar varios estilos, y personalmente creo que es importante interpretar música contemporánea, música de hoy en día, de nuestro tiempo…. No sólo las sonatas de Brahms. Un buen programa para mí es el que combina música moderna con repertorio tradicional.

* Para el recital de esta noche, ¿Con qué pieza te identificas mas? ¿Tienes alguna favorita?

Claro que si, ¡Alban Berg!

* ¡Pensé que ibas a decir la Sonata de Bramhs, ya que la has mencionado varias veces!

No, Alban Berg definitivamente: Esa combinación de música, sonido, ideas en piezas tan breves es maravilloso… extraordinaria música con cautivante atmósfera.

* Muchas gracias por tu tiempo, y le deseo muchos éxitos

El gusto es mio y gracias por venir. ¡Espero que disfrutes la música esta noche! Hasta la próxima. 

Sabine Meyer se presentó ante un auditorio lleno, y ante la insistencia del público por un “bis”, repitió el último movimiento del Scaramouche, esta vez agregándole improvisaciones jazzísticas.

Sergio Reyes estrenará concierto para clarinete

Sergio Reyes

El joven clarinetista guatemalteco Sergio Reyes, primer clarinete de la Orquesta Sinfónica Nacional de su país ,dos veces nominado a Clarinetista del Año por Clariperu, y recientemente agregado como Artista Buffet, estrenará este 27 de octubre un concierto para clarinete.

Esta nueva obra para clarinete y orquesta fue escrita por Jorge Sarmientos, compositor guatemalteco que tiene un gran catálogo de obras, y que durante su formación tomó cursos de perfeccionamiento con Pierre Boulez y Sergiu Celibidache.

La obra, que será escuchada por primera vez este 27 de octubre en el gran Teatro Nacional de Guatemala, fue escrita en el año 1982 y Sergio está trabajando en conjunto con el mismo compositor.

Presenciar el estreno de una obra es siempre una intensa experiencia. No se pierdan esta oportunidad de escuchar una obra escrita por un compositor Latinoamericano y en manos de uno de las grandes promesas que tenemos en el continente. El estreno estará a cargo de la Orquesta Sinfónica Nacional de Guatemala. ¡Bravo Sergio!

El arte de audicionar para una Orquesta Profesional - CLARIPERU

El siguiente artículo ha sido escrito por el clarinetista americano Andrew Simon, quien es el actual clarinetista principal de la la Orquesta Filarmónica de Hong-Kong. Agradecemos al autor por su amable permiso en la publicación de este texto en Clariperu.

La traducción ha sido realizada por Marco Antonio Mazzini.


 

¿Verdadero o falso? Las audiciones para ingresar a una orquesta profesional son a menudo injustas, poco tienen que ver con cuan bien capacitado se encuentre el postulante para hacer el trabajo, pueden ser políticas, frecuentemente tienen jurados que son peores que la mayoría de los aspirantes, y son, en muchos casos, la única manera de obtener un trabajo fijo. Si contestó "verdadero" a todo esto, ¡usted tiene probablemente experiencia en audiciones!

Recientemente, cuando la Filarmónica de Hong-Kong anunció un puesto de clarinete, recibí muchas llamadas telefónicas de todas partes  del mundo pidiéndome consejos para la preparación. He sido inspirado a escribir este artículo a modo de respuesta, y para ayudarles a ahorrar dinero en sus cuentas de teléfono. Si usted ya se cansó de poner pretextos perfectamente legítimos en por qué no tocó bien en la última audición, y desea hacerlo bien en cada una de ellas, es hora que se remangue las mangas y mire hacia adelante. ... pero primero, recuerde - si se prepara apropiadamente y siente que ha hecho un buen trabajo – pues usted ha hecho su labor. Ahora el jurado tiene que hacer el suyo.

El punto de participar en una audición es que usted deberá mostrar en tres minutos que puede hacer lo que nadie más puede. Esto es, impresionando al comité evaluador con el refinamiento y la seguridad de su ejecución, no mostrando meramente cuan rápido puede tocar. Piense: el jurado  ¿Escogería a un solista  presumido o a un instrumentista con mentalidad de equipo? Los conciertos aún ejecutados de memoria pueden ser cuestionables. Por ejemplo, si usted audiciona para el puesto de segundo clarinete, e interpreta el mismo concierto que el clarinetista  principal ofreció el mes pasado con la música en el atril, quizás lo intimide delante de sus colegas. Recuerde que las primeras rondas de audiciones sirven generalmente para eliminar candidatos, no para impresionar con cualidades particulares. Así que cualquier oportunidad que usted tome para impresionar al jurado, lo puede llevar al fracaso, especialmente si los abruma. Nunca toque como si usted tiene una cualidad para demostrar (aunque si la tenga). Toque con comodidad y placer. La mayoría de los jurados están hartos de mirar y oir a postulantes nerviosos. 

