Clarinetista del Año 2011: NOMINADOS

Clariperu anuncia a sus Nominados 2011 para ser "Clarinetista del Año", un evento original que iniciamos en el año 2009 y que destaca la labor sobresaliente de un joven clarinetista Iberoamericano.

Les presentamos a los candidatos que serán evaluados por un jurado internacional. Al mismo tiempo, ellos compiten por el título "Clarinetista favorito de Clariperu" que se selecciona por votos electrónicos. Los votos se pueden hacer en nuestro blog, en la columna derecha.

El ganador viajará a la ciudad de Lima con todos los gastos pagados para tomar parte del II Congreso Latinoamericano de Clarinetistas y ofrecer un recital. A continuación una breve reseña de sus logros:

Socrates Villegas - México

Se titula con la máxima calificación del jurado del Conservatorio Nacional de Música de México (CNM) y continua su postgrado en el CNR de Versalles, Francia con el maestro Philippe Cuper, obteniendo un Premier Prix de perfeccionamiento a la unanimidad del jurado. Además, fue becado por el Aspen Music Festival and School (AMFS) donde estudio con Joaquín Valdepeñas (Clarinetista principal de la Sinfonica de Toronto). Ha participado como miembro del jurado en el Concurso Nacional de Clarinete en México. Además de ser invitado para impartir cursos de clarinete dentro de la Republica Mexicana. Recientemente fue invitado para dar una masterclass en la Escuela de Música de la Universidad Nacional de Australia en Canberra, Australia. Entre los concurso que ha ganado se mencionan el 2do premio a exequo “Concurso Nacional de Música de Lempdes” (Francia); 2do premio en el “Winds and Harp Competition” en el AMFS (EUA); 1er premio por cuatro años consecutivos en los concursos: “Música de Cámara, Solistas, Instrumentos de Alientos madera y mejor Interpretación” en el Conservatorio Nacional de Música; semi finalista en el “4th Aeolus international competition for wind instruments” en Alemania y en el “1st Lisbon International Clarinet Competition” en Portugal.

Mauricio Murcia - Colombia

Ha sido solista con la Orquesta Filarmónica de Bogotá, Banda Sinfónica Nacional de Colombia entre otras. Sus profesores han sido Gilberto Murcia (padre), Carlos A. Fernández, Robert De Gennaro, Paul Green y Jon Manasse. Invitado como primer clarinete a la orquesta del festival internacional de música de Santo Domingo (República Dominicana) bajo la batuta del maestro Philippe Entremont. Invitado a grabar con una de las más importantes orquestas de música tropical del caribe colombiano (Juancho Torres & su Big Band). Es actualmente Profesor del programa preparatorio de la Academia Superior de Artes de Bogotá (ASAB), Universidad Distrital Profesor de clarinete Universidad de Cundinamarca (sede Zipaquirá), profesor del programa Tocar & Luchar, de Cafám y Unimúsica (Bogotá). Ha sido invitado para participar del Festival Internacional de Clarinete 2008 (Kansas City), 2010 (Austin Texas); como el D2 Clarinet Duo se ha presentado en el Festival de Jóvenes Clarinetistas Venezolanos (2001) y en el I Congreso Latinoamericano de Clarinetistas, organizado por Clariperu.

Daniel Porras - Costa Rica

Daniel se ha presentado con la Banda del Conservatorio de Castella, la Banda Municipal de Santa Bárbara de Heredia, la Banda de Conciertos de Heredia y la Orquesta de la Universidad Nacional de Costa Rica. Ha participado en festivales internacionales como el “Festival Centroamericano de Clarinetes, Guatemala” y “Festival Internacional de Clarinetistas" de Costa Rica. Ha tocado en importantes salas dentro y fuera del país como el Teatro Eugene O'Neill, Teatro Nacional de Costa Rica, Teatro Arnoldo Herrera y Auditorium del Conservatorio Nacional de Música de Guatemala. En noviembre del 2011 se presenta como solista "After you, Mr. Gershwin" del compositor Béla Kovács, junto a la Orquesta Sinfónica Nacional de Costa Rica. Estrenando en esa ocasión la orquestación realizada por William Porras. Actualmente, cursa el cuarto año de la carrera de clarinete en la Universidad Nacional, bajo la tutela del destacado maestro Aldo Salvent, y forma parte del cuarteto de clarinetes de dicha institución. Además, integra el proyecto de grabación del disco "Música costarricense del siglo XXI: Jóvenes Compositores", producción de la Universidad Nacional de Costa Rica que estará lista en Marzo del 2012.

Jesús Antón - Venezuela

En 2007, Jesús participó en los Conciertos de Cámara en el marco del "Festival Berlin in Lights" en la Ciudad de New York, en la gira por E.E.U.U de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela, presentando junto al Cuarteto de Cuerdas Cuadrivium el Quinteto para Clarinete y Cuerdas op.34. de C.M.v. WEBER, recibiendo elogios en el Prestigioso Diario New York Times. Ha Realizado Grabaciones de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela, bajo la dirección del Maestro Gustavo Dudamel y con el prestigioso sello Musical Deutsche Grammophon los Discos: Mahler Sinfonia #5, Tchaycowsky Sinfonia #5 y el DVD the promise of the Music con la Sinfonia #3 de L.V Beethoven en Bohn, Alemania (como 1er Clarinete), un DVD con el Maestro Claudio Abaddo en el Festival de Lucerna con la suite de Scythian, S. Prokofiev (1er Clarinete).

En el 2010, participó en el Disco "Costas" del Album "Tesoros de la Música Venezolana" del Cantante Venezolano Ilan Chester, el cual obtuvo el premio "Latin Grammy" al Mejor Album Folklorico del año. Es miembro fundador del Quinteto de Vientos Venezuela, agrupación con la cual se ha presentado en el VII Festival de Jovenes Clarinetistas Venezolanos, I Festival Nacional de Vientos-Madera y en las Ciudades de Fuiggi (Italia), Toronto (Canadá), Washington, Los Angeles, Boston, New York (E.E.U.U). En la actualidad, continúa sus estudios en la Academia Latinoamericana de Clarinete con el Maestro Valdemar Rodriguez, es integrante de la Fila de clarinetes de la Orquesta Sinfónica Simón Bolívar de Venezuela. También es miembro activo del Grupo Pentacorde y de el Quinteto de Vientos Venezuela.

José Gonzalez - España

Entre los 8 y los 21 años, José estudia en los conservatorios de Cazorla, Jaen, Granada ( España ) y Milan ( Italia ) con Sergio Delmastro. En 2007, recibe una beca para continuar sus estudios de Clarinete en EE.UU con Mr. Yehuda Gilad en 'University of Southern California' y en la prestigiosa escuela de música The Colburn School, ambas en Los Angeles. 

