El clarinete alemán. CLARIPERU

Artículo escrito y enviado a Clariperu por Sergio Jerez. Publicado el 26 de junio de 2006

A lo largo de la historia musical, además de un desarrollo constante sobre la música escrita, también se ha ido evolucionando en la construcción y en las técnicas constructivas del clarinete. Esta evolución pasa desapercibida en nuestro día a día, pero gracias a constructores que en la mayoría de los casos están en el anonimato, podemos disfrutar de mejoras, ya sean que trabajen sobre la acústica o sobre el mecanismo, las cuales nos facilitan notablemente nuestras interpretaciones. 

Muchos de nosotros nos habremos preguntado porqué, a diferencia de los instrumentos de cuerda, no elegimos un instrumento de cierta antigüedad en vez de elegir siempre un modelo actual. Lo que ocurre es simplemente que en esa evolución técnica del instrumento ha intervenido la tecnología. Hoy en día, las compañías constructoras poseen de maquinaria con las cuales se obtienen un producto de muchísima más calidad que hace 60 u 80 años. Además la informática nos permite analizar cómo se comporta un instrumento acústicamente antes de ser fabricado, y podemos acotar los parámetros para que una vez estén establecidos podamos obtener un instrumento lo más perfecto posible. Toda esta técnica no se poseía hace varias décadas y esto hacía imposible esa perfección que hoy en día estamos viendo en la mayoría de los instrumentos, como son: pureza en el sonido, claridad, afinación, etc.

Además del sistema adoptado en España (sistema Boehm), existen otros sistemas y otras innovaciones sobre el Boehm que son desconocidos para muchos de nosotros. Mi intención desde este rincón es acercar a los clarinetistas, poco a poco y con la mayor claridad posible a estos clarinetes, para que entre todos podamos conseguir que cada instrumentista individualmente posea su propio criterio de valoración a la hora de la adquisición de un nuevo instrumento.

En este artículo he querido empezar por el clarinete sistema Oehler (Oskar Oehler 1858-1936) también conocido por nosotros simplemente como clarinete alemán. Sabemos que Oehler trabajó durante las primeras dos décadas del siglo XX sobre el clarinete sistema Albert cambiando la localización e incorporando ciertas llaves, con lo que consiguió un clarinete de una mayor perfección en afinación y calidad tonal (lo cual lo podemos observar hoy en día en sus instrumentos). 

Sobre su person,a podemos decir únicamente que fue componente de la Orquesta Filarmónica de Berlín. Casos como el de Oskar Oehler ocurre en la mayoría de los constructores, los cuales siempre se encontrarán detrás del músico, pero que gracias a los cuales, que con su interés y devoción a nuestro instrumento han ido aportando grandes nuevas ideas que han ayudado a evolucionar el clarinete.

También conocido como clarinete sistema Oehler, nombre adoptado por su creador Oskar Oehler que lo diseñó a principios del siglo XX. Se puede considerar que el sistema de digitación alemana que conocemos hoy en día es una evolución del sistema Albert de sistema simple, al cual se le incorpora nuevas llaves, como son, una nueva llave patentada para obtener el do#, una llave lateral para obtener el sib, tres anillos en el cuerpo superior y una llave asociada al fa de horca para resonancia o ventilación. Oskar Oehler adaptó el mecanismo de la resonancia del fa (fa de horca) que utiliza el oboe, consiguiendo así eliminar un punto débil que poseía los primitivos modelos de clarinetes alemanes: la falta de fuerza y claridad del sonido en la llave del sib y fa.

El propósito principal de todos los constructores alemanes a lo largo del siglo XX fue el de conseguir un clarinete con una sonoridad y comportamiento con la mayor calidad y pureza. Otros constructores importantes involucrados en este objetivo fueron Schmidt (Mannheim), Uebel (Markneukirchen), Mollenhauer (Cassel) y Koktan (Viena), los cuales incorporaron sus propios detalles. Después de la Segunda Guerra Mundial, el principal constructor que realizó modificaciones para mejorar el sistema fue Fritz Wurlitzer y continuado posteriormente por su hijo Herbert, en Neustadt-Aisch.

En los años 50, la tendencia - que provenía de Francia de mano del constructor Robert Carree (de Buffet Crampon) - fue la de fabricar los clarinetes con taladros de un menor tamaño. Esto provocó que los clarinetes construidos en Alemania tuvieran que cambiar su diámetro, adoptando la medida media de 14.70 mm. Esta nueva evolución hizo recomendable la incorporación de una llave para el pulgar derecho la cual acciona un mecanismo que abre una pequeña llave cerrada en la campana y proporciona un control sobre la ventilación y resonancia sobre las notas mi y fa grave. El clarinetista abre esta llave si encuentra que su mi grave o si medio se produce con una afinación muy baja. La gran ventaja de la incorporación de la llave del pulgar es que asegura que estos sonidos obtengan un sonido más puro, sin comprometer en ningún caso la calidad del timbre y la afinación, lo cual en el clarinete sistema Boehm con tubo estrecho no ocurre, con la excepción de los instrumentos que incorporan un oído de resonancia para el fa, como es el caso de la serie Recital fabricado por la casa Selmer.

Funcionamiento del Mecanismo Oehler

El sistema Oehler consta de las siguientes particularidades:

En el cuerpo inferior: Patente del Do#.

Esta llave es añadida al clarinete sistema Simple con lo que permite que podamos realizar el Do#(y Fa#) con diferentes posiciones.

Duplicación de la llave para el mib pulsada con el dedo meñique de la mano izquierda, a veces con una duplicación de la llave para el fa junto a ella. Fa de horca, muy parecido al que incorpora el sistema Clinton excepto que el sistema Oehler lo traslada al oído V para la mano derecha del instrumento y asociada a una llave lateral para ventilación (n) así de esta manera la llave que pulsamos con el dedo corazón no tiene taladro bajo ella, pero cierra a la vez las dos llaves laterales.

Sistema para la corrección del Mi agudo: Un pequeño taladro soldado al anillo IV (pulsado mediante el dedo índice de la mano derecha) la cual es cerrada por medio de la llave del mib. El objetivo de esto es proveer más ventilación al Sol Agudo, pero disminuyendo la ventilación para el mi sobreagudo (lll/mmm Eb), corrigiendo la tendencia a tener afinaciones altas.

