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20 de diciembre de 2022

15 razones para tener tu página de artista en Facebook. CLARIPERU

Página de artista Facebook para clarinetistas clariperu

El año 2022 está por terminar y es posible que estés creando una lista mental de las cosas que deseas hacer para el nuevo año. Tal vez en tu lista no se encuentre el "crearme una página de artista en Facebook".

Consideramos que es importante que los clarinetistas de nuestra comunidad cuenten con un espacio donde puedan compartir sus logros musicales. Frecuentemente nos llegan preguntas como ¿cuál es la diferencia entre una página de artista y la de perfil que ya tengo?, ¿por qué debo tener una de estas páginas?, ¿qué ventajas ofrecen? Las ventajas son múltiples y aquí te decimos porqué crearte una página de artista puede ser una buena idea para el año nuevo que está por comenzar.


1. Número ilimitado de seguidores

Tu cuenta personal en Facebook  te permite reunir hasta cinco mil familiares y amigos con los cuales puedes compartir tu vida diaria. Es posible que esta cantidad te parezca un número alto, pero la realidad es que si buscas tener un mayor impacto con tu música y tus logros profesionales, ¿por qué dejarte limitar por la plataforma? Las páginas de artistas no tienen límites y es por eso que encontrarás a muchos músicos que tienen miles y cientos de miles de seguidores. Permítete pensar que tus seguidores pueden y deben crecer en el tiempo y tu página de artista te permitirá recibirlos a todos.

2. No te preocupes por aceptar invitaciones

Con tu perfil personal recibes solicitudes de amistad de personas que conoces y otras que no estás seguro de por qué te solicitan contacto. Este proceso de aceptar o anular una solicitud de amistad no existe en las páginas de artistas, ya que las personas deciden seguirte atraídas por el contenido que compartes, y lo único de deben hacer es pulsar el botón "me gusta". ¡Simple!

3. Separa tu vida privada de tus avances profesionales

Es importante que consideres separar tu vida privada de tu labor musical. Por algo decimos "vida privada" ya que tú decides con quién compartirla, y para eso tienes tu página de amigos donde puedes compartir con tus contactos, algunos de ellos o solo una persona, tu desayuno o que rompiste un plato. Tu página de artista debe estar enfocada en tu arte, en tus ideas de belleza y música, en verte tocar, enseñar o dar charlas en diferentes instituciones. Es un espacio donde compartes tus inquietudes como artista y tus seguidores ya saben qué esperar de ti. Esto no indica que no puedas compartir eventualmente sobre tu vida privada, pero preferentemente el contenido más importante y mayoritario de tu página de artista debe estar dedicado justamente a eso, a tu vida de artista.

4. Puedes interactuar como artista 

Ahora Facebook te permite interactuar con tu página de artista, lo cual brinda muchas oportunidades para conectarte con otros músicos y con diferentes instituciones del mundo. Cuando dejas un comentario, como artista, las personas que aprecian tus palabras visitarán tu página por curiosidad y esta es también una manera de ampliar tu comunidad (y claro, les encantará el contenido que estás compartiendo como clarinetista). Existe un detalle más a considerar: a lo mejor deseas usar un alias como artista y es justamente en estas páginas donde lo puedes hacer, manteniendo tu nombre real en tu perfil personal.

5. Las páginas son públicas 

Cuando subes un video de tu último concierto en tu página de artista, Google lo encontrará y lo sugerirá cuando alguien desee buscarte en internet. Esto no sucede en los perfiles personales. Por lo tanto, tu página de artista tiene un mayor alcance para difundir tu trabajo a través de toda la red.

6. Puedes crear eventos y cuentas con más opciones para compartir

Al momento de crear una publicación en tu página de artista tienes más opciones que si lo hicieras desde tu perfil, desde recibir mensajes en Whatsapp a recaudar dinero. Y tienes toda la libertad de crear eventos con tu nombre artístico y promocionar tanto tu nombre como tu actividad musical.

7. Te etiquetan como artista

Cuando una orquesta, conservatorio, empresa o página del rubro desee mencionarte, podrá etiquetarte como artista y así promover nuevamente tu trabajo ante un nuevo público. Las páginas pueden etiquetar otras páginas, pero no necesariamente perfiles personales.

8. Ofreces tu arte y servicios en un solo lugar

¿Además de dar clases y conciertos vendes accesorios para músicos, ropa diseñada para clarinetistas u ofreces asesoramientos? Todo tu potencial artístico y comercial lo puedes promover en un solo lugar, con fotos y videos diseñados para este propósito. 

9. Creas una comunidad

Tus seguidores crecerán con el tiempo a medida que aprecien tu trabajo a través de tus publicaciones regulares. Facebook, incluso, te indica quiénes son tus fans destacados para que puedas interactuar con ellos de manera especial.  Poco a poco crearás una comunidad que te valora y apoya (y recuerda, el número de seguidores es ilimitado).

10. Es un espacio creativo

Tu página de artista es tu espacio para mostrar tu lado creativo, es decir, compartir esos videos detrás de cámara, compartir fotos y textos que inspiren a tus seguidores. ¡Eres un artista y en tu página te puedes expresar libremente!

11. Puedes vender productos

¿Te dedicas a la venta de instrumentos u otros accesorios para clarinetistas? La página de artista te permite hacer ventas directamente a tus seguidores. Si revisas con atención esta publicación, verás que puedes incluir en tu página una sección tienda, lo cual es muy conveniente ya que una vez más, tienes todo en un solo lugar.

12. Diseño personal 

Tu página puede tener botones especiales que se adecúen a tu perfil artístico. Por ejemplo, puedes agregar un botón "llamada a la acción", donde puedes dirigir a tus seguidores a una web, a un nuevo video, a una oferta o a un formulario de inscripción, lo cual es muy útil para los músicos. 

13. Múltiples administradores

Tu carrera avanza, tus alumnos crecen y tu tiempo se limita para estar pendiente de tu página de artista. No te preocupes, ya que tu página la puede administrar otra persona en la cual confías, puede programar tus publicaciones y ayudarte a mantener activa tu presencia en Facebook.  Es más, puedes tener todo un equipo con acceso a tu página y, nuevamente, separado de tu vida y mensajes privados que mantienes en tu perfil personal.

14. Análisis de datos

Otro aspecto que no podemos pasar por alto es que, al tener una página dedicada solo a tu actividad artística, puedes tener acceso a estadísticas precisas sobre el público que sigue tu trabajo y así utilizar estos datos para que siga creciendo tu marca personal en Internet. Incluso cuentas con un planificador interno para programar tus publicaciones y ver las anteriores.

15. Es gratis

¿Qué más podemos agregar? Lo único que te va a costar es un poco de tiempo en acostumbrarte a tu nueva página. Además, si luego de un tiempo decides que no deseas continuar con tu página de artista, simplemente la borras de Facebook. 

Qué dices, ¿te atreves a crear una en el nuevo año?

7 de junio de 2022

Descubre la historia del Concierto para clarinete de Gerald Finzi. CLARIPERU

Finzi clarinet concerto concierto para clarinete de gerald Finzi CLARIPERU

Por Marco A. Mazzini



¿Cuántos conciertos para clarinete conoces? De todos ellos, ¿cuántos has escuchado en vivo? 

Lo más probable es que tu primera respuesta arroje un número mucho mayor a tu segunda respuesta. Y es que los conciertos para clarinete de maestros como Mozart, Weber, Mercadante, Spohr, Copland, Nielsen son programados regularmente por orquestas de todo el mundo, y la lista que acabo de crear bien podría leerse en orden de prioridad que reciben estos compositores y sus extraordinarios conciertos para clarinete. 

Es por eso que me entusiasmó leer sobre la interpretación del Concierto para clarinete del compositor inglés Gerald Finzi por el destacado clarinetista mexicano Diego Cajas, junto a la Orquesta de Cámara de Bellas Artes y la dirección de Luis Manuel García. Por si fuera poco, Diego interpretará dos veces el concierto. ¡Bravo! 

Te invito a descubrir varios detalles interesantes de este concierto, como su dedicatoria, el clarinetista y director que estrenaron la obra, así como conocer de cerca al ser humano detrás de la música.


 GERALD FINZI 
Gerald Finzi nació el 14 de julio de 1901 en Londres y estudió música con Ernest Farrar (a los catorce años) y Edward Bairstow (clases privadas por cinco años). Aún en sus veinte años, tuvo la oportunidad de conocer a los compositores Gustav Holst, Arthur Bliss y en especial a Ralph Vaughan Williams, quien le conseguiría luego un puesto como profesor de música en la famosa Royal Academy of Music en Londres. 