Jose Gonzalez ha colaborado con orquestas como Orquesta Ciudad de Granada, Orquesta Sinfonica de Galicia, Orquesta Filarmonica de Andalucia, (España) Odense Sinfoniorkester (Dinamarca) Norwegian Radio Orquesta (Noruega). Orchestre des Jeunes de la Mediterranee (Francia), European Union Youth Wind Orchestra (Luxembourg), entre otras. En Diciembre de 2009, a la edad de 24 años, Jose Gonzalez Granero gana la audición para Clarinete Principal de la Opera de San Francisco, segunda compañía de opera mas importante de Estados Unidos, posicion que mantiene en la actualidad.

Internacionalmente, ha presentado un recital para piano y clarinete y Masterclass en la University of California in Davis, un recital para clarinete y cuarteto de cuerdas (Weber y Brahms) en San Francisco, California (USA), 

y un concierto con Susan Graham, famosa mezzo-soprano, 'Parto, Parto' Mozart, para piano, clarinete y voz en San Francisco, California. Actualmente, Jose Gonzalez es Clarinete Principal de la Orquesta de la Opera de San Francisco, California ( USA ), donde trabajo con directores y cantantes de nivel internacional.

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Tecnología, Navidad y música

Esta publicación de Clariperu es, en realidad, bastante inusual. No habla sobre un clarinetista, no es un artículo sobre algún concierto o anuncia algún evento. Es mas bien, un texto de reflexión basado en una escena que observé el día de hoy.

Por la mañana, me invitaron a tomar un buen café en un bonito local del distrito de Surco, en Lima. Mientras esperaba mi pedido aromático, vi una joven pareja sentada cerca a mi mesa. Noté que no habían discutido ni que estaban molestos por algún tema de pareja. Lo que me llamó la atención fue que ambos, sentados uno al frente del otro, contemplaban sus sofisticados teléfonos móviles y no se miraban. Pasaban los minutos y no hablaban. Llegaron dos jugos...ni los miraron. Ella estaba sumergida en su teléfono y él, en un planeta lejano, hacía lo mismo. Seguían pasando los minutos. Ni una palabra. Llegaron dos panes sabrosos con pollo y muchos vegetales. Ni los tocaron. Luego de unos quince minutos, ninguno decía nada y sólo ella mordió un poco de su pan. Ambos, aunque a simple vista estaban juntos, estaban totalmente desconectados.

Se dice hoy en día que la tecnología nos une, nos ayuda a comunicarnos más. No fue lo que vi hoy. Lo que observe fue un desorden y adicción a la tecnología que nos miente y nos hace creer que estamos conectados y que tenemos muchos amigos. Fue muy triste ver como una pareja pierde la oportunidad real de conversar, de conocerse mejor, de intercambiar ideas interesantes, de tener un poco de intimidad y de disfrutar un precioso tiempo juntos. Me pregunto, ¿somos los clarinetistas también así de desordenados en nuestras vidas diarias? ¿Cuánto tiempo paso en el computador y cuanto es el tiempo que le dedico a mis amigos, a mi novio, a mi familia? Con tiempo, quiero decir por sobre todo calidad - total atención y devoción a la persona que tenemos al frente y que le demostramos con palabras y acciones que nos importa.

La Navidad es un periodo en donde la gran mayoría de nosotros deseamos lo mejor al prójimo y hacemos un esfuerzo extra en ser mejores. Como músicos, también apuntamos a ser mejores instrumentistas, a controlar al máximo nuestro instrumento y a estudiar obra tras obra para incrementar nuestra madurez interpretativa. Pero, ¿qué hacemos para mejorar como personas? ¿Así como crecemos como clarinetistas, nos preocupamos también por ser mejores amigos, ciudadanos? 

Se dicen muchas cosas hermosas de la música - que es un lenguaje universal, que sin ella la vida es un error, que es el idioma del alma. Quizás la diferencia entre dos músicos no es tan sólo cuanto han practicado, sino cuanto están conectados con su sensibilidad como seres humanos y cuanto tienen que compartir como personas preocupadas y enriquecidas por su entorno.

Espero que podamos reflexionar sobre el tiempo que tenemos en nuestras manos. La tecnología nos ayuda en nuestras vidas, pero considero que no se debe convertir en un modo de vida - pronto nos sentiremos vacíos como personas, y así, a lo mejor cuando toquemos, el público se dará cuenta que por dentro, sólo estamos pensando en el chat, Facebook o en una nueva aplicación para mi IPad. Deseo que todos nosotros crezcamos primero como personas y luego como músicos.

Marco Antonio Mazzini

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Partitura gratis para cuarteto de clarinete: "los ejes de mi carreta"

Durante el 1er Encuentro de Clarinetes de Buenos Aires, se formó con los amigos y maestros invitados un cuarteto de clarinete que interpretó entre otras títulos, la obra "Los ejes de mi carreta" de Atahualpa Yupanqui, en un hermoso arreglo de nuestro amigo Daniel Kovacich. La obra es estupenda y nos divertimos mucho tocándola.

Daniel ha decidido donar su trabajo a Clariperu, y nosotros lo compartimos con todos ustedes. ¡Gracias Daniel por dedicar este arreglo a Clariperu!

El score y partes individuales las pueden bajar en este enlace. ¿Quién será el primero en interpretar esta obra fuera de Argentina y subir un video? Si alguno de nuestros amigos programa esta obra, por favor avísenos para anunciar esa noticia y darle la buena noticia a Daniel. Lo dejamos con la versión original de "Los ejes de mi carreta".

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Marinera: Duo para clarinete y clarinete bajo (partitura gratis)

Durante el 1er Encuentro de Clarinetes organizado en Buenos Aires, se formó un Dúo de emergencia entre Daniel Kovacich (Argentina) y Marco Antonio Mazzini (Perú), quienes interpretaron dos breves piezas durante la presentación de Buffet Crampon France.

Una de las obras fue una "Marinera" peruana, llamada "La Concheperla". Esta música es muy popular en Perú y el arreglo fue hecho especialmente para este "dúo de emergencia".

Tal como lo anunció Marco Mazzini, la partitura ahora está disponible para todos, gratis en Clariperu. La pueden descargar desde aquí. ¡Que la disfruten!

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1er. Encuentro de Clarinetes Buenos Aires 2011

 

La hermosa ciudad de Buenos Aires será convertirá por primera vez en la sede de un evento dedicado al clarinete. Durante los días 7 y 8 de diciembre se celebrará el 1er Encuentro de Clarinetes de Buenos Aires, que ofrece clases maestras, exhibición de instrumentos y accesorios, charlas  y recitales.

Los maestros invitados son Donald Montanaro (EE.UU.), Luis Rossi (Chile), Marco Mazzini (Perú), Victoria Luperi (EE.UU./Argentina), y con los solistas de las orquestas Sinfónica Nacional, Filarmónica de Buenos Aires, Estable del Teatro Colón y Banda Sinfónica de la Ciudad de Buenos Aires: Mariano Rey, Matías Tchicourel, Carlos Céspedes, Daniel Kovacich, Daniel Kerlleñevich, Guillermo Sánchez y Amalia del Giudice.