En el cuerpo Superior:

Incorporación llave horca para la mano izquierda: llamada digitación de horca, lo que quiere decir que el anillo III (dedo anular mano izquierda) cierra la pequeña ventilación soldada al anillo II (dedo corazón) produciendo una mejor calidad de sonido en el registro grave. Llaves “Brille" cuerpo superior (comprende anillos I y II) combinado con la corrección de la apertura del do# como sigue: la digitación para el do# sobreagudo es muy común para muchos pasajes, pero ésta llave de brillo lo hace muy altas en afinación. Por consiguiente el anillo I, que lleva incorporada esta apertura, es cerrada automáticamente por la llave de octava. La llave del La también la cierra para prevenir que el La se produzca alto en afinación. La denominación “Brille” proviene del idioma alemán y significa Gafas. Esta llave es llamada así por la similitud de las llaves de los anillos a unas gafas.

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Entrevista al clarinetista Thomas Friedli. CLARIPERU

El clarinetista suizo Thomas Friedli nos abandonó trágicamente el 14 de abril de 2008. Durante su última visita a Venezuela, este extraordinario músico conversó en exclusiva con Valentina Palma para Clariperu. Esta es la última entrevista realizada al maestro Friedli. 

La traducción ha sido hecha por Eloy Salgado y Marly Santamaría. Las fotografías han sido tomadas por Guillermo Marín. 

Hace menos de un año y poco más de seis meses, luego de una larga jornada de clases magistrales de este maravilloso maestro, tuvimos el privilegio de hacer esta entrevista y compartir y disfrutar de la peculiar amabilidad y sencillez que lo caracterizaba, un hombre sabio y gentil, que tras unos meses de su visita a Venezuela y luego del prestigioso y afamado Concurso de Ginebra, hoy cumple un mes de su lamentable y dolorosa desaparición.

Aquí les presentamos sus palabras más sinceras y esperamos que al leer esta entrevista, reciban el soplo de su personalidad, un hombre valioso para los que amamos el clarinete y que hoy recordamos con respeto y afecto.

Valentina Palma, mayo 2008.

• Maestro, cuéntenos un poco acerca de usted. ¿Cómo llegó a ser clarinetista?

¿Cómo llegué al clarinete? (el primer encuentro). Yo tocaba flauta dulce y flauta traversa y como los resultados no eran muy buenos, mi padre me dijo: "vas a tener que dejar la música o te cambias de instrumento, porque no estudias lo suficiente".

Luego escuché otros instrumentos y hubo dos que me llamaron la atención: el clarinete y el corno. Yo escogí el clarinete; eso fue a los catorce años.

• ¿Recuerda algún momento, una anécdota que fue determinante para que se decidiera a ser músico?

Evidentemente cuando yo era pequeño no pensaba en ser músico profesional, más bien pensaba en convertirme en explorado. Me llamaba mucho la atención la geografía pero se dio la oportunidad de ir a un concierto de estudiantes en el conservatorio y, entonces, escuché el tercer movimiento del segundo Concierto para clarinete de Weber (la Polaca) y eso fue así ¡uffff! Una revelación. Después, en la radio, escuché el Dúo concertante de Weber y me dije: "qué música tan bella, esto es extraordinario". Inmediatamente me dieron deseos de tocar esa música, de tocar con orquesta.

• ¿Qué maestro lo ha influenciado más en su carrera?

Bueno, es claro que el maestro más importante es siempre el primero. Ese maestro tocaba el clarinete solista antes que yo ocupara la plaza en la orquesta de Lausana. Se trata de un clarinetista francés de origen polaco, se llama Robert Kemblinsky, de hecho mantengo un buen contacto con él y pienso que las cosas más importantes las aprendí de él. 

Cuando terminé mis estudios en Suiza, me fui por dos años a París y estudié con Jacques Lancelot y esa fue una experiencia maravillosa, me encantó. Era alguien que tocaba de una manera completamente diferente a la mía, fue muy interesante porque me dijo: "No es muy convincente lo que tu haces y hasta que no logres convencerme, es mejor que toques como yo". 

Friedli en Venezuela

Se daba el caso que tocaba los primeros compases de una obra y el maestro me interrumpió diciendo ¡no! y entonces comenzaba de nuevo y otra vez me repetía ¡no!, sin dejarme continuar. Durante dos años solo pude estudiar Schumann, Mozart, Debussy, y claro está, aparte de eso era necesario aprender obras nuevas de compositores franceses, hasta que finalmente me dijo " yo nunca tocaría estas obras de la manera como las tocas, pero está muy bien". ¡Lo había logrado!

• ¿Qué diferencias ha observado usted entre los clarinetistas de su generación y los de ahora?

Digamos que, cuando yo era joven, se tocaba bien el clarinete, sobre todo en Europa, es decir, en Francia, Alemania con las diferencias del caso. También podías encontrar buenos clarinetistas en Italia, pero en los concursos, cuando la gente venía digamos, de Finlandia o Rusia, había una gran diferencia de nivel y actualmente en todas partes del mundo se toca bien el clarinete y eso es extraordinario. 

Hay magníficos clarinetistas de primera clase en Venezuela como en Finlandia, Suecia, Italia, Portugal, o España. Definitivamente, la gran diferencia es que evidentemente gracias al trabajo de gente como Valdemar Rodríguez, el clarinete se ha desarrollado enormemente.

Incluso en China, tengo un alumno que es magnífico. Hace treinta años, los alumnos que venían de China no tenían ese nivel. En el caso de los japoneses, decíamos "bueno, no está mal". Pero actualmente son magníficos, son clarinetistas que tocan las sonatas de Brahms como si hubiesen pasado toda su vida en Alemania; para mí esa es la gran diferencia entre los clarinetistas de hace treinta años y los de ahora. 

Igualmente en aquella época, encontrábamos clarinetistas con una técnica solvente, que les permitía tocar sin equivocaciones, digamos el Concierto n°2 para clarinete de Weber. Mi primer profesor me decía: "si puedes tocar el final de El Pastor sobre la Roca de Schubert, entonces tienes una técnica fabulosa".  Actualmente, la mayoría de los clarinetistas en el mundo tienen buena técnica.

• ¿Cómo ve el panorama musical en Latinoamérica?

Pienso que el modelo venezolano es absolutamente extraordinario, y es de esperar que todos los países del mundo, incluso los de la vieja Europa, repliquen este tipo de modelo que, por el momento, es único. Tengo entendido que algunos países de Latinoamérica como Perú y Colombia ya lo están implementando.