He encontrado tres puntos importantes que se deben cultivar durante el período de la preparación para una audición:


1. El punto que nadie descuida es el de aprender bien el repertorio. Si usted no ha tocado antes los solos, escúchelos. Extraer los solos en un solo disco o casete -probablemente sólo veinte minutos de música- podría también ser tiempo bien empleado para audiciones futuras. Usted los podría escuchar en el auto o mientras sale a correr. Practique lentamente hasta que obtenga completa solidez  en sonido, dinámicas, afinación, etc. Días antes de la audición, usted puede acelerar sus tempos. Grabe sus propias ejecuciones y analice - ponga un metrónomo junto con la grabación y escuche atentamente. ¿Dónde me apresuro, atraso, etc..?

2. Sea consciente de su práctica de  técnica básica diaria en todo momento. El punto de ejecutar solos orquestales es el de saborear como es su sonido, afinación, ritmo, articulación, y agilidad. Practique ejercicios diarios para mejorar en estos aspectos. Si usted no obtiene el trabajo, ¡por lo menos habrá mejorado su ejecución!

3. Finalmente, y este es el punto mas descuidado: cerciórese que usted se presentará de lo mejor ese día. ¿Con qué frecuencia ha oído decir a un postulante luego de presentarse:"toqué terrible"? Practique la imagen mental – imagínese tocando realmente bien. Mírese desde el punto de vista de la audiencia: usted está seguro y luce radiante y lleno de gusto. Ahora póngase dentro de su propio cuerpo, un cuerpo que no tiembla, pero que siente y suena bien.


Uno o dos puntos extras: toque para personas que usted respeta mucho y también para personas que no son de su agrado- si usted puede ejecutar en frente de personas que quieren que usted suene mal, puede entonces tocar para un jurado. Toque para una grabadora los solos de la audición sin detenerse, en diferente orden. Averigüe con anticipación la afinación del piano que se utilizará - ¡usted no necesita sorpresas! Establezca una rutina diaria de práctica con mini-metas: por ejemplo, tener un pasaje a cierta velocidad en cierto día. Ese día vístase como para un recital. Los expertos de la moda llaman a esto "el poder de vestido." Y, recuerde que el proceso de preparación incluye el asegurarse de contar con una caña apropiada para el gran día. Lleve consigo un libro que no requiere mucha concentración. Considere llevar algunos plátanos (que alivian los nervios) y beba mucha agua.

 Lo que ha sido escrito hasta ahora es mi mi método personal. Si usted le pregunta a 100 exitosos postulantes que es lo que hicieron para prepararse y durante una audición, obtendrá con seguridad 100 respuestas diferentes. Recuerde, una buena preparación ofrece gran confianza. ¡Una feliz preparación!

El Trío de Mozart en Mi bemol - ¿el subtitulo es un nombre poco apropiado? - CLARIPERU

En la historia de la música hay muchos mitos que a veces pasan como verdades absolutas. Uno de ellos es el relacionado con el Trío de Mozart, el cual lleva por subtitulo "Kegelstatt", ya que aparentemente Mozart concibió - o algunos dicen que escribió - esta obra durante un juego de bolos. El mito desaparecerá luego que lea el presente artículo escrito por Stanley Geidel y traducido por Marco Mazzini.

Si el subtítulo "Kegelstatt" puede ser aplicado al Trío famoso de Mozart en Mi bemol para  clarinete, viola, y piano es una pregunta fascinante, y  una que puede ser contestada. La  respuesta es "No" definitivamente. 