El encuentro cuenta con el apoyo de Buffet Crampon (quienes ofrecerán una interesante charla sobre construcción de instrumentos por medio de Erwan Nedelec), Cañas Gonzalez, accesorios Bambu, Vandoren y otras empresas. Clariperu también auspicia este histórico evento en Argentina.

Estamos felices de poder ser parte de este importante encuentro, y de ver como el movimiento clarinetístico crece y crece en Latinoamérica. A todos nuestros amigos de Argentina: ¡no se pierdan el encuentro!

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Bolivia: ganador de la BECA Clariperu

Tal como lo anunciáramos en un post anterior, Clariperu ofreció una BECA a un clarinetista boliviano para tomar parte de la 1ra Convención Vientos del Sur, organizado por Crearte América. Cone esta beca, un joven clarinetista boliviano tomará parte de este campamento musical con todos los gastos pagados.

Luego de leer cada aplicación, Clariperu anuncia al ganador de esta beca:

ALONDRA NINA MENECES

Esperamos que esta beca ayude a la clarinetista Alondra en sus avances con el clarinete, y estamos muy contentos de poder contribuir en conjunto con Crearte América en la formación de jóvenes músicos.

Gracias a todos por participar. Durante el 2012, Clariperu ofrecerá más apoyo a clarinetistas de nuestro continente.

Marco Antonio Mazzini

Director de Clariperu.

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Nuevo proyecto de Jose Franch-Ballester

El clarinetista español Jose Franch-Ballester sigue dando grandes avances en su ya interesante y exitosa carrera internacional.

José acaba de graba un nuevo disco y un DVD. El disco lleva por título "Jose Franch-Ballester & Friends, Chamber Music",  y contiene obras de Paul Schoenfield, Johannes Brahms, Igor Stravinsky y el estreno de una nueva obra de Oscar Navarro. Lo acompañan en esta grabación los músicos José M. Blumenschein (violín), Thomas Carroll (cello) y Amy J. Yang (piano). El DVD será pronto lanzado al mercado.

Felicitaciones José por tus aventuras musicales que son siempre muy interesantes. Aquí los dejamos con un video promocional: el primer movimiento del trío para violín, clarinete y piano del compositor Paul Schoenfield.

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Estreno de las sonatas para clarinete y piano de Brahms. CLARIPERU

Johannes Brahms tiene un lugar privilegiado en la historia de la música. Sus gigantescas sinfonías son interpretadas regularmente en los principales escenarios del mundo al igual que su música de cámara. Durante los últimos años de su vida, Brahms escribió cuatro extraordinarias obras para el clarinete: un Trío, un Quinteto y dos Sonatas para clarinete y piano. Estas últimas, son el tema de este breve escrito.

Cuando empezamos a indagar sobre el nacimiento de las sonatas Op. 120 para clarinete y piano que escribiera el gran compositor alemán Johannes Brahms, uno descubre pronto que fueron unas de las últimas obras que concibiera este genial compositor. Es más, Brahms había anunciado poco antes su retiro en la composición. ¿Qué sucedió que lo convenció a componer nuevamente, y a escribir monumentales obras para el clarinete, como su Quinteto Op. 115 ? La respuesta descansa en la figura de un hombre, un excepcional músico que deslumbró musicalmente a un maduro Brahms. Nos referimos al clarinetista Richard Mühlfeld, de quien hablaremos primero antes de descubrir en fechas en las cuales se dejaron escuchar por primera vez las estas sonatas para clarinete.
   

Richard Mühlfeld 

Richard Muhlfeld

Richard Mühlfeld nació el 28 de febrero de 1856 en la ciudad de Salzungen, Alemania. Fue el último de cuatro hijos. Su padre, Leonhard Mühlfeld, le impartió sus primeros conocimientos musicales. A los 10 años de edad Richard formaba parte de un pequeño ensamble que su padre dirigía, tocando violín y eventualmente el clarinete (que al parecer, aprendió de manera autodidacta).
Un paso importante en su carrera como músico fue su ingreso a la Orquesta de Meiningen en el año 1873 y como violinista. Richard se presentó como solista con esta orquesta en 1877, y solo en 1879 le ofrecieron el cargo de clarinetista principal, debido a que el clarinetista estable, Wilhelm Reig, debió retirarse por motivos de salud.
Durante los años 1876 y 1879 Richard cumplió con el servicio militar, tocando el clarinete en la banda del Regimiento 32. Esporádicamente lo llamaban a tocar en otras orquestas y sucedió así que tomó parte del Festival de Bayreuth en 1876, en donde conoció a Richard Wagner. Fue este compositor quien se le acercara luego que Mühlfeld interpretara la obertura Egmont y le dijera: "joven amigo, siga de esta manera y el mundo entero se abrirá a usted". También Brahms dejo claro su opinión sobre Mühlfeld en una carta dirigida a Clara Schumann el 17 de marzo de 1891: ""es imposible tocar el clarinete mejor que el señor Richard Mühlfeld lo hace aquí". Brahms lo consideraba el mejor instrumentista de viento que él haya escuchado y lo llamaba de cariño "la pesadilla de la orquesta".
No cabe duda que Richard Mühlfeld fue considerado como un supremo instrumentista, especialmente a partir del año 1880. Sin embargo, es bueno tener en cuenta las impresiones que George Toenes describe en la revista The Clarinet No. 23 (1956), luego de escuchar a Richard en un concierto donde ofreció el Quinteto para clarinete:

Recuerdo claramente que pensé que su sonido en el registro grave era magnífico, pero no tenía el mismo parecer con su registro medio y agudo. Demostró por momentos una dinámica excepcional, el fortísimo siendo muy sobresaliente, pero pocas veces empleado - y siendo solo un niño naturalmente  no le perdoné fácilmente los pitos ("gallos") que realizó con frecuencia , ¡sin considerar  entonces (como posteriormente lo hice) con qué frecuencia una caña lo podía traicionar a uno! Recuerdo que no intentó obtener todos los detalles en el "Quinteto", pero obviamente no se consideraba más grande (ni menor) que los instrumentistas de cuerda. En retrospectiva, siento que aunque él fuera un músico de primer orden, sus atributos como intérprete no cautivarían a la presente generación como especialmente sobresaliente.

 De algo si estamos seguros, y es que este dinámico clarinetista inspiró a Brahms a heredarnos obras de mucho valor musical e histórico. Además, su maestría en el clarinete provocó a otros compositores contemporáneos, como Theodor Verhey (Concierto para clarinete Op. 57 - 1901), Carl Reichecke (Introduzione ed Allegro appasionata Op. 256 - 1902),Gustav Jenner ("Sonata" Op. 5 - 1900), Stephan Krehl ("quinteto para clarinete" - 1902) y Henri Marteau (Quinteto para clarinete). Richard Mühlfeld falleció el 1 de junio de 1907 debido a una hemorragia cerebral.

Estreno de las Sonatas

Existe una fecha oficial del estreno público de las dos sonatas para clarinete. Ambas se dejaron escuchar en una misma velada, el 7 de enero de 1895 en Tonkünstlerverein, Viena. Los músicos protagonistas fueron Richard Mühlfeld y el mismo Johannes Brahms en el piano.