• En su experiencia docente, ¿como cree usted que se puede ayudar a un alumno a desarrollar su musicalidad?

Yo pienso que la primera cosa en la que hay que insistir es que tocar las notas está bien, es muy importante, pero, no lo es todo. En nuestra época, nosotros tocábamos las notas y ya eso era suficiente, no se discutía mucho.

Yo diría que desde la iniciación de los alumnos principiantes, en lugar de tocar una escala de manera estúpida y mecánica, se debería ejecutar de múltiples maneras, digamos: lenta, expresiva, haciendo énfasis en el sonido, la delicadeza de la articulación y de esta forma despertar la sensibilidad en el alumno. Claro, es evidente que no todos tenemos el mismo gusto, pero es importante estimular al alumno para que exprese sus sentimientos y sus propias ideas musicales.

Uno puede dar indicaciones técnicas, trucos, sugerencias para tocar mejor, pero finalmente eres tú quien debe tener musicalidad. Y el profesor debe ayudar a que su alumno haga más y dé más; yo podría, por ejemplo, tocar una melodía y decirle en el momento "es así, toca como yo", pero de esa manera no iremos muy lejos porque no se trata de copiar; es como cuando se trabaja la memoria, se debe tener confianza en sí mismo y cuando a uno le gusta la música, la ama, en el momento de tocar es bueno decirse ahora me toca a mí interpretar esta música con confianza y sobre todo expresar los sentimientos y emociones a través de ella.

• ¿Dentro de la gran diversidad de su repertorio, tiene alguna preferencia en particular?

Si, desde hace tiempo y cada vez más siento preferencia por Brahms. Me siento muy cerca de Brahms y de Mozart evidentemente. En mi juventud, más bien me gustaba Weber, sus piezas virtuosas, pero ahora estudiar y tocar las sonatas de Brahms, el quinteto y sus sinfonías me encanta.

• ¿Cómo se siente el maestro Thomas Friedli, en este momento de su vida, después de una fructífera carrera?

(Después de un gran suspiro el maestro responde). Un poco melancólico, porque luego de 61 años uno se pregunta: ¿cuánto tiempo podré continuar tocando? Porque es claro que la carrera de un instrumentista de viento termina antes o más temprano que la de otros ejecutantes, pianistas o incluso un instrumentista de cuerda. 

Hubo años en que estuve muy afectado por el asma, eso fue quizás hace diez o doce años, y casi me retiro, porque no lograba mantener un nivel de respiración adecuado. Actualmente, todo marcha bien pero uno nunca sabe cómo va a estar la salud, la memoria o el funcionamiento mecánico de las manos. Pienso ahora en un colega que sufre de las articulaciones, los dedos se le inflaman. Tengo otros dos colegas con parálisis facial. Quiero decir con esto que nunca se sabe cómo estaremos y las cosas pueden ocurrir de un día para otro.

Me encantaría tener la edad de ustedes, ser joven pero claro, lo bueno de mi edad es que tengo una cierta experiencia, que puedo compartir con ustedes y puedo ofrecerles algo que puede servirles para mejorar su desempeño como clarinetistas.

• ¿Cuál fue el hecho mas importante en su vida profesional?

El hecho más importante de mi vida profesional fue ganar el Concurso de Ginebra, ya que eso me abrió muchas puertas. Todavía en aquella época, cuando se ganaba un concurso, recibías muchas ofertas y contratos para tocar como solista, ahora, cada año se llevan a cabo muchos concursos, tenemos cinco primeros premios en cinco concursos diferentes, entonces las oportunidades se distribuyen entre más clarinetistas y como el nivel del instrumento se ha elevado tanto, encontramos que en muchas orquestas sinfónicas hay al menos dos clarinetistas que pueden tocar muy bien los solos o actuar como solistas.

Si bien existen tres o cuatro solistas internacionales como Martín Frost, Sabine Meyer o Paul Meyer que tocan todo, también es cierto que en cada orquesta encontramos solistas solventes que se desempeñan muy bien en sus ámbitos de trabajo, sin necesidad de traer a alguien del exterior.

Antes no era así. Había pocas personas que podían tocar el Concierto para clarinete de Jean Françaix o el de Nielsen y esos pocos virtuosos, eran contratados para tocar con las orquestas que los programaban. Ahora no. Tú lo acabas de interpretar en la orquesta donde trabajas en Caracas. Valdemar también lo ha tocado con su orquesta y así tantos otros en Venezuela.

• ¿Qué consejo ha sido el que más le ha servido en su vida?

¡Estudiar!

• ¿Cómo se le revela el amor por enseñar que usted nos ha permitido conocer en estas clases?

Primero que todo, me gusta comunicarme con la gente y, además de eso, tengo una instrucción pedagógica, ya que fui maestro de escuela y claramente algo quedó. Pero reconozco que siento y percibo verdaderamente donde están los problemas de los alumnos, a veces estoy en lo correcto y a veces me equivoco; en el fondo, saber enseñar no es muy diferente que tocar la música, se parece mucho, lo más importante es la inspiración.

Cuando toco bien es cuando me siento inspirado y de la misma manera, cuando enseño hay gente que me inspira, que me motiva como la música de Brahms. Desde el momento que alguien activa en mi esa motivación, entonces la comunicación se hace fluida y directa. Por el contrario, cuando alguien no me convence, entonces tengo que reflexionar, pensar y entonces comienzan las dudas y todo se hace más lento.

• Usted tiene un talento especial para enseñar, ¿es algo natural, nació con eso?

La verdad, antes de ser músico ya tenía condiciones para enseñar, quizás sea un talento heredado porque mi papá era profesor de escuela, mi mamá era profesora y por lo menos cuatro o cinco tíos y tías eran maestros de escuela. También uno de mis abuelos eran pedagogos así que estoy seguro de que eso está un poco en la familia.

• ¿Algún recuerdo que desee compartir de su experiencia como solista?

La mejor experiencia es la colaboración con grandes directores de orquesta como Wolfgang Sawallisch o Charles Dutoit. Son momentos que marcan. Se aprende mucho de esa gente y evidentemente a posteriori uno puede transmitir eso a los alumnos y al público.

• ¿Qué consejo nos deja a la comunidad de clarinetistas y a los asiduos lectores de Clariperu?

Mi mensaje es que, en mi opinión, todo lo que he escuchado es de un excelente nivel. Sobre todo hay que evitar los falsos complejos de inferioridad con respecto a los Estados Unidos y Europa, porque aquí hay clarinetistas con iguales dotes musicales y técnicos, con un nivel tan bueno como el de Europa.