Finzi fue un gran apasionado por la música y la poesía. El compositor irlandés Howard Ferguson, gran amigo de Gerald, nos dice que "su curiosidad por partituras nuevas o desconocidas era insaciable y su energía ilimitada". Finzi compartió muchos momentos al piano junto a Ferguson, quien recuerda la necesidad que sentía Gerald por oír y descubrir todo tipo de música, la cual intentaba luego tocar al piano. Ferguson cuenta que, "de esta manera, trabajamos a través de grandes cantidades de música de todos los estilos y épocas: óperas, canciones, música de cámara y sinfonías, estas últimas en arreglos de piano a dúo más ortodoxos pero no menos agitados".

Anthony Scott, el único estudiante privado que tuvo Finzi, nos cuenta sus impresiones del compositor y su actitud hacia el trabajo:

Durante casi tres años, antes de la guerra, estudié composición con Gerald Finzi y me gustaría escribir un poco sobre él como profesor. Creía firmemente en el valor del trabajo regular para inducir el flujo de la música, por más latente que pudiera parecer el impulso de escribir. El cerebro es una esponja que necesita exprimirse regularmente, decía.

Finzi fue diagnosticado con cáncer en el año 1951 y falleció cinco años después, el 27 de septiembre de 1956. Durante los últimos años de su vida se dedicó a escribir mucha música y es justamente en este periodo que nace su Concierto para clarinete.

En 1951, y con el temor de que sus obras pasaran al olvido, el compositor agregó un hermoso mensaje a su catálogo de obras, unas palabras sensibles a las futuras generaciones:

Como suele suceder, es probable que nuevas ideas, nuevas modas y el avance de las nuevas generaciones pronto borren mi pequeña contribución. Sin embargo, me gusta pensar que en cada generación se pueden encontrar algunas mentes receptivas y para ellas me gustaría que mis obras estén aún disponibles. Estrechar la mano de un buen amigo a lo largo de los siglos es algo placentero, y el afecto que un individuo puede conservar después de su partida es quizás lo único que garantiza una última vida de su obra.


 EL CONCIERTO PARA CLARINETE 
Dentro de su catálogo, su Concierto para clarinete op. 31 es una de las obras más interpretadas, a la par con su Concierto para cello en la menor op. 40. La obra fue comisionada en 1949 por el Festival Three Choirs, que anteriormente ya le había encargado música. Finzi compuso el concierto bastante rápido. La obra está orquestada para clarinete en sib y orquesta de cuerdas, con tres movimientos contrastantes: Allegro vigoroso, Adagio ma senza rigore y Allegro giocoso.

El Concierto para clarinete fue compuesto para un instrumentista específico: la clarinetista Pauline Juler, quien anteriormente había trabajado con el compositor. Fue ella quien estrenó el 15 de enero de 1943 las Five Bagatelles para clarinete y piano junto a Howard Ferguson en el piano. Sin embargo, en 1948 Pauline contrajo matrimonio con el cellista Bernard Roland Richards y decidió dedicarse a su familia. Por esta razón dejó de presentarse en público, aunque se mantuvo como maestra de clarinete. 

Sin su solista inicial y con poco tiempo para el estreno de su nueva obra, Finzi recurrió a uno de los más grandes clarinetistas británicos de la época, el famoso Frederick Thurston, quien  había tocado en la orquesta de la Royal Opera House y luego obtuvo el puesto de clarinetista principal de la recién creada Orquesta Sinfónica de la BBC. Fue así que Thurston, bajo la dirección del compositor, ofreció el estreno mundial de esta gran obra el 9 de septiembre de 1949 en la catedral de Hereford como parte del Festival Three Choirs de ese año, acompañado por las cuerdas de la Orquesta Sinfónica de Londres. Cabe resaltar que el concierto, al igual que las  Five Bagatelles, están dedicados a la clarinetista Pauline Juler.


 POPULARIDAD DE LA OBRA 
El Concierto para clarinete de Gerald Finzi es reconocida como una de sus obras más populares. ¿A qué se debe esto? 

Evidentemente la música es cautivadora desde un inicio, con hermosas melodías que transcurren sobre disonancias cuidadosamente repartidas en el diálogo del concierto. Finzi contaba con un lirismo muy personal y denota que había encontrado una voz clara como compositor en esos últimos años de su vida.

Además, tenemos que considerar a la esposa de Thurston, la sobresaliente clarinetista Thea King quien se dedicó a interpretar esta obra durante su fructífera carrera y convertirse en una de sus promotoras más importantes. 

Un evento que también contribuyó a la difusión del Concierto para clarinete de Finzi entre el público británico fue escucharlo en la final del primer concurso BBC Young Musician of the Year en 1978Un joven clarinetista subió al escenario interpretando un concierto escrito por un compatriota. El clarinetista fue nada menos que el renombrado Michael Collins.



 GRABACIONES 
Tuvieron que pasar veintiocho años antes de que se realice la primera grabación de esta maravillosa obra. Una de las razones fue el fallecimiento de Thurston a los cincuenta y dos años, el 12 de diciembre de 1953 y luego la del compositor en 1956.

La primera grabación fue realizada en 1977 por el virtuoso clarinetista británico John Denman, quien es además el primer clarinetista en grabar todos los conciertos de Louis Spohr. La histórica grabación de la obra de Finzi fue hecha para el sello Lyrita y el disco se puede escuchar aquí en Spotify

Hoy en día se puede escuchar este concierto por medio de varias grabaciones interesantes con sobresalientes solistas como protagonistas y sin embargo, tal como preguntaba al inicio, son escasas las veces que podemos escucharla en vivo, en una sala de concierto donde todos experimentamos al mismo tiempo la magia de la música en vivo, donde cada nota acaricia nuestra piel, nuestra alma. Gracias, Diego, por interpretar esta obra de un compositor que estamos aprendiendo a valorar en el tiempo.


Fuentes:
Ferguson, H. (1957). Gerald Finzi (1901-1956). Oxford University Press, vol. 38 (2). 130-135.
Bliss, A. (1956-1957). Gerald Finzi: An Appreciation. Cambridge University Press. Tempo,Winter, 1956-1957, New Series, No. 42 . 5-6.
The Finzi Trust (2012). Biography. http://geraldfinzi.org/01-about/biography.php



13 de abril de 2022

Thiago Tavares: El dúo que funciona: intérprete y compositor. Semana del Clarinete Bajo de Clariperu

Thiago tavares musica para clarinete bajo compositores e intérpretes Clariperu


Como parte de la Semana del Clarinete Bajo, Clariperu dedica una serie de artículos dedicados a este instrumento y sus intérpretes, como aporte a la formación integral de los jóvenes clarinetistas de Latinoamérica.
El presente artículo escrito por el destacado clarinetista bajo Thiago Tavares (Brasil) y ofrece por primera vez un panorama claro sobre las obras más importantes para clarinete bajo escritas por compositores brasileñas, y la intervención del intérprete en el nacimiento de estas obras. 

La sección del artículo donde se detallan las obras se ha dejado en portugués, el idioma de publicación original.
Clariperu agradece a Thiago Tavares por permitirnos publicar este importante artículo.



EL DÚO QUE FUNCIONA: INTÉRPRETE Y COMPOSITOR  

La relevancia del intérprete brasileño como parte integral del proceso creativo y fuente de inspiración en el repertorio actual del clarinete bajo brasileño.

Este artículo tiene como objetivo proporcionar un retrato panorámico de los clarinetistas bajos brasileños que tienen obras dedicadas a ellos escritas por compositores nacionales, incluyendo una lista del repertorio actual de la música brasileña. El criterio utilizado fue el del intérprete brasileño visto como inspiración o agente activo en el proceso creativo compositivo.

En este texto he citado algunos clarinetistas bajos a los que consulté utilizando los criterios antes expuestos. Les pedí que enviaran una lista con las obras en las que participaron en el proceso creativo o fueron fuentes de inspiración. Esta es una investigación en curso y el proceso de recopilación de datos de autores y trabajos aún está en camino. Por lo tanto, la elección de los nombres para esta investigación se basó en la accesibilidad y mi conocimiento, teniendo en cuenta que tenemos varios clarinetistas bajos brasileños que desarrollan alianzas musicales con compositores nacionales que no se mencionan aquí.

Creo en la importancia de esta obra, ya que muestra al intérprete interviniendo de diferentes maneras en la composición en comunión con el compositor. El clarinete bajo todavía tiene mucho que revelar sobre sus posibilidades. Solo la búsqueda convencional de información se muestra ineficaz para la estabilización de un nuevo idioma para el instrumento. Y por qué no, vislumbrar la creación de un acercamiento nacional a la mezcla de nuevas técnicas bajo la mirada del compositor brasileño.