La historiadora Pamela Weston escribe que las sonatas se interpretaron también el 10 y 11 de enero (1896) y  el 27 del mismo mes en Berlín. Una fecha más que ella señala es el 17 de febrero, esta vez en Frankfurt. Las sonatas se tocaron unos días después en Meiningen (21 de febrero) junto al Quinteto del mismo compositor.

Existen fechas anteriores donde se interpretaron de manera privada estas dos obras. Una vez  más, Pamela Weston proporciona los siguiente datos sobre este tema: Mühlfeld tocó ambas sonatas junto al pianista  Frau Franz, en una reservada audición para el compositor, el 10 de noviembre de 1894. El 12 del mismo mes, ambas sonatas se tocaron en la casa de la familia Sommerhoff, en donde el programa musical fue completado con el Trío para clarinete de Mozart. Al día siguiente, y en una fiesta en la casa de Clara Schumman, se dejaron escuchar ambas obras, junto a las Piezas de Fantasía de Robert Schumman. Una última fecha es el 19 de noviembre, cuando Mühlfeld  interpretó las nuevas creaciones de Brahms ante la invitación del Duke Georg y la Baronesa Von Heldburg. Este concierto se realizó en el castillo Altenstein.

Desde su estreno, estas dos sonatas han cobrado con el tiempo mayor popularidad e importancia. Si recorremos un poco la historia del clarinete, notaremos que no existe mucha tradición en la composición de sonatas para este instrumento (una obra pionera fue la que escribiera Mendelssohn a los 15 años de edad). Por otro lado, existen hoy en día más de 50 grabaciones de estas dos hermosas piezas, sin contar la versión que existe para viola y piano. Luciano Berio realizó una versión de la Sonata n°1  en fa menor para orquesta y clarinete solista. Esta expansión sonora de la sonata fue recientemente interpretada durante el Festival Internacional de Clarinete 2006 (Atlanta), organizado por la International Clarinet Association.

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Entrevista a Luis Rossi - CLARIPERU

Luis Rossi no necesita de mucha introducción. Su gran calidad como intérprete lo ha llevado a ofrecer exitosos conciertos por todo el mundo y ser reconocido como uno de los mejores clarinetistas de nuestros tiempos. Como fabricante de clarinetes, su fama crece año tras año.

La presente entrevista fue realizada por la lista de interés de Clariperu en noviembre de 2000. Las preguntas fueron enviadas por lo miembros de dicha lista y amablemente Luis Rossi respondió a ellas.

* Maestro, ¿cómo descubrió el clarinete? ¿Cómo así se interesó por estudiarlo y cómo nace el amor por la música?

En la década del 50, cursaba la escuela primaria en la Patagonia Argentina, donde aún viven mis familiares. Exactamente en el colegio San Francisco de Sales, atendido por sacerdotes Salesianos, donde la tradición italiana imperaba, comencé cantando en el coro de niños a los siete años. Luego quise entrar en la Banda como trompetista, pero se me advirtió que tenía que esperar hasta cumplir nueve años. 

Cuando este plazo se cumplió, fuí de nuevo al ataque, pero la suerte no estaba de mi lado: no había más trompetas, todos los instrumentos estaban en manos de felices trompetistas. Luego me ofrecieron un clarinete. Casi nadie tocaba clarinete por allí, de manera que este instrumento significaba bastante poco para mi. Pero entre él y la posibilidad de quedar fuera de la Banda ( y con eso, de la música) lo acepté, sin saber que sería el comienzo de un largo camino, de por vida.

* ¿Cuáles son para Ud. las diferencias más resaltantes entre la escuela clarinetistica europea y la Latinoamericana? ¿Y las similitudes?

Es una pregunta muy amplia y muy difícil de contestar. En primer lugar, de cual escuela europea estamos hablando? Porque dentro de Europa coexisten escuelas muy diferentes. Diría que la escuela Alemana ( con sus seguidores satélites en Holanda y las similitudes que pueda tener en Austria) es radicalmente diferente de la escuela Francesa. A su vez, en Inglaterra ya tocan el clarinete con otro criterio. Los belgas, de hecho, tienen sus características propias , y suma y sigue. Los italianos y los españoles tienen por su parte sus cualidades particulares. Pero, son los alemanes que están del otro lado de la línea, con algo tan diferente que se aparta lejos de todo lo demás.

En Sudamérica, a su vez, coexisten varias maneras diferentes de tocar el clarinete, aunque ninguna de ellas basada en la escuela alemana. Donde mas profesores alemanes hubieron fué en Brasil, al punto que el solista de la Sinfónica de Berlín ( o de la orquesta de la Opera de Berlín) estuvo algunos años enseñando en un conservatorio en la costa de Brasil, no recuerdo si fue en Bahía. De modo que podrían haber seguidores de esta escuela por allí. Pero en general han sido los italianos quienes mas influyeron en Sud America. Por mi parte, yo fui admirador de Reginald Kell, Jack Brymmer, Gervase De Peyer y John McCaw. Todos estos clarinetistas ingleses tienen características que atraparon mi atención y preferencias. Por eso estudié en Londres ( con John McCaw) y a su vez, la escuela que desarrolle en Chile, Argentina, Perú (solo dos alumnos : Alvites y Eca) y Venezuela está influenciada por esa manera de tocar.

* En su versión del Concierto de Saverio Mercadante, en el segundo movimiento, ¿Por qué no repite la segunda parte del tema ni la segunda parte de las variaciones, y por qué en la variación en tonalidad menor no repite ninguna de las partes?

Esa versión fue grabada durante el concierto que hicimos en el auditorio Rudolfinum de Praga. Otras versiones, que también se grabaron como la del concierto para la Radio de Varsovia, si tenían las repeticiones del caso. Es que algunas veces los programas están algo largos y es necesario cortar o recortar suprimiendo repeticiones. Lógicamente que el largo del tema debe de concordar con el de las variaciones.

* ¿Existe una edición oficial de Rosita Iglesias de Carlos Guastavino?

La versión original de Rosita Iglesias, perteneciente a la serie Presencias de Carlos Guastavino (nacido en 1912 y fallecido en 2000) fue publicada por Ricordi Americana en Buenos Aires, y es para violín y piano. Posteriormente, Guastavino autorizó una versión con viola y piano y más tarde yo le consulté si podía tocarla con clarinete. Pero el luego se enfermó y jamás pude mostrarle mi arreglo. Pero sí resultó muy exitoso y ahora será grabado por un clarinetista polaco (Jakub Bokum) en un CD de homenaje a Guastavino.

* ¿Cuál es su opinión sobre la música contemporánea?

Hay obras geniales para clarinete, como las Tres Piezas para clarinete de Blas Atehortúa y el Concierto de Corigliano, pero también otras obras que a mi juicio no valen la pena. Escojo con gran cuidado lo que toco.

* ¿Y sobre el Jazz?