Nunca se debe pensar que "bueno, como vivo en la Tierra del Fuego (por no citar un país específico) nunca podré ser un buen clarinetista". Mi consejo es que deben creer en sus capacidades . Y por último, ¡hay que estudiar mucho!

Video: Thomas Friedli interpreta el primer movimiento del Concierto para clarinete de Krommer.

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Doce discos de clarinetistas latinos que debes escuchar. CLARIPERU

Son cada vez más los clarinetistas latinoamericanos que realizan grabaciones con la música que más les apasiona. Desde repertorio tradicional a sus propias composiciones, te presentamos a doce artistas que tienen propuestas discográficas sumamente interesantes y contrastantes.

Esta primera lista la consideramos como un buen punto de inicio para que armes tu discoteca personal Latinoamericana, ya sea física o digital.

Te invitamos a descubrir a estos sobresalientes clarinetistas latinos. Y si tienes una grabación, por favor avísanos por medio de este formulario para considerarte en nuestras siguientes publicaciones.

1. Cordas ao vento (2009)

El clarinetista brasileño Alexandre Ribeiro es un músico con un gran dominio del clarinete y el clarinete bajo. Su destreza técnica va a la par con su sensibilidad musical. Este disco contiene música compuesta por el guitarrista Alessandro Penezzim quien lo acompaña en esta grabación. Aparecen de invitados Toninho Carrasqueira (flauta) y Leo Rodrigues (pandero). Un disco exquisito.

>> Escucha el disco en Spotify

2. La Revoltosa (2006)

Jorge Montilla es reconocido por su maestría con el clarinete y el clarinete piccolo, llevándolo a desarrollar una larga y exitosa carrera internacional. El presente disco fue grabado para el sello británico Clarinet Classics y presenta obras del repertorio internacional para clarinete y piano de los compositores Márquez, Desenne, Eisenberg, Montilla, Herrerías y Piazzola. Lo acompaña en el piano Hamilton Tescarollo.

>> Detalles del disco en Clarinet Classics

3. Fantasía Sul América (1992)

Luis Rossi es uno de los clarinetistas más representativos de Latinoamérica, tanto por su sobresaliente actividad internacional como intérprete así como su intensa labor pedagógica. En este disco, el maestro Rossi presenta obra de los compositores más importantes de nuestro continente: Guastavino, Santoro, Lacerda, Atehortua, y Alcalde. Lo acompaña la pianista Diana Schneider. Un clásico que debes escuchar.

>> Escucha el disco en Spotify

4. Silence (2020)

El clarinetista colombiano Javier Vinasco ha grabado varios discos importantes con obras de compositores latinoamericanos, siempre con una gran calidad interpretativa. Este álbum está dedicado a la música del compositor uruguayo Miguel del Águila, quien lo acompaña en el piano. Su hermosa "Pacific Serenade" es interpretada con una gran sensibilidad por Javier y todo el disco es un gran aporte al repertorio de clarinete.

>> Escucha el disco en Spotify

5. Otro Cantar (2004)

El título del disco alude a la música grabada en esta producción. Se trata de repertorio original para violín y piano interpretado en el clarinete por la estupenda clarinetista Marina López junto al pianista Eduardo Waisbein. Marina sorprende por su lirismo y musicalidad. La Sonata para clarinete y piano de Carlos Guastavino también forma parte de la música grabada por este dúo. Detalles del disco se pueden encontrar en la página web de Marina López.

>> Detalles del disco en la página web de Marina

6. Bajo Templado (2018)

Sebastián Tozzola es un extraordinario músico compositor que toca el clarinete bajo y el bajo eléctrico. Junto a la pianista Anaïs Crestin presentan un disco con obras que forman parte del repertorio original para clarinete bajo y piano. Esta grabación incluye el Pasaje folklórico n°2, obra compuesta por Tozzola y es una de nuestras preferidas. La grabación tiene una excelente calidad de sonido.

>> Escucha el disco en Spotify

7. Gargalhada (2001)

Es difícil no quedar cautivado por este álbum. Desde el primer tema, Alumiando, Paulo Sergio Santos demuestra por qué es considerado como uno de los grandes maestros del clarinete en Brasil. Este disco es un gran viaje musical lleno de paisajes sonoros creados por los músicos Caio Márcio (guitarra) y Oscar Bolão (percusión) que acompañan a este gran clarinetista brasileño.

>> Escucha el disco en Spotify

8. Sóngoro (2015)

Una exquisita propuesta de Latin Jazz por el gran clarinetista costarricense Lenin Izaguirre. Lenin se luce con sus improvisaciones y su cálido sonido en el clarinete. El tema Sóngoro del compositor Fidel Gamboa es el primero en escucharse y le da el título a este disco que, por cierto, es el primero que ha grabado Lenin. ¿Nuestro tema preferido? Breakdown. Un álbum que los inspirará.

>> Escucha el disco en la página web de Lenin

9. Cuarteto de Clarinetes De Caracas (1995)

El Cuarteto de Clarinetes De Caracas es una agrupación pionera en Latinoamérica. Su impresionante carrera internacional se vio enriquecida con la grabación de tres discos. Aquí les recomendamos su primera grabación que incluye música latinoamericana. Temas como Las estampas criollas de Beatriz Lockhart y la Suite brasileña de Heitor Villalobos, son interpretadas con una seguridad y destreza musical impresionantes. En esta grabación, el CCC lo integran Jorge Montilla, Orlando Pimentel, Victor Salamanqués y Carlos Bello. Un disco que inspira.

>> Más información sobre en disco

10. Negro Fuego Cruzado (2016)

Los instrumentistas dedicados al clarinete bajo deben dominar distintas técnicas extendidas, para poder interpretar el repertorio original escrito para este instrumento. El clarinetista mexicano Fernando Domínguez presenta un disco con obras para clarinete bajo solo y con sonidos electrónicos. Un álbum variado que muestra la creatividad de nuestros compositores latinoamericanos y el gran dominio del clarinete bajo por parte de Domínguez. Un disco obligatorio para todo entusiasta del clarinete bajo.