El proceso de colaboración entre compositor e intérprete es conocido por varios nombres que incluyen Mozart-Stadler, Weber-Baermann, Horak-Cuciera, Sparnaay-Yun, Bok-Donatoni, Parisi-Berio y muchos otros. ¿Cómo sería si tuviéramos la posibilidad de hablar con una de estas parejas? ¿Qué nos gustaría saber? ¿Hay información no explícita en la partitura que sería relevante para el intérprete y el público? ¿Son conocidos los dúos brasileños entre clarinetistas bajos y compositores, así como sus producciones?

Esta es una pequeña muestra del gran universo cultural y musical del clarinete bajo brasileño: Crisóstomo Santos-Moreira, Flavio Ferreira-Medeiros, Marcelo Piraino-Vasconcelos, Montanha Raele, Mario Marques-Oliveira, Mauricio Carneiro-Mattos, Otinilo Pacheco-Cerqueira, Paulo Passos- Tacuchian y Thiago Tavares-Crowl.

Lamentablemente, todavía tenemos una brecha en términos de acceso a este material. La mayoría de las piezas están en estantes, hard disks, computadoras, nubes en Internet, archivos y no están disponibles para otros artistas y, a veces, tampoco para el público. Intérpretes y compositores están esperando el momento posible para grabar un CD o poder hacer un recital para estrenar estos nuevos trabajos. La falta de espacios, financiación y proyectos genera un círculo vicioso y nocivo. Intérprete y compositor quieren promocionar el repertorio pero no tienen el espacio ni el dinero. La dificultad de promover la creación musical no hace más que aumentar. Entonces la producción disminuye y como resultado, no caminamos a toda nuestra capacidad y volvemos a crear lo posible ante tanta adversidad. Hacemos lo que podemos.

Por otro lado, Internet acorta las distancias y cuando superamos la barrera de la vergüenza, podemos solicitar amablemente este repertorio al intérprete y al compositor. En su mayor parte, cada pieza tiene objetivos de grabación, financieros e ideológicos. Cada compositor y cada intérprete tiene sus propios objetivos en cada composición. Nos encontramos con varios contextos y conceptos en torno a este tema. Surgen varias posibilidades para el intérprete y el compositor. ¡Ambos tienen que sobrevivir y sus composiciones y productos están bajo el control de sus decisiones, sobre vender, distribuir y básicamente, tocar! Cada decisión de este tipo debe ser respetada. Creo que varios de estos conceptos están en proceso de transformación, teniendo que adaptarse a nuestra realidad. La lista de esta obra es un ejemplo. Muchas obras ni siquiera se han estrenado, otras solo tuvieron su estreno y tanto intérprete como compositor tienen metas con cada una de ellas.

Con este pequeño catálogo pretendo mostrar los dúos responsables de una parte de la creación del repertorio brasileño para clarinete con la delimitación de ambos, compositor e intérprete, siendo brasileños. Creo y espero que esta información genere desarrollos artísticos y/o académicos. Puedes estudiar cualquiera de estas piezas sobre su historia y proceso creativo-compositivo, simplemente buscando en Internet para ponerte en contacto con los intérpretes y compositores. Además, pongo una pequeña descripción sobre las exigencias técnicas de cada pieza, para que el clarinetista bajo pueda elegir mejor las obras según su perfil y las necesidades técnicas que presentan.

A continuación se encuentran los términos que se utilizarán en las descripciones de las partes, así como sus definiciones:


Múltiples sonidos. Uso de multifónicos tipo I y II. Es decir, el tipo I se basa en la serie armónica y el ll en digitaciones especiales.
Súper alto. Gama que se extiende más allá de sol 4.
Slap tonguing. Efecto percutivo que provoca un vacío en la caña produciendo un efecto sonoro similar a la onomatopeya "ploc".
Frulato. Efecto de sonido realizado con la lengua o la garganta que produce un sonido Frrrrrr en la nota.
Partitura gráfica. La notación musical se realiza mediante símbolos gráficos. Suele acompañarse de folletos explicativos.
Microtonos. Utiliza cuartos de tono. Ahí está la mesa de Jason Alder,lo cual es muy didáctico y asertivo para las digitaciones.
Overblowing. Sopla hasta el límite de la nota y continúa soplando, hasta una distorsión abrupta.
Varias técnicas extendidas. ¡Significa que tiene un poco de todo! ¡Ve a por ello!
Escribir en clave de fa. Requiere ingenio en la lectura en clave de fa.
Escritura alemana. Hay tres tipos de escritura: alemán, francés y ruso.

La escritura alemana se puede leer en claves de sol y fa. Como, por ejemplo, en la música de Wagner. Siendo que la de sol debe tocarse una octava arriba de la escrita. Es decir, si se escribe un C3, debe tocar C4 y así sucesivamente. En la clave de fa, la lectura es convencional. Por lo tanto, el C2 del segundo espacio es el primer C escrito debajo del pentagrama en la clave de sol (C3, por lo tanto) y así sucesivamente.

La escritura francesa se lee como cuando tocamos el clarinete, por ejemplo, en Villa Lobos.

La escritura rusa utiliza la clave de fa y la clave de sol. La lectura de clave de sol en este contexto es similar a la escritura en francés, por lo que se lee como la lectura de clarinete y no una octava más alta como en alemán. Un gran ejemplo es el Rito de la Primavera.

Las canciones se presentarán siguiendo el patrón: Título - Compositor, Año de composición - Formación instrumental - Técnicas específicas. Si no hay descripción de técnicas específicas, se trata de una pieza que utiliza escritura tradicional, sin técnicas extendidas. En otras palabras, la falta de información sobre técnicas específicas indica que la pieza es para el inicio del aprendizaje del repertorio, no teniendo tesituras muy extremas, múltiples sonidos y slpas, sino una escritura más realizable.


Clarinetistas bajos 
Crisóstomo Santos. Nacido en Moreno/PE, actúa como clarinetista y claronista en varios discos y también como músico invitado en la Orquesta Sinfónica de Recife. Es bachiller en clarinete de la UFPE, especialización en música de la UFRPE y del IBPEX y magíster en Ciencias de la Religión-UNICAP. Actualmente es profesor de clarinete en el Instituto Federal de Pernambuco - IFPE; profesor, director y arreglista de la Orquesta de Cuerdas de la ONG Movimento Pro-Criança y clarinetista/claronista de la Banda Sinfónica de la Ciudad de Recife y del Grupo SaGRAMA (flauta, clarinete y clarinete, viola nororiental, guitarra, contrabajo y percusión).

Obras solo: Um choro para Crisóstomo - Inaldo Moreira, 2005; Clarone Mimoso - Inaldo Moreira, 2005.
Quinteto de clarinetes: Alamoa - Dimas Sedicias, 2005; Cantiga - Clovis Pereira, 1970.

Flávio Ferreira. Maestro en música y licenciatura en la UFMG, donde estudió bajo la tutela del profesor Maurício Loureiro. Como clarinetista y clarinetista bajo, trabaja en diferentes ámbitos de la música clásica y popular, con su principal dedicación a la música clásica contemporánea.

Actualmente es profesor de clarinete, teoría e historia de la música en la Universidad Federal de Alagoas.

Dúo: Variações sobre o tema “Assum preto" - Almir Medeiros - 2016 - para clarinete y clarinete bajo.

Luís Afonso Montanha. Comenzó sus estudios con Márcio Beltrami en Americana-SP, se graduó en la Unesp con los Profs. Maurício Loureiro y Sérgio Burgani. También estudió con los siguientes profesores: Roberto Pires, Nivaldo Orsi, Luiz Gonzaga Carneiro, José Botelho, Carlos Rieiro, Karl Leister, Antony Pay, entre otros. Completó su maestría en Rotterdam-Holanda con los Profs. Henri Bok y Walter Boeykens y, más tarde, el doctorado en la Unicamp en interpretación. Trabajó durante más de veinte años en la Orquestra do Teatro Municipal de SP y formó parte de varios grupos de música de cámara: Camerata Aberta, Sujeto a Guincho, Opus Brasil, Tetralogia, Dúo Clarones, Grupo Quarta D, entre otros. Actualmente es Jefe del Departamento de Música de la ECA-USP y, desde 1992, profesor de clarinete, clarinete bajo y música de cámara de la institución.

Estos son solo algunos ejemplos de obras realizadas en colaboración con Montanha y compositores.

Obras solo: Dois Poemas de Anita C.- Silvio Ferraz - versão pl clarone, 2016; Poucas Linhas de Ana Cristina - Silvio Ferraz - com eletrônica versão pl clarone, 2015 - sonidos múltiples, cantar no instrumento, super agudo, slap, frulato, som com vento; Poética / clarone e tape - Aylton Escobar, versão pl clarone, 2010; Suite Alpina com tape - Andre Mehmari, 1999, slap, som com vento; Sopro Inverso - Sergio Kafegian, versão pl clarone, 2016, uso integral das técnicas extendidas.