Me gusta, pero no sé improvisar. Me parece que logro reproducir el sabor del Jazz en obras de concierto que así lo requieren, por ejemplo cuando tuve que tocar el solo de clarinete de La Creación del Mundo de Darius Milhaud.

* ¿Qué lo llevó a fabricar instrumentos? ¿Qué clarinete usaba antes de diseñar sus propios?

Bajo la influencia de los clarinetistas ingleses, toque un Boosey & Hawkes 1010, de cámara ancha durante 20 años. Quise perfeccionar su afinación y me impulsó el haber estudiado con John McCaw (por entonces principal clarinetista de la New Philarmonia Orchestra de Londres). McCaw tenía un taller muy completo en el ático de su casa y su hobby era justamente construir un clarinete ideal. De modo que cuando vi todo eso y probé aquel clarinete, mi entusiasmo fue inmenso. Desde entonces, en las clases solo hablábamos de construcción de clarinetes.

Otros ingleses que me ayudaron fueron Ted Planas (ya fallecido), clarinetista y reconocido acústico, quien había construido desde clarinetes bajos hasta saxofones. Lo sabía todo acerca de las técnicas a emplear, mecanismos,etc. Tomé varias clases con él. También Stephen Trier (fallecido) clarinete bajo de la Royal Philarmonic Orchestra de Londres. Él también tenía su taller y había construido una campana de madera para su clarinete bajo. También hizo una extensión a sus clarinetes Albert para convertirlos en clarinetes di bassetto. 

En fin, Inglaterra y toda esta generación de clarinetistas tan interesantes e interesados en la construcción de instrumentos fue sin duda el impulso para decidirme a desarrollar mis proyectos. Una vez que comencé a construir los primeros, los lleve a John McCaw para recibir críticas.Y por cierto las recibí durante varios años, hasta que poco a poco logre refinar mis diseños y construir un instrumento que mereció su aprobación.

* Si tuviera que escoger un modelo de sus propios clarinetes, ¿Cuál escogería y por qué?

Esa es otra pregunta difícil, porque cada modelo tiene su encanto. Uno da mayor flexibilidad. Otro tiene un sonido más centrado y atractivo. Otro afina mejor los sobreagudos. Y si uno persiste en el uso de uno de ellos, aprende a compensar los defectos y logra obtener el mejor resultado. Por eso, cada tanto cambio de modelo. Toque muchos años con el de Cámara Inglesa, que mejoraba notablemente al Boosey 1010 usado en mi juventud. Luego cambié al de cámara francesa, con el que toque unos cinco años y grabe los conciertos de Mercadante y Stanford. 

En los últimos años, exploré el clarinete de cámara vienesa (instrumento que toque en los conciertos de la BCA de 2000. Y también el AL, un instrumento basado en un clarinete construido por E.J.Albert en Bélgica. El original, un instrumento con sistema Boehm, está en casa y los instrumentos construidos en base al mismo son muy interesantes. La cámara es apenas más pequeña que la cámara Inglesa o Vienesa. Tiene 15 mm de diámetro y eso da una enorme libertad y flexibilidad.

* ¿Ha considerado la posibilidad de diseñar sus propias boquillas?

La boquilla es en si otro mundo dentro del diseño e investigación. Prefiero comprar el blank ( boquilla en bruto) de un fabricante de Alemania y luego yo termino el facing a mi gusto. Estas boquillas tienen el logo L.Rossi y vienen con los clarinetes de cámara grande, (inglesa, vienesa y AL), proveyendo una cámara grande compatible con estos modelos.

* Como maestro, ¿Cómo ayuda a sus alumnos a desarrollar una personalidad propia musical? ¿Cuál considera que es el mejor consejo que les da?

Trato de no forzarlos a tocar todos de la misma forma, sino de ayudarlos a desarrollar su personalidad musical. Pero lo más importante es dotarlos de una voz, como un cantante. Deben de adquirir la técnica para vocalizar y lograr la colocación de su sonido. Este es un proceso largo pero una vez establecido, los alumnos tienen los medios para poner en música sus ideas musicales.

* Como intérprete, ¿Tiene algún criterio para seleccionar su repertorio?

Es una cuestión de gusto y también de ubicación. Ciertas obras no quedan bien a todos. El repertorio define en cierta forma al intérprete. A pesar de haberlo estudiado, nunca toque Nielsen pero sin embargo, hace poco toqué el Concierto para clarinete de Corigliano con la Orquesta Simón Bolívar de Caracas. Y comprobé que esta obra me queda bien y me permite disfrutar de su ejecución.

* ¿Cómo ve el panorama musical en Latinoamérica?

Desearía que hubiese más contacto entre los países. Los festivales de clarinete son escasos y hay mucha necesidad de intercambio. Se necesita más en este campo. Por otra parte, la enseñanza musical está considerablemente atrasada, por cuanto las Instituciones (conservatorios, universidades) no logran entregar lo necesario. La mayor parte ni siquiera tiene un ensamble de vientos o una orquesta donde los alumnos puedan aprender el repertorio sinfónico.

* ¿Cuál es la frase o palabra que siempre menciona a sus alumnos?

Que perseveren en el estudio organizado haciendo uso de toda la paciencia que puedan encontrar. Al fin de este camino hay ciertamente una luz que se acercará cada vez más.

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Discos recomendados: La Revoltosa - Jorge Montilla

LA REVOLTOSA

Clarinet Classics

Obras de Desenne, Marquez, Eisenberg, Montilla, Herrerías y Piazzola
Jorge Montilla - clarinete, clarinete pícolo
Hamilton Tescarollo - piano

Por Marco Antonio Mazzini

La empresa británica Clarinet Classics es un verdadero sello discográfico de garantías, así en plural. Nos permite descubrir repertorio inusual con obras clásicas que han sido olvidadas o ignoradas; nos transporta al pasado con grabaciones históricas muy importantes y nos muestra el presente con registros de excelente calidad de estrenos mundiales. Además, podemos llevar a casa un disco que ha sido grabado por un gran artista. El lanzamiento de "La Revoltosa" ofrece estas garantías.

El clarinetista venezolano Jorge Montilla se luce una vez más con esta extraordinaria grabación. El programa que hallamos en esta producción es sumamente interesante - para empezar, encontramos tres estrenos mundiales y obras contrastantes tanto para clarinete y clarinete pícolo solo y con piano. Las obras escogidas ha sido escritas por compositores Sudamericanos, a excepción de Alfred Prinz, nacido en Austria.