   El lector puede notar la ausencia de mi referencia al K.498 por su apodo comúnmente  empleado, el Trío "Kegelstatt". Esta denominación se propagó debido a la noción que Mozart  concibió la obra durante un juego de bolos, un pasatiempo también conocido como "bolas" o  "kegeling". Uno jugaría tal juego en un "Kegelstatt," de ahí el nombre "Kegelstatt Trío". Varios  músicos y  eruditos han expresado dudas si el lugar tuvo que ver  con la creación del trabajo. Las editoriales Plath y Rehm, en el prefacio a sus ediciones del Trío  preparados para Neue de Barenreiter Ausgabe samtlicher Werke, pusieron en duda la  legitimidad del apodo "Kegelstatt". Plath y Rehm indican que posiblemente el subtitulo  "Kegelstatt" fuera erróneamente transferido de los Doce Dúos para Dos Instrumentos de Viento  de Mozart , K.487. El manuscrito de estos Dúos, impresos nueve días antes que el Trío,  muestran la inscripción "untern kegelscheiben" (es decir, "durante un juego de bolos"). Kochel,  en su catálogo de las obras de Mozart, confirma esta inscripción en los Dúos. Ninguna  inscripción similar aparece en el manuscrito del Trío.

He examinado personalmente el manuscrito del Trío con gran detenimiento, y he escrito  extensivamente sobre esta gran obra. Está muy claro que la música "Kegelstatt" es de hecho los  Doce Dúos, y la prueba es una nota escrita por la propia mano de Mozart que aparece sobre los Dúos. Al final, toda esta confusión provino posiblemente del error de un editor. De hecho,  hay docenas de errores en el Trío tal como lo conocemos hoy en día. ¡No solamente es el  subtitulo "Kegelstatt" - hay varias notas incorrectas en ediciones modernas! Incluso las dos ediciones "auténticas" impresas hoy - aquellos de Henle y Barenreiter - han omitido notas correctas.

   De todas formas, la mayoría asegura que la música Kegelstatt de Mozart es de hecho los  encantadores Doce Dúos. Hay algunas pruebas que Mozart pudo haber desarrollado algunas  ideas para el Trío durante una tarde de diversión, pero esto no puede ser confirmado, y las  pruebas pueden bien ser falsas. La música escrita en el kegelstatt donde Mozart disfrutó de  muchas tardes de diversión y juegos es K.487, es decir, los Doce Dúos.

¿Cuándo fue estrenado el concierto para clarinete de Mozart?

Conversando una tarde con unos colegas, llegamos al inevitable tema del Concierto para clarinete de Mozart, quizás la obra para clarinete más interpretada de todos los tiempos - hasta el punto de que el segundo movimiento de esta obra formó parte de una popular película. Alguien en la conversación preguntó, y ¿cuándo fue estrenada esta obra? Les comparto la respuesta que encontré. Por Marco Mazzini.

Que el concierto para clarinete escrito  en 1791 fue la última pieza en forma de concierto que escribió el afamado Mozart no es ninguna novedad para clarinetista alguno.  Que las primeras publicaciones del concierto fueron adaptadas del basset horn para el clarinete en La, y por tanto, modificadas para siempre para su adaptación  - ya que el original se perdió - tampoco lo es. Igual podemos leer que fue escrito para el clarinetista Anton Stadler – quien  amplió su instrumento hasta el do en el registro bajo - y no mostrar asombro. Lo que  podría llamar nuestra atención es el saber la fecha exacta de cuando el concierto fue estrenado. También podemos especular que esta importante obra en la historia del clarinete fue escuchada en público más de una vez  e interpretada por el mismo Stadler, pero inmediatamente nos formulamos la pregunta : ¿cuándo y dónde fue ejecutada? ¿Existen algunas pruebas al respecto?

  Indagando entre libros, revistas y otras fuentes encontramos que existen documentos que sacian nuestra curiosidad, pero no muchos. En el Congreso de Clarinete de Chicago de 1994, Pamela Poulin dio a conocer un programa original donde  el Concierto para clarinete de Mozart, con Stadler como protagonista, es incluido. Este es el único documento donde específicamente se menciona  un concierto de clarinete compuesto por Mozart. La fecha del concierto, 21 de marzo de 1794 en Riga.  Pero esta no es la fecha del estreno como vamos a descubrir a continuación, pero si una clara prueba que el concierto fue escuchado mas de una vez con Stadler en el escenario.