Grupos Variados: No encalço do Boi - Silvio Ferraz, 2000 - clarone e percussão - frulato, slap, sonidos múltiples; Aquarrelo - Sergio Rodrigo, trio pl clarone, flauta e piano - frulato, slap, sonidos múltiples; Passagens - Marcos Branda Lacerda, 2001 - clarone e vibrafone - mudanças tímbricas; Choro na Montanha - Hudson Nogueira, 2000 - clarone e marimba; Noturno - Eduardo Guimarães Álvares, 2001 - clarone e vibrafone; De um tempo em deserto - Silvio Ferraz, 1997 - flauta, clarone, cello, violão, piano e percussão - uso de técnica estendida; Signo Sopro II -Marcus Siqueira, 2005 - flauta, piano, acordeon, violino e cello - uso de técnica extendida; Círculos - Valéria Bonafé, 2009 - flauta, oboé, clarone, trompa, violino, viola, cello - uso de técnica estendida baixo; Correspondencias a 2 - Thiago Cury, 1999 - violino, cello, clarone, acordeon e percussão; Impedance - José Henrique Padovani,2005, flauta, clarone, percussão, piano, violino, e cello - uso de técnica estendida.

Concertos: Brazilian Sketches - Nelson Aires, 2000 - dois clarones e banda.

Duo de clarinetes bajos (com o professor Henri Bok, ele também um grande incentivador da produção de novas obras): Novos Temas - Bok-Wagner Tiso, 1999; Quatro Passagens - Newton Carneiro, 1999; 3 Valsas - Ciro Pereira, 1999;

Sujeito a Guincho: En la mayoría de las obras arregladas por Luca Raele, el compositor interactuó con los clarinetistas bajos Luis Montanha y Nivaldo Orsi.

João Paulo Araujo. Clarinetista y saxofonista con más de veinte años de experiencia profesional. Licenciatura de la UFPB, maestría de la UFBA y doctorado en desempeño de la UFBA bajo la dirección del profesor Joel Barbosa. Profesor de Clarinete y Saxofón en la Escuela de Música de la Universidad Federal de Rio Grande do Norte desde 2008, coordinador de los Proyectos Orquesta de Clarinete Bando de Sax y Potiguar de la UFRN.

Obras solo: Dança N. 1 - Agamenon de Morais, 2015.

Mauricio Carneiro - Clarinetista bajo y clarinetista de la Orquesta Sinfónica de Paraná desde 1986, profesor de clarinete en la Escuela de Música y Bellas Artes, EMBAP-UNESPAR, desde 1988. Tiene una especialización en música de cámara y una maestría en interpretación de la UFBA.

Obras solo: Jardim Secreto - Fernando Mattos, 2007; A linguagem da Terra - Nélio Tanos Porto, 2006\7 - partitura gráfica, sonoridades múltiplas; Breve Litania para Nossa Senhora das Mercês - Antonio Celso Ribeiro, 2006; Berceuse au Canard Mandarin - Otacílio Melgaço, 2007; Danzas Híbridas op. 132 - Jaime Zenamon, 2006 - influencia latino americana; Olho de Carne solo com áudio pré-gravado - Leonardo Aldrovandi, 2007- clave de Fá e Sol, vibrato, micro tonal, som com ar, sonidos multiples, frulato, glissando; Peça para Clarone em três movimentos Miguel Randolf, 2007.

Marcelo Piraino. Profesor de clarinete en Fundarte. Estudió clarinete bajo con Henri Bok en el Conservatorio de Rotterdam.

Obras: Polyakanthos - Alexandre Birnfeld, 2003; Irie - Rogério Vasconcelos - grupo de câmara; Reflexos - Antonio Carlos Borges Cunha, versão pl clarone 2006 – solo - sonidos múltiples.

Mário Marques. Comenzó sus estudios en su ciudad natal con el profesor Dailton César Lopes. Se graduó de la UNICAMP bajo la tutela de Roberto Cesar Pires y luego fue alumno de Edmilson Nery. Actualmente es músico de la Orquesta Sinfónica Municipal de Campinas e integra el quinteto de clarinetes Madeira de Vento.

Obras solo: Curupira - Fernando de Oliveira, 2013 - até o Mib grave; Paisagens Audíveis - Marcos Padilha, 2015 - até o Ré grave; Escorregando no Choro - Sergio Vasconcellos Correa, 2015 - super agudo, grandes saltos; Serenata Brasileira - Frederico Zimmermann Aranha, 2015 - escrita tradicional de Choro; Valsa Samba-Canção Toada Valsa; Choro Seresteiro - Edmundo Villani Cortes, 2015; Mogi Guaxixe - Gian Correia, 2016 - agudo e saltos; Abstrassounds - Jailton de Oliveira, 2016; (In) Quietude - Raul do Valle, 1993, versão para Clarone (2016); Humores de Hamadríade - Leonardo Aldrovandi, 2016 - sonidos múltiples, microtons; Mini Toada - Newton Carneiro, 2017 - para clarone e Loop Station - com sonidos pré gravados; Suíte - Hudson Nogueira para Clarone Solo, 2017 - tradicional, estética nacionalista: Maxixe, Valsa, Marcha Rancho, Choro; Clarone e orquestra: Bittersweet Brazil - Frederico Zimmermann Aranha, 2016 - para clarone, orquestra de cordas e percussão - tradicional, sonidos múltiples, até o ré grave e superagudo.

Duos de clarones: Rondó para Manuel Bandeira - Fernando de Oliveira, 2017.

Otinilo Pacheco. Participó en el Grupo Novo Horizonte (soprano, un músico que dobla clarinete piccolo, clarinete y clarinete bajo, trompeta, trombón, percusión y piano) dirigido por Graham Griffths de 1988 a 1998. Fue el primer grupo brasileño dedicado a la música contemporánea en utilizar un clarinetista que tocaba el clarinete piccolo, soprano y clarinete bajo hasta el do bajo, de la marca Leblanc.

Obras solo: Paráfrase - Fernando Cerqueira, 1998;

Clarone e Vibrafone: Dionysiaque - Silvia de Lucca, 1993 - super agudo, frulato, slap;

Concerto: Concerto para clarone, percussão e marimba - Harry Crowl, 1994 - sonidos múltiples, superagudo;

Grupo Novo Horizonte: Pétala Petulância - Eduardo Guimarães, 1992; Canto de Cura - Silvio Ferraz, 1993; Entre vozes gestos e pássaros - Silvio Ferraz, 1992; Pássaro Preto, Sol e Menina em Vermelho - Silvio Ferraz, 1993; Conferência - Silvio Ferraz; 8 Clocks - Hélio Ziskind; Finismundo - Harry Crowl; Chuva Obliqua - Rodolfo Coelho de Souza; Música de Camara 1944 - Claudio Santoro, ré-instrumentação de Graham Griffiths, 1993.

Paulo Passos. Licenciado en clarinete por la Uni-Rio. Se dedica principalmente a la música brasileña contemporánea. Forma un dúo con la pianista Sara Cohen, otro con el percusionista Joaquim Abreu y es miembro del Ensemble Jocy de Oliveira.

Obras solo: Manjerona - Tacuchian, 2007 - slap, sonidos múltiples; Striding Trough rooms - Jocy de Oliveira, 2001 - superagudo, vibrato, som de ar, slap, frulato, voz no instrumento, microtons; Uma outra Idea Fixa - Marcos Siqueira, 2005 - Sonidos múltiples, slap, micro afinação, frulato; Quatro áreas - Willy Corrêa de Oliveira, 2006 - primeira área para requinta, superagudo; Void - Paulo Cesar Chagas, 2015 - micro afinação, superagudo, glissando; Grund - Roberto Victorio, 1993, revisão para o cd 2017; Xilogravuras - Nylson Juazeiro, 2005 - vibrato e frulato; Canções dos dias Vaos nove - Luiz Carlos Cseko, 2001 - várias técnicas expandidas.

Diversas formaciones: Sonatina para clarone e piano - Tacuchian, 2007; Primeiro Dialogo - Caio Sena, 1999 - tenor, baritono, clarone e piano, Suite para clarone e dois violões - Caio Sena, 1999, dedicada; Terra dos homens – Tacuchian, 2007 - Baritono e clarone - slap, frulato.