La obra "Zarabandeo" del reconocido compositor mexicano Arturo Márquez (1950) es interpretada con gran convicción y naturalidad por Jorge. Su sonido no pierde belleza en ningún momento. La Sonata para clarinete y piano de Paul Desenne, es una obra de gran intensidad sonora - sobre todo en su movimiento inicial Tacata Tocaca donde no hay casi momentos de respiro para el clarinete - presenta tintes modernos pero con un gran sentido melódico y de diálogo permanente. El piano es bastante percutivo y la música mantiene muy atento al oyente. Del mismo autor, encontramos la obra "Revoltosa", que le da el título a esta producción. Esta pieza para clarinete pícolo y piano de 12 minutos esta llena de atractivos colores armónicos y es una buena obra para apreciar lo versátil y hermoso que puede ser este pequeño miembro de la familia del clarinete. Jorge muestra una vez más su gran instinto musical y su maestría con el clarinete pícolo. En sus manos, esta demandante obra se percibe como una pequeña estrella coqueteando en el cielo en busca de diversión. Brillante.

Una de las razones de porque encuentro este disco sumamente interesante, es la inclusión de una obra compuesta por el mismo Jorge Montilla. "Registro del Pajarillo", está basado en uno de los ritmos más antiguos del joropo venezolano, que es justamente el pajarillo. Una joya. Desde las primeras notas, uno queda cautivado con la música y el dulce timbre de Jorge y su convicción interpretativa. Esta obra debería ser considerada como parte del repertorio obligatorio de todo clarinetista que se dedica al estudio del clarinete pícolo - además, esta partitura es una buena embajadora de la música creada hoy en día en Sudamérica.

El brasileño Alexandre Eisenberg (1966) compuso "Arquichorinho" para clarinete pícolo y piano especialmente para Montilla. La obra tiene un gran sentido de humor, llena de contrastes sonoros - momentos de notas solas, clusters, disonancias agudas y un final inesperado.

La obra más contrastante del disco es la Sonata para clarinete pícolo y piano de Alfred Prinz (1930). La música llega a ser bastante predecible y se pierde en muchos casos el ansiado factor sorpresa. 

Las dos últimas obras provienen de Argentina. Fuerza sonora, una clara propuesta de narración y diálogo sumados a momentos de muchos matices extremos, la obra "Niebla y Cemento" de Mario Herrerías (1954) para piano y clarinete es una composición estupenda. La parte lírica central esta escrita con gran sensibilidad y nos transporta a imaginar en todo aquello que no habíamos concebido antes. Una vez más, Jorge muestra extraordinariamente las posibilidades expresivas del clarinete. El disco termina con un arreglo de Montilla de la obra "Cierra tus ojos y Escucha" de Astor Piazzolla, donde el dúo se aprecia en su momento más íntimo cono músicos. Estupendo.

Una grabación impecable presentada por dos grandes músicos, y donde apreciamos a Jorge no sólo como intérprete sino también como arreglista y compositor. "La revoltosa" contiene información en inglés sobre cada obra preparada por el mismo intérprete. Este disco es altamente recomendable - en realidad, imperdible. Lo pueden comprar directamente aquí en Clarinet Classics o en Itunes.

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La construcción de un clarinete

Cuando alguien pregunta ¿de qué está hecho un clarinete?, los clarinetistas sonreímos, ya que la respuesta nos parece obvia, pero para muchos otros músicos esta interrogante no deja de ser válida. ¿No están hechos de plástico, como los he visto en algunas bandas? ¿Madera... cuál de ellas? ¿Existen clarinetes fabricados de metal? Estamos seguros de que muchos también hemos visto gran variedad de clarinetes, pero quizás no el proceso de su construcción. Les presentamos a continuación unas líneas introductorias al tema, y algunos video en donde podrá apreciar el nacimiento de un clarinete.

Materiales

Los clarinetes son populares en bandas de escuelas, instituciones y organizaciones de todo tipo. En una orquesta sinfónica es posible escuchar y ver por lo menos un par de clarinetes. Si uno da un paseo por los andes Latinoamericanos, el clarinete y el saxofón son muy ejecutados en los 'conjuntos típicos'. No es inusual escuchar un buen solo de clarinete en la música jazz. El público escucha y ve clarinetes en eventos donde estas agrupaciones se presentan, y es frecuente que alguna persona en su curiosidad pregunte, ¿De qué está hecho el clarinete? Para responder en breve: de varios materiales, dependiendo un poco de la música y el lugar en el cual será utilizado. Veamos.

El material con el cual el clarinete está fabricado influye en el sonido que éste producirá. En el ambiente profesional académico, el clarinete que se usa está construido de madera. Es decir, los clarinetes que escuche o vea en un concierto con una orquesta sinfónica, o con músico profesional dedicado a la música académica o el jazz, estarán fabricados de madera. Si revisa nuestra sección Biografías, notará que todos esos clarinetistas usan clarinetes de madera, sin excepción. La madera es preferida por la resonancia cálida que ofrece. Los primeros clarinetes fabricados en la historia, y aquellos que se exhiben en museos, fueron también hechos de madera.

Dentro de este rubro, podemos mencionar la granadilla (muy común), cocobolo y palo rosa como algunos de los tipos de madera que se usan con frecuencia.

La madera ofrece muchas bondades en el sonido, pero también demanda mucha dedicación y cuidados, por ejemplo, contra la humedad y cambios bruscos de temperaturas, las cuales causa aberturas (grietas, rajaduras) que son en algunos casos irreparables.

Ahora, al igual que los autos, existen varios modelos de clarinetes, cada uno con características especiales que lo diferencia entre sus hermanos. Y no hay que olvidar que existen clarinetes de sistema alemán y sistema francés, este último el más adoptado internacionalmente. Las fábricas que tienen una fuerte presencia en el mercado - ya que ofrecen toda la familia del clarinete - son Buffet, Selmer y Leblanc.

Por otro lado, el plástico no presenta peligros de agrietamiento. Es quizás por esta razón que los clarinetes de plásticos son preferidos por principiantes y amateurs. El plástico no sufre tanto con cambios de temperatura, y es además muy económico. Un buen instrumento de plástico puede costar sólo el 15% del precio de un clarinete de madera profesional. Por estas dos simples razones, los clarinetes de plástico han sido muy bien recibidos en bandas populares. Algunas compañías han fabricado lustrosos clarinetes en varios colores, para lucirlos durante alguna presentación grupal pública.

Pero eso no es todo. Existen también clarinete de metal, que son muy populares en países como Turquía, Grecia y Bulgaria. El clarinete de metal es usado en música folclórica popular, y ofrece un volumen considerablemente mayor al que se puede obtener con un instrumento de plástico o madera. Esto es importante ya que el clarinete de metal debe competir mucho con instrumentos de percusión y otros instrumentos de metales.

Construcción

No muchos clarinetistas hemos tenido la experiencia de presenciar la construcción de un clarinete. Gracias a Internet, podemos apreciar algunas imágenes que nos transportarán al nacimiento de un nuevo instrumento. Dejamos entonces que las imágenes hablen por sí solas.

Las primeras imágenes que podrá apreciar lo llevarán al taller del constructor de clarinetes Luis Rossi, que diseña instrumentos con características muy especiales. Estos clarinetes, que se ofrecen en varios tipos de madera según la elección del cliente, son fabricados a pedido. Siéntase cómodo y observe la fabricación de un clarinete Rossi.