>> Escucha el disco en Spotify

11. Ocho Chino (2013)

Mauricio Barraza es un inquieto y sobresaliente clarinetista chileno dedicado al jazz, y con este álbum lo puedes descubrir como intérprete y compositor. Se trata de una propuesta con música muy variada, lírica e intensa. En esta producción participan los músicos Diego Urbano (vibráfono), Valentino Baos / Sergio Valenzuela ( piano y rhodes), Nicolás Ríos (batería), Esteban Sumar (guitarra) y Rodrigo Espinoza (contrabajo​). ¡Muy recomendado!

>> Escucha el disco en Bandcamp

12. Café en el Morichal. Dúo Alcaraván (2016)

Una combinación inusual, atrevida y muy efectiva. El dúo Alcaraván lo integran el clarinetista Julio Panadero y el arpista Elvis Díaz, dos jóvenes músicos que comparten en este álbum música colombiana con un sonido único. Julio se luce con el clarinete y clarinete bajo junto a la fina interpretación y destreza de Elvis en el arpa llanera. Esta combinación sonora y artística convierte a este disco en una joya dentro de las grabaciones realizadas en Latinoamérica.

>> Escucha el disco en Spotify

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Un concierto virtual de unión y jazz (video). CLARIPERU

El pasado viernes 30 de abril, el Día Internacional del Jazz reunió a miles de músicos en el mundo, que nos han hecho disfrutar de su creatividad en diferentes plataformas digitales. Desde conciertos transmitidos en casa  al concierto oficial del evento en YouTube, la situación pandémica de 2021 no detuvo a los músicos a expresarse con su música.

Clariperu reunió a quince sobresalientes clarinetistas de Latinoamérica para celebrar esta fecha especial. Nuestros invitados compartieron escenario virtual con Paquito D'Rivera, referente mundial del Latin Jazz y ganador de doce Grammys durante su brillante carrera. Es la primera vez que clarinetistas latinos dedicados al jazz se reúnen para celebrar el Día Internacional del Jazz.

Con mucha alegría y orgullo les compartimos el concierto virtual. Podrán disfrutar y descubrir a Janio Abreu (Cuba) , Osvaldo Lichtenzveig (Argentina), Mauricio Barraza (Chile), Manuel Louit (México), Joaquín Sosa (Cuba), Luz Cuadros (Chile), Juan Ruiz (Colombia), Alejandro Lemus/Jesús Darío (Cuba), Ram Thompson (México), Sebastián Abuter (Chile), Joana Queiroz (Brasil), Lenin Izaguirre (Costa Rica), Boris Ortiz (Chile) y Paquito D’Rivera (Cuba).

Extendemos nuestro agradecimiento a cada uno de los clarinetistas participantes por aceptar nuestra invitación, enviarnos sus saludos y por creen en este proyecto. Gracias también a los maestros Carlos Cabrera, Paula Pires y Luis Rossi por ayudarnos a contactar a nuestros invitados. Y la propuesta visual ha sido realizada por nuestra coordinadora general, Giulianna Casas, a quien felicitamos por su sobresaliente trabajo.

Sube el volumen, pónganse cómodos y disfruten de este concierto especial.

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Los clarinetistas de Latinoamérica celebran el Día Internacional del Jazz. CLARIPERU

Cada 30 de abril se celebra el Día Internacional de Jazz, jornada establecida por la UNESCO donde músicos de todo el mundo realizan diferentes actividades para festejar esta fecha especial. En la página oficial de la UNESCO se lee:

Esta jornada tiene como objetivo sensibilizar al público general sobre las virtudes de la música jazz como herramienta educativa y como motor para la paz, la unidad, el diálogo y el refuerzo de la cooperación entre pueblos.

En este espíritu humano y artístico, Clariperu se une a la celebración del Día Internacional del Jazz reuniendo a destacados clarinetistas de nuestro continente, en un concierto virtual para todo el mundo.

Con mucho orgullo les presentamos a nuestros invitados 2021.

• Janio Abreu (Cuba)

• Osvaldo Lichtenzveig (Argentina)

• Mauricio Barraza (Chile)

• Manuel Louit (México)

• Joaquín Sosa (Cuba)

• Luz Cuadros (Chile)

• Juan Ruiz (Colombia)

• Alejandro Lemus y Jesús Darío (Cuba)

• Ram Thompson (México)

• Sebastián Abuter (Chile)

• Joana Queiroz (Brasil)

• Lenin Izaguirre (Costa Rica)

• Boris Ortiz (Chile)

• Paquito D’Rivera (Cuba)

Este concierto gratuito será transmitido desde nuestra página de Facebook y canal de YouTube a las 6:00 p.m., hora de Perú. Es una hermosa oportunidad para descubrir y disfrutar del arte de estos grandes clarinetistas. Y por si fuera poco, Paquito D’Rivera los los saluda por el Día Internacional del Jazz.

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¿Quién fue Eric Dolphy? Jazz Day CLARIPERU

“El espíritu de jazz es lo que se necesita en este momento. Cooperación. Porque el jazz se trata de cooperar, de compartir, de estar en el momento. De tener la creatividad y el coraje de cambiar, en el momento - si es necesario - para que cualquier cosa que suceda, funcione”.

Con estas palabras, Herbie Hancock empieza su mensaje en la UNESCO para iniciar el Jazz Day en el mundo, sintetizando el fuego y espíritu de esta música que cautiva a millones de personas de todas las edades.

Durante la historia del jazz han surgido grandes artistas que lo llevaron a un gran desarrollo creativo y, en otros casos, cambiaron radicalmente la manera cómo lo escuchamos e interpretamos. Nombres como Thelonious Monk (1917-1982), Mary Lou Williams (1910-1981), Duke Ellington (1899-1974), Louis Armstrong (1901-1971), Charles Mingus (1922-1979), John Coltrane (1926-1967), Nat King Cole (1919-1965), Charlie Parker (1920-1955), Miles Davies (1926-1991) y Chick Corea (1941-2021), son algunos de una larga lista de músicos que han asombrado por su maestría con sus instrumentos y desbordante creatividad.

Cuando se escriben artículos sobre los protagonistas de jazz, pocas veces se menciona el nombre de Eric Dolphy. Por ejemplo, en el portal Jazzfuel se encuentra la publicación “The Best Jazz Musicians of All Time – 40 Legendary Jazz Artists” donde no figura el saxofonista y clarinetista Eric Dolphy.

¿Quién fue este gran músico? Para celebrar el Jazz Day 2021, Clariperu le rinde tributo a este original y extraordinario músico.