  La primera pista es el catálogo de obras que el propio Mozart escribió. El concierto para clarinete no cuenta con una fecha exacta, pero se encuentra entre La Flauta Mágica (28 de setiembre) y La Pequeña Cantanta (15 de noviembre). Stadler viajó de Viena a Praga a principios de octubre, como lo anota el historiador Georg Nissen en su “Biografía de Mozart”:  “ …para este mismo Stadler Mozart compuso en octubre un concierto para clarinete, el cual se lo dio junto con algo de dinero para su viaje a Praga, y asi asegurarse que  lo tocaría allá”. Pero, el documento que nos da una interesante fecha anterior, es el que se encuentra en el libro “Mozart en Praga” por Rudolph Procházks, quien asegura que el concierto fue estrenado el 16 de octubre:

  “ De todos modos Stadler viajó a Praga con la intención de tocar, ya que tenía un concierto el 16 de octubre de 1791 en el Teatro Nacional. Entre los documentos del gobierno se puede encontrar un permiso para artistas músicos emitido por la policía el 13 de octubre, donde se lee: “Anton Stadler, músico de cámara Real de Viena, recibe, luego del pago de dos florines, el permiso de ofrecer un concierto de música en 16 de octubre en el Teatro Real Altstädter.”
  Bajo estas pruebas, se ha concluido en la fecha del estreno del concierto para clarinete de Mozart: 16 de octubre de 1791 en Praga.

  Además, Pamela Poulin ha  podido registrar la gira que hizo el clarinetista por Europa con la nueva composición, y es el siguiente:

31 de Enero de 1792 en Berlín
23 de marzo de 1792 nuevamente en Berlín
4 de mayo de 1792 en Varsovia.
11 de setiembre de 1792 en Varsovia.
27 de febrero de 1794 en Riga.
5 de marzo de 1794 en Riga.
13 de mayo de 1794 en San Peterburgo.
16 de setiembre de 1794 en Lubeck
27 de setiembre de 1794 en Lubeck
29 de noviembre de 1794 en Hamburgo
20 de diciembre de 1794 en Hamburgo
12 de setiembre de 1795 en Hanover.


  En el segundo concierto llevado a cabo en Varsovia (23 de marzo, 1792) se programó un “concierto para clarinete” junto con un Rondó y unas Variaciones. Este programa empezó con el segundo movimiento de la “Sinfonía Nacional” del compositor checo Jan David Holland (1746-1826) y concluyó con “algunas danzas polacas” interpretadas por La Orquesta Rusa que contaba con 130 miembros. Aunque no se menciona el nombre de Mozart, se podría tratar de su  concierto, ya que Stadler fue el músico encargado de tocar en esa oportunidad, pero aún así es difícil asegurar que la obra si se interpretó en esa ocasión, ya que Poulin ha descubierto que en los conciertos de Riga, un Concierto para clarinete compuesto por el mismo Stadley fue programado. Lamentablemente esta obra no se conoce.

  Una última prueba nos ayuda a asegurar que el concierto fue tocado varias veces por Stadler, y oído no sólo dentro de las paredes de una corte si no por el público en general: son las líneas que se aprecian en el Musikalisches Wochenblatt de Berlín, enero de 1792: “Don Stadler, clarinetista de Viena: Hombre de gran talento y reconocido como tal en la corte, donde ya ha sido oído en varias ocasiones. Su ejecución es brillante....  aún asi, a su ejecución le falta ese sonido dulce y esa proyección tan agradable con el cual don Tausch fascina a su audiencia a menudo. Don Stadler ha extendido su instrumento agregándole llaves; de todos modos, el beneficio que traen estas llaves –las cuales saturan el instrumento- no parece ser considerable” . Luego de su gira por Europa, el clarinetista regresó a Viena en julio de 1796, y organizó un nuevo concierto el próximo mes de setiembre. Conciertos que se hayan llevado acabo de esta fecha en adelante son aún desconocidos.

Bolivia: BECA Clariperu para la Convención Vientos del Sur

Clariperu, en un esfuerzo más por apoyar la difusión y desarrollo del Clarinete en nuestro continente, tiene el agrado de anunciar una BECA para un clarinetista boliviano que desee tomar parte de la Primera Convención "Vientos del Sur". En trabajo conjunto con la Fundación Crearte América, Clariperu hará posible que un clarinetista boliviano pueda asistir a este evento con los gastos pagados de transporte (desde Santa Cruz de la Sierra hasta Monteblanco y retorno), alimentación, hospedaje, y talleres de capacitación musical con reconocidos músicos nacionales y extranjeros.

La BECA CLARIPERU se otorgará por mérito a un joven clarinetista boliviano. Para postular a esta beca, los interesados deben completar este formulario electrónico. Así de simple.

Tal como se anuncia en el formulario, se aceptarán postulantes hasta el 21 de noviembre. Anunciaremos por este medio y por Facebook al ganador de la BECA Clariperu el 23 de noviembre. ¡Los esperamos amigos de Bolivia!