8 de abril de 2022

Daniel Belloví: El clarinete bajo, ese gran desconocido. CLARIPERU





¿Cuál es la historia del clarinete bajo? ¿Quiénes fueron los intérpretes y compositores pioneros en aventurarse a mostrar el potencial sonoro y expresivo de este instrumento? Las respuestas a estas preguntas las encontrarás en este interesante artículo escrito por Daniel Belloví, máster en clarinete bajo por el Koninklijk Vlaams Conservatorium de Amberes (Bélgica) y clarinete bajo y clarinete contrabajo de la Banda Sinfónica Municipal de Valencia.

El presente artículo fue publicado originalmente en la Revista Música i Poble n ° 173, publicada por la Federación de Sociedades Musicales de la Comunidad Valenciana. Clariperu reproduce el artículo con autorización del autor.


 EL CLARINETE BAJO, ESE GRAN DESCONOCIDO 


“No es un saxofón negro, es un clarinete bajo”

Cuántas veces nos hemos tenido que oír los intérpretes de clarinete bajo, incluso dentro del ámbito musical, qué saxofón más raro o ¿tocas un saxofón negro? El clarinete bajo no es un saxofón negro conforme ha pensado o todavía piensa mucha gente, tampoco es ese instrumento grande de madera y metal que suele ser pesado de articulaciones y de tesitura limitada. Habitualmente en nuestras sociedades musicales los directores sienten que cuando alguien tiene que tocar el clarinete bajo, tiene que ser un músico “normalito”, que ya no estudie, o una persona mayor sin muchas ambiciones, sin pensar que el clarinete bajo en muchas ocasiones es y será un instrumento solista. Los compositores españoles hasta hace bien poco veían al clarinete bajo como un clarinete grande pero más lento y pesado no apto para grandes virtuosismos ni para pasajes difíciles, aprovechable en su tesitura más grave, dejando de utilizarlo en el registro medio, agudo y sobreagudo porque existe la creencia generalizada de que su sonido es pobre en esos registros y de difícil emisión.

El clarinete bajo es un instrumento de la familia de viento madera, inventado a mediados del siglo XVIII, concretamente entre 1730 y 1750 como complemento a la familia de los clarinetes. Su extensión sonora es de casi cinco octavas aunque su registro sonoro óptimo se encuentra en torno a las tres y media. La extensión habitual es: del mi bemol 2 al sol 5, aunque la práctica totalidad de los clarinetes bajos que se fabrican hoy en día son instrumentos que llegan al do 2, siendo su sonido dulce y rico, más grave y potente que el del clarinete soprano en si bemol, poseyendo una amplia gama dinámica, desde el mínimo pianissimo al máximo fortissimo.

La música para el clarinete bajo se escribe normalmente en clave de sol y suena una novena inferior a lo escrito, esta es conocida como “notación francesa”, otros compositores han usado la “notación alemana”, en clave de fa con la música escrita un tono más alto que sus sonidos reales. El clarinete bajo posee una longitud de 1,4 m, el doble de la de un clarinete normal, por lo que resultaría imposible de manejar si el tubo no se curvara, presentando un cuerpo de madera, habitualmente ébano o granadilla, y una campana y un tudel metálicos. No se sabe a ciencia cierta quién fue el primero en construirlo, pero en Alemania se encontró el más antiguo que se conoce, con una única llave, en Bélgica encontramos otro que ya posee una forma parecida al clarinete bajo actual pero con tres llaves y otro instrumento más en Suiza con alguna llave más, haciéndonos pensar que ya es de finales del siglo XVIII.

Entre finales del siglo XVIII y principios del XIX, el clarinete bajo adoptó la forma de un fagot, con la campana del instrumento hacia arriba y una afinación más que aceptable en sus más de tres octavas. Desfontelles vuelve a darle forma de saxofón a principios del siglo XIX y Papalini, crea un clarinete bajo en forma de serpiente con el objetivo de reducir la longitud del tubo, aunque la gran mayoría de los fabricantes de esta época le siguen dando la forma de fagot. Hacia mediados del siglo XIX fue Louis Auguste Buffet quien desarrolló un clarinete bajo con la campana hacia abajo, en colaboración con el clarinetista Isaac Dacosta, siendo Adolphe Sax, afamado constructor de instrumentos belga, el que le introdujo varias mejoras técnicas al clarinete bajo, fabricándose a finales del siglo XIX clarinetes bajos en más de diez países diferentes. 

A principios del siglo XX el clarinete bajo ya poseía diecisiete llaves, comenzándose a fabricar los primeros modelos que descendían hasta el do grave, añadiéndosele llaves para facilitar su ejecución hasta las actuales treinta más o menos, dependiendo del fabricante y del modelo de clarinete bajo, y si desciende hasta el do grave o si sólo llega hasta el mi bemol. En el siglo XIX se fabricó un clarinete bajo en la, muy parecido al afinado en si bemol, cayendo en desuso y siendo reemplazado por este último, empleándolo Richard Wagner como solista en su ópera Lohengrin. Originariamente su utilización se limitaba a las bandas militares y a las formaciones de viento, agrupaciones en las que solía doblar las voces de otros vientos o los sustituía cuando no se disponía de instrumentos de tesitura baja.

Desde que en 1834 el compositor Saverio Mercadante introdujera el Glicibarifono, antecesor del clarinete bajo en la Orquesta Sinfónica con el estreno de su ópera Emma di Antiochia, han sido muchos los compositores a lo largo de la historia de la música que han incluido al clarinete bajo en la orquesta sinfónica con un papel relevante, destacando a Giacomo Meyerbeer, Richard Wagner, Franz Liszt, Giacomo Puccini, Richard Strauss, Maurice Ravel, Dimitri Shostakovich, Sergei Prokofiev o Igor Stravinsky. A mediados del siglo XX, cambió su utilización como instrumento “secundario” y se afirmó como instrumento solista. La emergencia de nuevas tendencias y estilos musicales, así como la afirmación de unas características técnicas y constructivas estables, provocaron que numerosos compositores como Karlheinz Stockhausen, Bruno Maderna, Franco Donatoni, Iannis Xenaxis, o Isang Yun experimentaran nuevos recursos sonoros y contribuyeran a hacer de su sonoridad grave y rica un elemento clave de la música contemporánea. El virtuosismo de destacados intérpretes y especialistas han hecho el resto. El primer recital íntegro con el clarinete bajo como instrumento solista fue interpretado el 24 de marzo de 1955 por el que es considerado como el padre de todos los grandes clarinetistas bajos de la actualidad, Josef Horak.

Josef Horak, (República Checa, 1931-2005) tuvo que coger el clarinete bajo por casualidad en una grabación de la Orquesta Sinfónica en la que trabajaba, enamorándose en ese preciso instante de ese bello e ignorado instrumento. Empezó a especializarse, investigando las posibilidades del registro agudo, llegando a conseguir un rango de casi cinco octavas en el clarinete bajo. Uno de los problemas que tuvo que afrontar al comienzo fue la falta de repertorio original: solo contaba con la Sonata de Othmar Schoeck, escrita en 1927-28, por lo que tuvo que hacer transcripciones y arreglos de obras escritas para cello o clarinete. A lo largo de su carrera más de 500 obras han sido escritas exclusivamente para este intrépido músico checo, quien dio a conocer el clarinete bajo al mundo.

En el año 1959, Horák acababa de tocar para la radio alemana el sexteto de viento Mládí de Leos Janacek, y mientras se relajaba con sus compañeros, mostrándoles algunas de las notas agudas que podía obtener con el clarinete bajo, le interrumpió un hombre bastante maduro preguntándole: ¿Puede tocar más agudo y más fuerte? ¿Puede tocar pianissimo? ¿Qué obras interpreta en el clarinete bajo? Definitivamente Horák había llamado la atención de este individuo. “Solo toco transcripciones porque no existen obras originales” le respondió Josef, para escuchar inmediatamente un consejo del visitante: “¡Toque la Sonata para fagot y piano de Hindemith!”. -¿Existe alguna transcripción? Preguntó inocentemente Josef, “Oh, Hindemith se sentirá contento si usted la toca. ¡Yo soy Paul Hindemith!”.

A pesar de fundar diversos grupos de cámara interpretando obras nuevas y ganando varios premios, Josef Horak será recordado por el Duo Bohemi di Praga, formado con la pianista Emma Kovárnová y con el que consiguió los mayores éxitos, dando conciertos y clases magistrales por todo el mundo, dedicándole un gran número de compositores al Duo Bohemi di Praga, innumerables obras nuevas que forman hoy por hoy parte del repertorio obligatorio del clarinete bajo.
 