Eric nació el 20 de junio de 1929 en Los Ángeles, California. Inició sus clases de música desde los seis años, siendo sus instrumentos principales el saxofón y el clarinete. Durante este periodo de juventud, Eric pensó en dedicarse a la música clásica. Escuchaba frecuentemente a compositores como Debussy, Webern y Stravinsky, incluso estudió oboe por un periodo para poder integrar una orquesta.

En 1958 recibió la invitación para formar parte del quinteto de Chico Hamilton y su carrera en el jazz comenzó. Eric era muy fluido con el saxo alto, la flauta, el clarinete y otro instrumento que, gracias a él, se posicionó en el circuito del jazz: el clarinete bajo.

Recordemos que Josef Horák fue el primer clarinetista en ofrecer un recital de clarinete bajo en el mundo. Esto sucedió el 23 de marzo de 1955. El instrumento estaba recién iniciando una tímida aparición en el mundo clásico como voz independiente. Y es por esos mismos años que Eric utiliza el clarinete bajo como un gran protagonista en sus diferentes intervenciones musicales.

Su disco Out there de 1960 contiene varios temas donde se escucha el clarinete y el clarinete bajo. En los temas Serene y The Baron, Eric se luce con un sonido sincero y una gran imaginación que presenta al clarinete bajo como nunca antes: un instrumento con un gran potencial expresivo, gran registro sonoro y agilidad. Y Eric sí sabía cómo tomar ventaja del clarinete bajo, lo que demuestra su conocimiento y dominio de este instrumento que, para el momento, era aún una novedad.

Su música se alejaba de la armonía tradicional del jazz y se aprecia una sonoridad abstracta que coquetea con la improvisación libre. Eric Dolphy no buscaba complacer a un gran público y se concentró en crear y tocar la música como él se la imaginaba, sin caer en artesanías comunes o patrones establecidos.

 

Un claro ejemplo de esta exploración se puede apreciar en su disco Out to lunch de 1964, donde podemos apreciar el clarinete bajo desde el primer tema, Hat and beard. El solo en este instrumento es un paseo de diferentes colores: escuchamos el registro grave y altísimo del clarinete bajo intercambiar protagonismo en segundos, el uso de glisandos expresivos y multifónicos que parecen imitar a un animal. Con razón se le atribuye a Eric Dolphy el establecer el clarinete bajo dentro del idioma del jazz. ¡Y de qué manera lo hizo!

De 1960 a 1963 grabó siete discos que, por cierto, están disponibles en Spotify. Su carrera fue breve debido a una muerte repentina. Durante una gira en Europa, se presentó el 27 de junio de 1964 en la inauguración del club de jazz "The Tangent" en Berlín, Alemania. Antes del concierto ya se sentía mal y con gran esfuerzo pudo terminar el concierto. Esa misma noche fue llevado al hospital donde su salud empeoró. Falleció dos días después a causa de una diabetes que nunca le fue diagnosticada. Tenía treinta y seis años de edad.

Desde Clariperu deseamos motivar a nuestra comunidad a escuchar y disfrutar la gran variedad de música que se ha creado en el mundo. Podemos empezar con aquella donde el clarinete está involucrado. 

Y si tienes ahora la oportunidad de escuchar a un pionero del clarinete bajo dentro de un lenguaje que, a lo mejor, aún no estás familiarizado, entonces te invitamos a darte la oportunidad de ampliar tu sensibilidad, dar rienda suelta a tu imaginación y disfrutar de la creatividad de un grande del jazz: Eric Dolphy.

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Raquel Contreras: consejos para mejorar tu respiración en el clarinete. CLARIPERU

Cuando comienzas a estudiar el clarinete, muy pronto descubres que uno de los aspectos más importantes que debes desarrollar es la conciencia y control de la respiración. Piénsalo. El clarinete suena por la caña que vibra como consecuencia del aire que emites por la boquilla, y que luego viaja por el resto del instrumento. El aire es el alma del clarinete y para controlarlo existen varios ejercicios que te ayudarán a ser consciente de cómo estás utilizando tu respiración y potenciar la misma.

La clarinetista mexicana Raquel Contreras ha realizado un video muy instructivo donde ofrece cinco consejos prácticos para los clarinetistas interesados en mejorar su respiración en el clarinete. Este video forma parte de la serie "Vandoren América Latina Masterclass" dirigido por Diego Cajas y lo consideramos como una importante guía para estudiantes de clarinete.

Luego de explicar un breve y efectivo ejercicio para verificar tu postura, la maestra Contreras presenta con detalles estos consejos:

1. Realiza un ejercicio para verificar si respiras correctamente (aire en el pecho).

2. Mide la fuerza de tu aire con un papel en la pared.

3. Sopla en la parte baja de un papel.

4. Respira sentado en el borde de un banquito.

5. Centra tu aire con un sorbete (pajilla, popote).

Les compartimos el video completo. ¡Muchas gracias, maestra Raquel Contreras, por compartir estos valiosos consejos!

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Claripeke, un interesante método de clarinete para niños. CLARIPERU

 

Foto: portada del método Claripeke.

María del Mar Lorente es una clarinetista profesional que dedica su tiempo a impartir clases a niños muy pequeños. Ha tenido el desafío de trabajar con clarinetistas de apenas cinco años y, al observar el poco material pedagógico que existe diseñado para niños clarinetistas, decidió crear su propio método. Así nació Claripeke, un método que será de gran utilidad para los maestros que trabajan o van a trabajar con pequeños clarinetistas. La autora nos cuenta sobre su proyecto educativo.

 

María del Mar, ¿cómo nace la idea de crear este método?

María del Mar.

La idea de Claripeke nace por la necesidad de crear un método que se adapte a las manos pequeñas de los niños que se inician en el mundo del clarinete. Soy profesora especializada en un método que se llama Mago Diapasón donde enseñamos a los niños a leer música a edades muy tempranas. Cuando acaban conmigo a los cinco años y pasan a una formación más tradicional de lenguaje musical, muchos de ellos quieren tocar el clarinete como yo. Claro, todos los métodos que conozco empiezan por la nota do y es muy frustrante para ellos, ya que no alcanzan a tapar con sus deditos todo el clarinete y las notas no suenan.

Entonces, ante esta realidad, empecé a diseñar mi propio material. Cuando me di cuenta, tenía muchas adaptaciones que, con el enfoque adecuado, podrían resultar de ayuda a otros profesores y decidí hacer la inversión. Todo ha sido probado con mis alumnos y ahora estoy desarrollando el volumen 2 que preveo publicar en verano si todo marcha bien.