Les ofrecemos ahora el video preparado por la compañía francesa Buffet Crampon, en donde podrá apreciar paso a paso el proceso de la construcción de sus clarinetes.

Para despedirnos, les comentamos que durante el Festival Mundial de Clarinete 2005, se exhibieron clarinetes fabricados de cerámica. Producen un sonido cálido, pero como los mismos fabricantes confesaron, siguen trabajando en su desarrollo, ¡ya que son sumamente pesados!

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El Clarinetista del Año 2011 viajará al II Congreso Latinoamericano de Clarinetistas

El evento "Clarinetista del Año" que Clariperu desarrolla desde el 2009 busca distinguir la labor de un sobresaliente clarinetista Iberoamericano. Esta joven figura es seleccionada por un jurado internacional dentro de los nominados que merecen este gran título.

A partir del 2011, el "Clarinetista del Año" será invitado a participar del "Congreso Latinoamericano de Clarinetistas", en donde ofrecerá un recital del 30 minutos y será distinguido en público con una estatuilla durante el concierto de clausura del Congreso.

El ganador de este año, viajará a la ciudad de Lima para ofrecer un recital el 12 de septiembre del 2012, y el costo de su pasaje aéreo y estadía serán cubiertos por Clariperu.

Para ser considerados NOMINADOS, deben inscribirse en línea por medio de este formulario. Así de simple. Clariperu seleccionará un máximo de 9 nominados, y uno de ellos será acreedor al título de "Clarinetista del Año" y será un invitado de honor al II Congreso Latinoamericano de Clarinetistas.

¡Los esperamos!

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10 años del Cuarteto Vintage

El Cuarteto Vintage de Portugal celebra este mes de noviembre 10 años de intensa actividad musical. Desde obras barrocas a obras clásicas, populares y modernas, el cuarteto ha construido un amplio y contrastante repertorio que los ha llevado a recorrer varios países del mundo. Este joven ensamble es artista de la prestigiosa firma francesa Buffet Crampon.

Sus integrantes, Iva Barbosa, João Moreira, José Eduardo Gomes y Ricardo Alves, preparan un concierto especial este 19 de noviembre para celebrar una década de Vintage, y estamos seguros que será una gran velada. Más detalles en el evento en Facebook.

¡Felicitaciones al Cuarteto Vintage, y les deseamos muchos más años de éxitos! Los dejamos con un video de su presentación en Canadá:

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La educación musical Latinoamericana en la perspectiva del siglo XXI

Armando Sánchez Málaga es maestro, director de orquesta, ex-director del Conservatorio Nacional de Música y actual director del Centro de Estudios e Investigaciones de la Música Latinoamericana en Lima, Perú. Este artículo fue publicado en la Revista Musical Peruana N° 5 en junio de 1998. Con estas líneas, pensamos hacer una reflexión musical general sobre nuestros países, que en un futuro cercano, dependerán de nuestra generación para enfrentar los desafíos de este nuevo milenio.

La situación de la educación musical latinoamericana en la perspectiva del próximo siglo ha sido uno de los temas que han centrado el debate en los últimos encuentros de educadores musicales de nuestro continente. Especialistas de diversos países han examinado la problemática de la formación musical y formulado recomendaciones para ser sometidas a la consideración de las instituciones y gobiernos responsables de su atención. Aunque la educación es diferente y tiene sus propios matices en cada país, se comprueba, sin embargo, la existencia de algunos problemas comunes . Es pertinente por eso hacer propuestas conjuntas y encontrar los mecanismos de colaboración entre los diversos países de la región, aprovechando las posibilidades que ofrecen hoy los medios de comunicación. La cercanía del nuevo siglo es una buena oportunidad para hacer un balance de lo realizado y encontrar nuevos caminos para nuestro desarrollo musical.

· La educación musical escolar

En este campo la situación es desigual y compleja. En algunos países se ha alcanzado progresos importantes debido a las políticas educativas, a la participación de especialistas de alto nivel y al trabajo de los maestros. A esto se suma la labor de las instituciones y de las personas dedicadas a la investigación y a la capacitación que realizan grandes esfuerzos para lograr que los niños y jóvenes de nuestro continente reciban una buena educación musical. En los últimos años centros especializados como el Instituto Interamericano de Educación Musical (INTEM) con sede en Chile ha capacitado a un buen número de jóvenes educadores musicales y desarrollado programas de asistencia técnica en varios países de la región. Organizaciones como el Foro Latinoamericano de Educación (FLADEM) que agrupa a los educadores musicales con adherentes de otros continentes, ha celebrado varias reuniones de especialistas y viene realizando tareas de organización, capacitación y difusión que empiezan a dar sus frutos. El FLADEM cuenta con filiales en la Argentina y otros países. Varias universidades han asumido la tarea de formar educadores musicales, como sucede en Venezuela y Colombia. En Brasil existe una larga tradición en el campo de la educación musical escolar desde la época de Villa-Lobos. Igualmente en Argentina educadoras como Violeta Hemsy de Gainza y Aída Terzián realizan una labor que trasciende internacionalmente. Chile fue pionero gracias a la labor de personalidades como Cora Bindhof, Elisa Gayán y Brunilda Cartes. Costa Rica realiza actualmente un trabajo fructífero gracias a la colaboración entre las universidades y el sector educación. Sus nuevos programas de educación escolar, aprobados en 1996 constituyen una propuesta que merece la mayor atención.

Pero no son muchos los gobiernos y autoridades educativas que muestran tener conciencia de la importancia de la educación musical. En esos casos hay que confiar en la propia iniciativa de los Centros Educativos y en la dedicación de los maestros para seguir hablando de educación musical en ese nivel. Por esa razón es que muchos jóvenes al llegar a la universidad muestran un insuficiente desarrollo de la sensibilidad y del gusto por la buena música. Una gran parte de los niños latinoamericanos que asisten a las aulas escolares no realizan actividades musicales. Todavía subsiste en muchas partes la concepción tradicional del curso de música más inclinado a la teoría que a la práctica. El profesor de aula debería convertirse en el primer educador musical haciendo cantar a los alumnos, despertando su interés por el mundo sonoro (ecología sonora) , e incentivándolos en la expresión corporal.

Estos son aspectos fundamentales para desarrollar la sensibilidad musical y despertar desde los primeros años de la vida el interés por la música. El curso de música a cargo del especialista debería tender de preferencia a la práctica coral e instrumental y la apreciación musical. El maestro de educación musical debe tener la oportunidad de actualizarse para aplicar nuevas técnicas en correspondencia con los grandes cambios que se producen en el mundo de hoy. Por lo pronto tendría que optar por una pedagogía abierta, que como propone la educadora argentina Violeta Hemsy de Gainza , se oriente a partir de una plataforma que incluya lo mejor de cada una de las corrientes pedagógicas musica les que se han desarrollado en el siglo XX . En esa plataforma habría que considerar por ejemplo, el método de Dalcroze, que tendría que ser aprovechado también en la formación rítmica de los músicos profesionales en nuestros conservatorios y escuelas de música; la concepción de la improvisación del método Orff; la aproximación y utilización del acervo nacional que propone el sistema Kodaly; los planteamientos, en cuanto al desarrollo sensorial, del sistema Suzuki, hasta llegar a las propuestas innovadoras de Murray Schafer, el 'gran transgresor', con sus ideas iconoclastas que enriquecen la pedagogía musical con una original frescura y creatividad.