Todos conocemos la importancia que tiene el clarinete bajo dentro de las formaciones más conocidas como son la orquesta sinfónica y la banda de música, teniendo también un papel importante en la música de cámara, no solo como base del cuarteto de clarinetes, sino como miembro en igualdad de condiciones e importancia con el resto de componentes en diversas formaciones como ocurre en el Sexteto de Jean Françaix o en el Sexteto Mladi de Leos Janacek, ambos originales para clarinete bajo y quinteto de viento o el Septeto de Paul Hindemith original para quinteto de viento, trompeta y clarinete bajo, o los quintetos para clarinete bajo y cuarteto de cuerdas Fantasy Quintet de York Bowen, Zebus de Johan Favoreel o Da Uno a Cinque de Frits Celis entre otras obras de cámara de las combinaciones más curiosas y el interminable y desconocido repertorio original para clarinete bajo y piano.

Son innumerables los compositores que le han dedicado sus obras al clarinete bajo en todo el mundo, Theo Leovendie, Dietrich Erdmann, Todd Goodman escriben conciertos para clarinete bajo y orquesta, y Jonathan Russell le compone un concierto para dos clarinetes bajos y orquesta. También como instrumento solista acompañado por Banda de Música destacamos a compositores de la talla de Kees Vlak con su Concerto for bass Clarinet and Harmony Band, Jan Hadermann Spotlights on the Bass Clarinet, Jan van der Roost Tre Sentimenti, o los españoles Nino Díaz Octubre, Francisco Bort Carambola o José Alamá Con Cierto Sentido.

Entre todas las obras compuestas a finales del siglo XX en las que participa el clarinete bajo, destacan especialmente aquellas en las que el instrumento se combina con la percusión. Entre todos los elementos de esta familia, parece que es la marimba la que mejor liga con el clarinete bajo. Así parece demostrarse en obras como la Sonata for Bass Clarinet and Percussion de Patrick Drazen (1979), Duo, op. 220 form Marimba and Bass Clarinet de Tauno Marttinen (1983), From Far and Near para marimba y clarinete bajo de Wilfried Westerlinck (1990) o Diàlegs Subtils para clarinete bajo y percusión de Salvador Brotons (1990), entre muchas otras.

Hoy en día poco a poco el clarinete bajo se está abriendo un hueco como instrumento solista gracias a que algunos compositores y asociaciones de compositores están empezando a conocer las posibilidades que ofrece este bello instrumento que tanto tiempo ha sido “ese gran desconocido”. Entre todos ellos hay que destacar la apuesta que este año ha realizado COSICOVA, Asociación de Compositores Valencianos, dedicándole al clarinete bajo a través de sus compositores asociados varios estrenos en un recital para clarinete bajo y piano a realizar en noviembre del presente año en el Palau de la Música de Valencia y que tendré el honor de poder interpretar como solista de clarinete bajo.
 
Animo a todos aquellos músicos, directores, compositores, clarinetistas o no, a que consideren al clarinete bajo como el instrumento que es con su personalidad y sus características propias, tan cercanas y a la vez alejadas de lo que es un clarinete convencional, y a todos aquellos que quieran conocerlo a fondo, con todas sus posibilidades y particularidades, les recomiendo que consulten a algún especialista en el clarinete bajo y si no tienen cerca o no conocen personalmente a ninguno, consulten el libro “El clarinete bajo” del gran clarinetista bajo Harry Sparnaay, al que agradezco su colaboración para realizar este artículo, al igual que le doy también las gracias al que ha sido y es mi gran maestro de clarinete bajo y amigo personal desde hace ya veinte años, el maestro Jan Guns, al que le tengo que agradecer todo lo que sé sobre el clarinete bajo, la manera de tocar, la concepción del instrumento, el repertorio y sobre todo el cariño hacia este cautivador instrumento que es el clarinete bajo. 

 Para finalizar, comentar que en España, al igual que en la mayoría de países de Europa y casi en la práctica totalidad del mundo el clarinete bajo se puede estudiar oficialmente en los Conservatorios Superiores o Universidades como instrumento secundario dentro de la especialidad de clarinete, pudiendo realizar estudios específicos con su titulación de Máster correspondiente en clarinete bajo sólo en países como Bélgica y Holanda. Una lástima ya que creo al igual que muchos compañeros profesionales, que el clarinete bajo se merece realmente una especialización de sus estudios independiente.



25 de marzo de 2022

¿Por qué el 24 de marzo es una fecha importante para el clarinete bajo? CLARIPERU



¿Te imaginas tu vida diaria sin Internet? ¿Cómo te sientes cuando olvidas tu celular en algún lugar y no lo usas por muchas horas? Es posible que te cueste imaginar un mundo sin teléfonos inteligentes y sin acceso inmediato a un océano de información. Hagamos un segundo ejercicio mental: imagina un mundo donde nadie haya escuchado el clarinete bajo como un instrumento solista. Nadie.

Desde su desarrollo, a partir de 1730, el clarinete bajo ha sido escuchado como un refuerzo de sonidos graves y con justa razón: su profundo sonido y facilidad para acoplarse a otros colores sonoros en diversos matices se empezó a popularizar entre entusiastas de los sonidos bajos. Han pasado casi tres siglos y su rol como relleno sonoro es aún significativo. El problema es que muchos músicos aún creen que el clarinetista que no es bueno puede y debe tocar el clarinete bajo, el instrumento auxiliar.

Hoy en día el panorama está cambiando con las nuevas generaciones, los especialistas y la difusión masiva de las grabaciones. Pero en cada historia siempre hay un héroe, alguien que se atreve a ir en contra de los patrones musicales establecidos y cometer una locura. Como clarinetistas, estamos tan acostumbrados a escuchar un clarinete bajo y no imaginamos que, en algún momento, alguien dio el primer paso para arrancar al instrumento de su rol secundario y liberarlo al mostrar todas sus posibilidades solísticas y expresivas. Esta historia empieza en la República Checa y nuestro héroe se llama Josef Hórak. Descubriremos por qué el 24 de marzo es una fecha importante en la historia del clarinete bajo.

Josef Horak CLARIPERU
Josef Hórak nació el 24 de marzo de 1931 (¡vaya coincidencia de fecha!) y como clarinetista de la Orquesta Filarmónica de Brno (puesto que mantuvo hasta 1963),  un día le tocó la incómoda situación de tener que tocar el clarinete bajo en una obra. Esta situación, en lugar de desalentarlo, le cambió la vida: se enamoró del sonido del clarinete bajo. 

Al empezar a explorar las posibilidades sonoras del clarinete bajo, pronto se dio cuenta que las obras originales para este instrumento eran sumamente escasas - y aquí nuevamente tenemos que imaginar un mundo muy distinto al actual -. ¿Cómo que no hay música para clarinete bajo? Aparte de pequeños solos orquestales, se conocía la Sonata de Othmar Schoeck, compuesta en 1927 y que mencionamos en este interesante artículo. Y esa era una sola obra en un verdadero desierto.

Hórak empezó a realizar transcripciones de obras para cello y fagot para cometer una locura en el escenario: ofrecer un recital completo con el clarinete bajo como solista. Hasta esa fecha, nadie se había atrevido a crear semejante propuesta sonora y por primera vez se iba a escuchar la voz clara del clarinete bajo.

Y así lo hizo. Este concierto sumamente especial marca una nueva historia en el desarrollo artístico y sociocultural del clarinete bajo. En la República Checa, Josef Hórak ofreció el primer recital de clarinete bajo en el mundo, el 24 de marzo de 1955. Sin duda, una fecha importante para todos los músicos dedicados al clarinete bajo.

Josef Hórak dedicó más de cuarenta años a ofrecer conciertos junto a su esposa, la pianista Emma Kovárnová y con quien conformaba el Duo Bohemi di Praga. Gracias a su devoción al clarinete bajo, Josef inspiró más de quinientas obras nuevas a compositores de todo el mundo. Durante su vida recibió varias distinciones, entre ellas el Premio del Ministerio de Cultura (1977),  Merited Artist (1995), y el Premio de la Asociación Checa de Compositores (1989). 

En octubre de 2005 se organizó el World Bass Clarinet Convention en la ciudad de Rotterdam, Países Bajos. En esta convención internacional se rindió homenaje al maestro Hórak, quien ofreció su último recital. Falleció el 23 de noviembre de 2005 dejándonos un importante legado a todos los amantes del clarinete bajo.



14 de marzo de 2022

Autoetnografía y práctica del clarinete: otra perspectiva para el estudio del instrumento. CLARIPERU



La clarinetista y pedagoga brasileña Priscila Ribeiro ha publicado un interesante artículo sobre la práctica del clarinete, basándose en la autoetnografía, un enfoque de investigación que busca describir y analizar sistemáticamente la experiencia personal con el fin de comprender la experiencia cultural.