Entre tantos métodos que existen, ¿cuál consideras que es el aporte de Claripeke?

El aporte del método es que va enfocado a los niños. Está hecho a medida para ellos y, por mi experiencia, te puedo decir que disfrutan de todo, ya sean ejercicios o canciones populares. Las cantamos, las toco con ellos y con los audios se motivan mucho. Los veo disfrutar con el clarinete y así me lo demuestran todas las clases. A mí me encanta verlos venir a clase tan contentos.

¿Quiénes pueden usar este nuevo método?

El método está hecho para cualquier niño que se inicia con el clarinete pero, especialmente, para niños con manos y dedos pequeños, desde los cinco años más o menos. A lo largo de veinte unidades didácticas solo trabajamos con la mano izquierda.

El método está impreso en un papel que puede ser coloreado por los alumnos. Para adquirir una copia y ver algunas página de muestra, pueden ir a la página oficial de Claripeke o contactar a la autora por sus redes sociales. ¡Felicitaciones María del Mar por este gran aporte pedagógico!

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Nos unimos más: credencial de la comunidad de Clariperu.

El 2021 es un año especial para Clariperu. Nos estamos dedicando a mejorar nuestra estructura institucional, acentuar y desarrollar nuestra cultura de trabajo y planificar el futuro, siempre inspirados en ustedes.

A partir del mes de abril, nuestra comunidad contará con una credencial digital como parte de este movimiento educativo e innovador que empezamos hace más de 20 años. Tu credencial tiene un número único que nos ayudará a desarrollar nuevos proyectos y sorteos especiales. Y como tenemos un trato especial con la International Clarinet Association, te ofrecemos una membresía gratuita para formar parte de la ICA (el costo regular es 75 dólares por año).

Te invitamos a recibir tu credencial Clariperu y beneficiarte con una membresía de la ICA. Lo único que debes hacer es llenar este formulario en línea. Esta invitación estará en línea hasta el viernes 18 de junio.

¡Bienvenidos y comparte esta publicación con tus alumnos y colegas!

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¿Cuál fue la primera editorial que publicó música para clarinete? CLARIPERU

Foto: Fachada de la editorial Estienne Roger, 1722.

Las editoriales musicales han jugado un rol muy importante en la difusión y desarrollo de la música occidental. Gracias a ellas, hemos heredado monumentales obras que podemos interpretar, analizar y conservarlas para el futuro. Sin un sistema escrito e impreso, la música no hubiese llegado a un alto desarrollo sonoro y artístico —imagínate tener que memorizar un primer movimiento de una sinfonía— y además, ¿cómo explicaría el compositor lo que desea a cuarenta músicos?

Tenemos que recordar que estas editoriales, además de la noble labor de conservar y difundir la música, eran negocios bastante lucrativos. En Europa, a finales del periodo barroco musical, era común que al menos un miembro en la casa toque un instrumento, de preferencia un teclado interpretado por una dama. Las partituras, con los últimos éxitos, debían estar disponibles en diversos arreglos para un público general que crecía con los años y que significaban clientes potenciales para estas editoriales.

La editoriales pronto fijaron ojos al nuevo miembro de la orquesta: el clarinete. Este instrumento nació a inicios de 1700 derivado del chalumeau y, desde su aparición, los compositores notaron sus cualidades y posibilidades sonoras. Los más aventureros escribieron discretas partes para clarinete en sus obras sinfónicas y algunos, obras más pequeñas donde se luce este instrumento de viento con algún acompañamiento. Entre tantas publicaciones tempranas, nos preguntamos cuál fue la primera editorial que publicó una partitura para clarinete y qué publicó exactamente. La respuesta es bastante interesante.

Se tratan de dúos para dos clarinetes de un compositor anónimo. La publicación tiene como título Airs y se lee en la portada lo siguiente:

"Airs a deux Chalumeaux, deux Trompettes, deux Hautbois, deux Violons, deux Flutes, deux Clarinelles ou Cors de Chasse"

Estos dúos fueron publicados por la editorial holandesa Estienne Roger, una empresa muy exitosa que publicó su primer catálogo en 1698. Solo ocho años después, ya contaba con agencias en Londres y Colonia. En 1716 ya tenía sucursales en Bruselas, Hamburgo, Berlín y Halle, junto con un catálogo de cuatrocientos once obras que incluían sonatas, conciertos, suites, danzas, música para solistas y música de cámara.

La primera edición de los dúos para clarinete de Estienne Roger datan originalmente entre 1712 y 1715 pero no existe una copia de ejemplar alguno. Lo que sí se ha encontrado es la segunda edición, publicada en 1716 y que se encuentra actualmente en Bruselas.

Estas ediciones tienen dos partes, llamadas Dessus y Second Dessus. El primer volumen contiene treinta y cuatro Airs y el segundo, cuarenta y cuatro. Toda la música está escrita en re mayor, lo cual lleva a pensar a los investigadores que estos dúos, aunque se lee en la portada que son para clarinetes, fueron pensados para ser interpretados por otros instrumentos más comunes, como la flauta o el violín. Tenemos que tomar en cuenta que el clarinete era un instrumento nuevo, no muy popular y aún en plena evolución, y justamente tocar esta música en la tonalidad de re mayor no era muy cómodo en los instrumentos de la época.

Fuentes

Hoeprich, E. (2008). The Clarinet :(p.31).Yale University Press

Rice, A.R (1977). Valentin Roeser’s Essay on the Clarinet (1764). Background and Commentary. [tesis] http://scholarship.claremont.edu/cgu_etd/103. doi: 10.5642/cguetd/103

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Dentro de Clariperu #1 Reuniones de trabajo

Por Marco Antonio Mazzini

Hay una actividad que todo músico realiza durante toda su carrera, y no, no me refiero necesariamente a subirse a un escenario con su instrumento o dictar clases. Me refiero a crear proyectos, o formar parte de uno. 

Es posible que asocies proyectos con eventos grandes, como un festival internacional de música, un seminario nacional sobre educación musical o la creación de una nueva orquesta de cámara en tu ciudad. Sin duda, estos son claros ejemplos de proyectos, ideas grandes que exigen un presupuesto y un espacio con ciertas características para que se desarrollen de la mejor manera. Pero recordemos que crear una lista de reproducción con música específica para tus alumnos también es un proyecto, así como buscar, recolectar, seleccionar y reunir métodos para que los jóvenes músicos de una academia los puedan emplear. Si tienes la intención de dar algunas clases en vivo por Facebook, esto también se convierte en tu proyecto personal. ¿Vas a grabar una obra a distancia con músicos de otros países? Ya tienes un proyecto internacional.Y los músicos vivimos felices de un proyecto a otro. 