Priscila cursa actualmente un doctorado en etnomusicología en el Programa de Posgrado en Música de la Escuela de Comunicaciones y Artes en la Universidad de São Paulo. El artículo, titulado Autoetnografía y práctica del clarinete: otra perspectiva para el estudio del instrumento está escrito en portugués y se puede descargar gratuitamente desde este enlace. Agradecemos a Priscila Ribeiro por compartir este interesante artículo con toda nuestra comunidad.

25 de febrero de 2022

Luis Rossi: el clarinete y su historia en Chile. CLARIPERU


El destacado clarinetista Luis Rossi es reconocido en el mundo por sus expresivas interpretaciones. Sea música de cámara o los grandes conciertos, el maestro Rossi cautiva al público con su hermoso sonido y un dominio sobresaliente del clarinete.


Además de sus labores como artista y constructor de clarinetes, Luis Rossi ha dedicado gran parte de su vida a la enseñanza de este instrumento. Su impacto en Latinoamérica se puede ver en las generaciones de clarinetistas de primer nivel que han estudiado con él. Pero su labor educativa va más allá de las aulas.


Tenemos el honor de presentarles el artículo El clarinete y su historia en Chile, escrito por el maestro Rossi para toda la comunidad de Clariperu. Este artículo será una importante referencia para futuras investigaciones y para todo clarinetista que desee descubrir a los protagonistas del clarinete en Chile.


El artículo empieza con una breve historia del clarinete, para luego detallar el arribo de los primeros clarinetes a Chile desde el año 1800. A continuación, nos encontramos con el nacimiento de nuevas orquestas a comienzos del siglo XX, sus directores y primeros clarinetistas, así como la historia de la actual Orquesta Filarmónica de Santiago. El artículo termina con la historia de la labor artística y pedagógica del maestro Rossi en Chile, que incluye su visión e inicios en la construcción de sus famosos clarinetes.


El artículo se puede descargar gratuitamente desde aquí. Invitamos a cada uno de los clarinetistas de nuestra comunidad a descargar, leer y compartir el trabajo del maestro Luis Rossi, a quien felicitamos por esta importante contribución académica a la comunidad de clarinetistas de Latinoamérica.


26 de enero de 2022

Primero music y luego business. CLARIPERU


Este artículo fue publicado originalmente en la revista Clarineta #9 de la Asociación Brasileña de Clarinete. Con el permiso del autor, la reproducimos aquí para nuestra comunidad.

En algún momento de tu carrera te verás intrigado por aprender sobre music business, dos palabras en inglés que se han popularizado a raíz de la pandemia y con justa razón, ya que los músicos necesitamos encontrar alternativas para contar nuestra historia a un nuevo público. Parece que podemos hallar soluciones prácticas y modernas en diferentes publicaciones y cursos dedicados a este tema. Y como en toda historia hay una intriga, deseo compartir un punto importante que parece que muchos músicos están pasando por alto.

Un clarinetista que graba y crea videos donde se le ve interpretando diferentes obras, inevitablemente compara su trabajo que ha recibido solo ochenta reacciones en un día con aquellos que han recibido mil doscientas. Los números le hacen suponer que los músicos que tienen más reacciones están haciendo las cosas muy bien. Es más, quizá son mejores intérpretes que él. ¿Has experimentado esta sensación? Yo sí —y la verdad es que hay muchos músicos que son mejores que yo y los números les hacen justicia—.

Las estadísticas son una magnífica manera de medir la difusión de nuestro trabajo, no necesariamente la calidad de este. ¿Cuántas veces hemos escuchado, honestamente, músicos mediocres con miles de reacciones y cientos de miles de vistas en sus videos? Y lo contrario es muy común, trabajos extraordinarios de músicos de altísimo nivel que sus videos no pasan las mil vistas en tres años.

Cuando leo libros o participo de cursos sobre music business observo que, frecuentemente, no se habla de lo más obvio y lo que considero el punto de inicio más importante: la calidad de tu propuesta artística. ¿Demasiado obvio? No lo creo.

Antes de invertir tiempo y energía en crear un video viral (que, por cierto, nadie lo puede anticipar) o en diseñar diversas estrategias para que la gente reaccione a tu música en línea o te siga en redes sociales, concéntrate en planificar cuidadosamente tu propuesta musical, es decir, que tu mejor interpretación sea el resultado de tus habilidades artísticas al momento. Sin buena música, sin creatividad, no se puede construir un business. Que tu grabación, disco o video alcance un resultado del cual te sientas orgulloso ahora y en los siguientes veinte años.

Es impresionante ver en internet las descabelladas actividades que la gente está dispuesta a hacer para volverse popular, renunciando muchas veces a su dignidad. Pregúntate: ¿Creas música para volverte popular? ¿Deseas hacer cualquier cosa para que la gente reaccione a tu música? La verdad es que, si lo haces, la gente va a reaccionar a tus locuras por lo entretenidas que son, y tu música pasa a un segundo o tercer plano. Y aquí debes hacer una reflexión muy íntima: ¿Por qué soy músico? ¿Cuál es mi visión como artista? Las respuestas que escuchas en tu cabeza debes tomarlas muy en serio, ya que guiarán tu camino e integridad como artista por muchos años.

Las redes sociales nos hacen creer que estamos perdiéndonos de cosas, que somos inferiores a otros al ser bombardeados con imágenes de colegas y amigos que suben videos de recitales, grabaciones caseras e incluso compartiendo tips sobre cómo ser mejores músicos. ¡Todos hacen cosas menos yo! Y ¿sabes qué?, está bien.

No hay urgencia de crear videos, de grabar música, de compartir cada cosa que haces durante el día. Respira y sonríe, ya que es preferible y más saludable compartir poca música de alta calidad que cualquier cosa porque “necesitas crear contenido”. No eres mejor músico porque subes mucho contenido. Eres buen músico porque has tomado la decisión de honrar este arte con dedicación, creatividad y mucha práctica. Ser músico nos exige devoción a la música y esto no debemos olvidarlo ni darlo por entendido. Todo curso de music business debe empezar con decirte claramente que la prioridad es que busques y alcances el más alto nivel en cada proyecto que desarrolles, sin excepción. Y por eso me gusta hablar de este tema con el título en inglés, music business, porque primero es la música y luego el negocio.

Decidí escribir este texto para decirte también que no te desesperes si no tienes por ahora las posibilidades de grabar música como otros colegas. Aprovecha tus días escuchando música nueva, practicando ejercicios técnicos que te servirán para un propósito mayor, que es expresarte por medio del clarinete sin limitaciones técnicas. Luego, cuando a tu tiempo tengas preparado un proyecto nuevo —que puede ser desde la grabación de una sola obra a un concierto de dos horas con veinte músicos detrás tuyo—, asegúrate que vas a contar una hermosa historia de la cual te sentirás feliz y harás que toda tu familia, amigos y país se sienta orgulloso de lo que produces, manteniendo tu integridad artística y dejando a todos con ganas de que compartas más. Y solo entonces, podrás usar las herramientas de music business para expandir tu mensaje. Ten en cuenta un detalle más: es muy posible que el público que va a apreciar tu música, tu interpretación, aún no nazca. Por eso me inclino a producir, aunque poco, con la máxima calidad de mis posibilidades con la esperanza que perdure en el tiempo.

Es momento de desterrar la prioridad a los me gusta o a cuántas veces se ha visto tu video. En lugar de pensar y dedicar tiempo a lo que debes hacer para ser más popular, conduce esa energía a tu creatividad artística, a tus ensayos y práctica personal. El público te encontrará y te seguirá por tu sensibilidad musical y porque percibe que tu propuesta es honesta. Ten paciencia.

Recuérdalo siempre: primero music y luego business.


Marco Antonio Mazzini

3 de julio de 2021

Me interesa una obra del catálogo ¿Cómo contacto al compositor? CLARIPERU

Catálogo Latinoamericano de Música para Clarinete. Cómo contactar a un compositor. guía para músicos. CLARIPERU

Ha nacido el Catálogo Latinoamericano de Música para Clarinete Luis Rossi, un espacio que nos sirve para descubrir mucha música creada en nuestro continente. Una de las bondades del catálogo es la posibilidad de contactar directamente a los compositores para consultarles si su obra se encuentra publicada, en venta directa o en descarga desde una web. El catálogo busca promover esta relación compositor/intérprete que se ha cultivado por siglos.

Es posible que al momento de escribirle a un compositor extranjero dudes en cómo hacerlo. No te preocupes, nosotros te ayudamos con esta breve guía que estamos seguros te será de gran ayuda.

1. Ten claro tu propósito
Has encontrado una obra en el catálogo que te interesa interpretar y deseas contactar al compositor para saber cómo conseguir la partitura. Recuerda siempre el motivo por el cual contactarás al compositor. Tener claro tu propósito te ayuda a mantener el balance en el contenido de tu correo electrónico.

2. Escribe un asunto claro
En el asunto de tu correo electrónico busca incluir un mensaje claro y breve sobre el motivo de su mensaje (de paso, practicamos la capacidad de síntesis). Por ejemplo: “Solicitud de partitura desde México”, “Información sobre una obra de su autoría”.

3. Apuesta por un contacto formal
Catálogo latinoamericano de música para clarirnete. CLARIPERU
El compositor no tiene el gusto de conocerte en persona. Te va a conocer por la manera cómo le escribes. Tus palabras serán tu tarjeta de presentación y por esto, un contacto formal inicial es siempre recomendado. Busca un balance entre la formalidad y tu personalidad. Evita emoticones, dobles signos de admiración y el lenguaje coloquial en este primer contacto. Una vez que has construido una comunicación fluida con el compositor, puedes considerar escribir más informal (si lo consideras necesario).

4. No exageres tu saludo
Siguiendo la línea de la recomendación anterior, esfuérzate por ser breve, cordial y, por sobre todo, sincero. Un breve “reciba un cordial saludo desde Colombia”, “espero que este correo electrónico lo encuentre bien de salud” es suficiente. Mantén tu mensaje amable y breve.

5. Escribe bien el nombre del compositor
Obvio, ¿verdad? Aún así, son muy común los errores al momento de escribir el nombre completo de los compositores. Una solución es copiar y pegar el nombre desde el catálogo, revisando que lo has hecho correctamente, ya que esto puede sucederte:

web:  Enrique Valdemar del Río
tu email:   nrique Valdemar del Río

Tómate el tiempo necesario para verificar este detalle importante.

6. Directo al punto
¿Recuerdas tu propósito? Amablemente solicita la partitura de tu interés consultando las condiciones para obtenerla (ojo, no asumas que será gratis). Es aquí donde debes tener cuidado de no abrumar con temas que van más allá de tu intención inicial. Contarle sobre tu vida, el partido de fútbol que viste donde ganó el país del compositor, cómo la vida es complicada pero que el clarinete hace que todo valga la pena no es necesario en este primer momento.

7. Usa un solo tipo de letra
Frecuentemente utilizamos la herramienta copiar/pegar para ahorrar tiempo y estar absolutamente seguros que no cometeremos errores en títulos o nombres. Y muy a menudo, nuestro correo electrónico queda “decorado” con diferentes colores y tipos de letra, una presentación nada amable a la vista:

"He descubierto su obra El castillo de vogeloed y quisiera saber cómo puedo obtener la partitura. Tengo un concierto en dos meses y deseo incluir esta pieza en este evento".

¿La solución? Un paso muy sencillo. Luego de redactar todo tu correo electrónico, selecciona todo tu texto (Ctrl+A) y busca el símbolo de borrar formato, que todo servidor de correo electrónico tiene. Al pulsarlo, verás que todo el contenido se uniformiza. Te tomará segundos y el resultado será un correo electrónico elegante.

8. Despedida
Nuevamente te sugerimos ser breve. El compositor ya recibió tu mensaje principal. Considera escribir algo como: “Un cordial saludo y estaré atento a su respuesta”, “Le deseo muchos éxitos y quedo atento a su amable respuesta”.

Esperamos que puedas contactar a muchos compositores e interpretar su música. ¡Te deseamos muchos éxitos!

26 de abril de 2021

¿Quién fue Eric Dolphy? Jazz Day CLARIPERU



“El espíritu de jazz es lo que se necesita en este momento. Cooperación. Porque el jazz se trata de cooperar, de compartir, de estar en el momento. De tener la creatividad y el coraje de cambiar, en el momento - si es necesario - para que cualquier cosa que suceda, funcione”.

Con estas palabras, Herbie Hancock empieza su mensaje en la UNESCO para iniciar el Jazz Day en el mundo, sintetizando el fuego y espíritu de esta música que cautiva a millones de personas de todas las edades.

Durante la historia del jazz han surgido grandes artistas que lo llevaron a un gran desarrollo creativo y, en otros casos, cambiaron radicalmente la manera cómo lo escuchamos e interpretamos. Nombres como Thelonious Monk (1917-1982), Mary Lou Williams (1910-1981), Duke Ellington (1899-1974), Louis Armstrong (1901-1971), Charles Mingus (1922-1979), John Coltrane (1926-1967), Nat King Cole (1919-1965), Charlie Parker (1920-1955), Miles Davies (1926-1991) y Chick Corea (1941-2021), son algunos de una larga lista de músicos que han asombrado por su maestría con sus instrumentos y desbordante creatividad.

Cuando se escriben artículos sobre los protagonistas de jazz, pocas veces se menciona el nombre de Eric Dolphy. Por ejemplo, en el portal Jazzfuel se encuentra la publicación “The Best Jazz Musicians of All Time – 40 Legendary Jazz Artists” donde no figura el saxofonista y clarinetista Eric Dolphy.

¿Quién fue este gran músico? Para celebrar el Jazz Day 2021, Clariperu le rinde tributo a este original y extraordinario músico.

Eric nació el 20 de junio de 1929 en Los Ángeles, California. Inició sus clases de música desde los seis años, siendo sus instrumentos principales el saxofón y el clarinete. Durante este periodo de juventud, Eric pensó en dedicarse a la música clásica. Escuchaba frecuentemente a compositores como Debussy, Webern y Stravinsky, incluso estudió oboe por un periodo para poder integrar una orquesta.

En 1958 recibió la invitación para formar parte del quinteto de Chico Hamilton y su carrera en el jazz comenzó. Eric era muy fluido con el saxo alto, la flauta, el clarinete y otro instrumento que, gracias a él, se posicionó en el circuito del jazz: el clarinete bajo.

Reci Doplhy fue un gran clarinetista bajo. Jazz pionero. Comunidad Clariperu
Recordemos que Josef Horák fue el primer clarinetista en ofrecer un recital de clarinete bajo en el mundo. Esto sucedió el 23 de marzo de 1955. El instrumento estaba recién iniciando una tímida aparición en el mundo clásico como voz independiente. Y es por esos mismos años que Eric utiliza el clarinete bajo como un gran protagonista en sus diferentes intervenciones musicales.

Su disco Out there de 1960 contiene varios temas donde se escucha el clarinete y el clarinete bajo. En los temas Serene y The Baron, Eric se luce con un sonido sincero y una gran imaginación que presenta al clarinete bajo como nunca antes: un instrumento con un gran potencial expresivo, gran registro sonoro y agilidad. Y Eric sí sabía cómo tomar ventaja del clarinete bajo, lo que demuestra su conocimiento y dominio de este instrumento que, para el momento, era aún una novedad.

Su música se alejaba de la armonía tradicional del jazz y se aprecia una sonoridad abstracta que coquetea con la improvisación libre. Eric Dolphy no buscaba complacer a un gran público y se concentró en crear y tocar la música como él se la imaginaba, sin caer en artesanías comunes o patrones establecidos.
 
Disco Out to Lauch de Eric Dolphy. Comunidad Clariperu Jazz Day
Un claro ejemplo de esta exploración se puede apreciar en su disco Out to lunch de 1964, donde podemos apreciar el clarinete bajo desde el primer tema, Hat and beard. El solo en este instrumento es un paseo de diferentes colores: escuchamos el registro grave y altísimo del clarinete bajo intercambiar protagonismo en segundos, el uso de glisandos expresivos y multifónicos que parecen imitar a un animal. Con razón se le atribuye a Eric Dolphy el establecer el clarinete bajo dentro del idioma del jazz. ¡Y de qué manera lo hizo!

De 1960 a 1963 grabó siete discos que, por cierto, están disponibles en Spotify. Su carrera fue breve debido a una muerte repentina. Durante una gira en Europa, se presentó el 27 de junio de 1964 en la inauguración del club de jazz "The Tangent" en Berlín, Alemania. Antes del concierto ya se sentía mal y con gran esfuerzo pudo terminar el concierto. Esa misma noche fue llevado al hospital donde su salud empeoró. Falleció dos días después a causa de una diabetes que nunca le fue diagnosticada. Tenía treinta y seis años de edad.

Desde Clariperu deseamos motivar a nuestra comunidad a escuchar y disfrutar la gran variedad de música que se ha creado en el mundo. Podemos empezar con aquella donde el clarinete está involucrado. 

Y si tienes ahora la oportunidad de escuchar a un pionero del clarinete bajo dentro de un lenguaje que, a lo mejor, aún no estás familiarizado, entonces te invitamos a darte la oportunidad de ampliar tu sensibilidad, dar rienda suelta a tu imaginación y disfrutar de la creatividad de un grande del jazz: Eric Dolphy.