Seguro ya te diste cuenta que los ejemplos anteriores son dos extremos: proyectos muy grandes, costosos y otros que los puedes realizar detrás de una laptop y desde tu cama. Voy a enfocarme en un punto medio, en esos proyectos donde están involucradas tres personas como mínimo, quienes deben reunirse periódicamente para desarrollar un proyecto en sus múltiples facetas. Y de esas reuniones trata este artículo.

En un momento, el equipo de Clariperu llegó a tener diez miembros y para hacer efectivas nuestras reuniones, desarrollé una cultura que mantenemos hasta el día de hoy. Espero que estas ideas te inspiren y motiven a diseñar tu propio sistema, tu propia cultura de trabajo.

1. Prepara la mente de tu equipo. Sabemos que en una reunión vamos a desarrollar ideas, tomar decisiones y discutir puntos de vista. Este proceso requiere mucha imaginación de parte de cada participante y, por esta razón, nosotros llamamos “sesión creativa” a nuestras reuniones. El equipo asiste a la reunión pensando en aportar, en crear, en divagar en ideas, en discutir libremente, porque cada palabra, cada sugerencia  —e incluso chiste— es parte de la creatividad del equipo. Además, antes de empezar, refuerzo esa idea en voz alta: “Estamos aquí para crear”.

2. Mantén una duración constante. Cada miembro del equipo de Clariperu sabe cuánto tiempo va a durar una reunión. El promedio de nuestras reuniones presenciales es dos horas y ocasionalmente nos pasamos unos minutos, pero nunca media hora o más. Que nuestro equipo sepa por adelantado el tiempo que dedicará a Clariperu ayuda a enfocarlos, a valorar el tiempo juntos y a que puedan organizar el resto de su día. Saben que a cierta hora ya estarán libres para retomar sus actividades personales. Cuando nos reunimos en línea (vía Google Meet), las reuniones están limitadas a treinta minutos, así nos enfocamos en pocos puntos y evitamos el agotamiento mental.

3. Ten una agenda clara. Las reuniones son una oportunidad para potenciar, diseñar y crear los pasos necesarios que necesita tu proyecto. Anuncia con anticipación cuáles serán los temas a resolver, a crear. Un aspecto que tengo en cuenta es resolver pequeños temas antes de la reunión principal, de esta manera la agenda se reduce y enfoca a los temas que considero importantes. Detalles como dónde conseguir atriles, qué micrófono debemos usar para la transmisión, a quién puedo pedirle una cámara prestada o a quién contratamos para hacer un video puede resolverse con llamadas, mensajes internos o por una sola persona encargada. Limpia tu agenda quitando estos pequeños temas.

4. Planifica una agenda corta. Este punto es una de mis prioridades. Una agenda para comunicarle al equipo podría ser, por ejemplo: Fecha de convocatoria del Coro Iberoamericano de Clarinetistas, maestros que participan, cómo crear la convocatoria en línea, responsables de las redes sociales durante el proyecto, repertorio a incluir en el CIC, cómo distribuir las partituras, fechas límites de entrega de material visual y de audio, etc. Una lista como esta puede llegar a sobrecargar tu mente, incluso influir en tu ánimo y en el de tu equipo, ¡cuántas cosas por ver y hacer! Luego que tienes limpia tu agenda (una agenda clara), resume los puntos en uno o dos que son esenciales. En el caso anterior, la agenda de Clariperu sería: Coro Iberoamericano de Clarinetistas. Nada más. Los demás puntos los tengo anotados y voy gradualmente preguntando al equipo, ¿qué fechas consideran adecuadas para la convocatoria?, para el tema de las redes sociales, ¿algún voluntario que desee encargarse?, ¿alguien tiene sugerencia sobre los maestros que podemos invitar este año? Y así, muchos puntos se discuten y, por sobre todo, nacen de manera espontánea y sin presión de parte de cada miembro de nuestro equipo.

5. Escucha cada idea. El equipo de Clariperu tiene miembros de distintas edades. Si en el equipo de tu proyecto se encuentran personas muy jóvenes, escúchalas atentamente. Podemos caer en el “bueno, es muy joven y no tiene experiencia”, o simplemente no tomar en serio lo que aportan. Esto no sucede en nuestra organización. Estamos atentos a escuchar ideas y estas pueden venir de las personas más jóvenes (que en nuestro caso es muy frecuente). Todos tienen una voz igualitaria y los animo en cada reunión a opinar, alzar su voz y compartir ideas sin temor alguno. El éxito de los proyectos de Clariperu está basado en los aportes de todos los miembros del equipo, que se sienten escuchados y alentados a contribuir con su creatividad.

6. No pierdas el punto principal. A mis alumnos les encanta repetir esta frase cuando me imitan: “al punto, al punto”. Estas palabras, que pronuncio de una manera coloquial en nuestras reuniones, tienen un propósito: evitar que un miembro empiece a divagar en temas e historias que no tienen relación o impacto en el proyecto que estamos desarrollando. He tenido la mala suerte de asistir a varias reuniones de trabajo donde siempre hay una o dos personas que hablan sin parar por largo tiempo, contando más sobre ellos que aportando concretamente al proyecto. Si por alguna razón un miembro de tu equipo empieza a traer temas irrelevantes a la mesa (fútbol, política, la serie que vio en Netflix), amablemente invítalo a retomar el tema que inicialmente los reunió. Antes o después de la reunión podemos hablar de cualquier otro asunto, ¿verdad?

7. Toma decisiones. ¿Te ha sucedido que cuando terminas una reunión en tu trabajo, te retiras con una sensación de que se habló mucho pero nada quedó resuelto? Cada reunión que programes, ya sea en tu casa, una oficina o por Zoom, debe terminar con decisiones concretas sobre el tema o temas propuestos. No dejes nada para la siguiente reunión. Y realiza preguntas concretas, como “finalmente, la fecha de convocatoria del CIC ¿es el 16 o 28 de mayo?”, “sobre el repertorio, ¿quién estará a cargo de hacer la propuesta inicial?”. Entiendes mi punto. Termina con soluciones y respuestas a todas las inquietudes del equipo y con alguien que estará a cargo de implementarlas. Siempre.

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