El maestro al que aspiramos hoy no sólo debe tener una sólida formación musical y pedagógica sino que debe manejar aspectos de la tecnología sonora y desarrollar su fantasía. Convertirse, en otras palabras, en un maestro innovador.

Sería ideal aspirar, como lo propone el educador norteamericano Paul R. Lehman, a que en el siglo XXI todos los jóvenes canten y toquen por lo menos un instrumento; que aprendan a crear e improvisar música; que entiendan la música ; que lleguen a familiarizarse con una amplia variedad de música; y que conozcan la música de distintos grupos culturales (la música del mundo). En países como el nuestro, no por menos ambiciosos, tendríamos que aspirar a que en un futuro cercano una buena educación musical llegue a un número mayor de jóvenes y niños que hoy padecen de lo que el mismo Lehman considera una mala nutrición musical.

· La formación del músico profesional

América Latina cuenta actualmente con músicos profesionales de excelente nivel que salen de nuestros conservatorios y escuelas de música y que no tienen que marcharse a Europa y a los EEUU para estudiar como lo tenían que hacer en la mayoría de nuestros países hasta mediados del siglo. Hoy salen para perfeccionarse e intentar hacer una carrera internacional.

América Latina logró transformaciones importantes en las últimas décadas modernizando sus conservatorios y escuelas de música, abriendo nuevos espacios en las universidades y buscando respuestas originales como la del Instituto Di Tela de Buenos Aires creado por Alberto Ginastera que permitió a muchos jóvenes compositores latinoamericanos en la década del 60 estudiar con algunas de las figuras más importantes del siglo XX . Esa experiencia pedagógica significó un salto cualitativo sin precedentes en el desarrollo de la creación musical en América Latina. Ya antes también la labor de personalidades como Carlos Chávez en México, Harold Gramatges en Cuba; Hans J. Kolreuter en el Brasil. Juan Carlos Paz en la Argentina y Domingo Santa Cruz en Chile. Para citar solo algunos, contribuyeron a esa transformación.

En el campo de la ejecución instrumental surgieron también iniciativas novedosas que se han convertido en modelos de desarrollo musical, como el Programa Juvenil de la Orquesta Sinfónica de Costa Rica, creado en 1972 bajo el lema '¿Para qué tractores sin violines?' . El Movimiento de Orquestas Juveniles de Venezuela creado por el maestro José Antonio Abreu que revolucionó la vida musical venezolana y generó centenares de orquestas en todo el país; el 'Plan Batuta' que se extiende por todo Colombia y uno similar recientemente creado en México. Todos estos movimientos forman ejecutantes utilizando novedosas metodologías que se adaptan a nuestra realidad y que de alguna manera han puesto en cuestión la formación tradicional seguida por la mayoría de escuelas y conservatorios apegados a los modelos académicos europeos. Se ha demostrado la eficacia de unir la teoría y el estudio individual con una intensa práctica grupal. De éstas experiencias que tienden a la modernización de la enseñanza musical se deberían sacar valiosas conclusiones.

Sin recusar la herencia europea y sus aspectos técnicos es hora de repensar la organización de nuestras instituciones y transformar los programas de enseñanza musical de acuerdo a las necesidades del desarrollo musical. Nuestros músicos requieren, además de una sólida y actualizada formación técnica una auténtica conciencia nacional y latinoamericana que, deberían adquirir en su propia alma mater.

También es necesario, dentro del 'aggiornamento' del músico profesional, ofrecerle mayores oportunidades de recibir una formación humanística y cultural y poner a su disposición las herramientas pedagógicas que requiere cuando opta por la enseñanza. Un buen maestro requiere no sólo del talento sino de una formación especializada para ejercer tan delicado oficio.

· La educación musical del público

Aquí tocamos un punto crucial para el desarrollo de la vida musical y la formación del gusto por la música. Hoy más que nunca es necesario informar y educar al oyente para que tenga mayores elementos de juicio en su apreciación de toda la buena música y se libre de los efectos negativos del comercio musical que se extiende a través de la mayoría de los medios de comunicación. En esa dirección es posible establecer una acción concertada entre las instituciones musicales, la crítica especializada y los educadores musicales.

La apreciación musical debería ser un curso regular en los estudios generales de las universidades, complementado con conciertos didácticos extensivos al público en general. Habría que persuadir a nuestros compositores para que escriban obras para ese tipo de conciertos. La labor de difusión musical tendría que comprender también a la música del siglo XX y a las obras de los compositores latinoamericanos.

Hay que procurar encontrar nuevos espacios para el desarrollo de la actividad musical que atienda a amplios sectores de la población y contribuya a la educación. Conciertos pensados para los niños, jóvenes y adultos. Conciertos didácticos que realmente sean tales. Preparados por especialistas con una programación adecuada, continuidad, metodología y objetivos claros.

En el tercer milenio los educadores y los músicos profesionales latinoamericanos tienen urgentes y renovadas tareas que cumplir en beneficio de la cultura y del desarrollo musical de sus pueblos.

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El clarinete alemán

El presente artículo ha sido escrito por Sergio Jerez, director del Servicio Técnico Oficial y Control de Calidad en España de las firmas SELMER-PARÍS y SELMER-USA. En su página personal podrán encontrar otros textos interesantes además de información personal sobre el autor.

Clariperu agradece la gentileza de Sergio por permitirnos reproducir este escrito, que estamos seguros será de mucho interés.

A lo largo de la historia musical, además de un desarrollo constante sobre la música escrita, también se ha ido evolucionando en la construcción y en las técnicas constructivas del clarinete. Esta evolución pasa inapercibida en nuestro día a día, pero gracias a constructores que en la mayoría de los casos están en el anonimato, podemos disfrutar de mejoras, ya sean que trabajen sobre la acústica o sobre el mecanismo, las cuales nos facilitan notablemente nuestras interpretaciones. Muchos de nosotros nos habremos preguntado porqué, a diferencia de los instrumentos de cuerda, no elegimos un instrumento de cierta antigüedad en vez de elegir siempre un modelo actual. Lo que ocurre es simplemente que en esa evolución técnica del instrumento ha intervenido la tecnología. Hoy en día las compañías constructoras poseen de maquinaria con las cuales se obtienen un producto de muchísima más calidad que hace 60 u 80 años. Además la informática nos permite analizar cómo se comporta un instrumento acústicamente antes de ser fabricado, y podemos acotar los parámetros para que una vez estén establecidos podamos obtener un instrumento lo más perfecto posible. Toda esta técnica no se poseía hace varias décadas y esto hacía imposible esa perfección que hoy en día estamos viendo en la mayoría de los instrumentos, como son: pureza en el sonido, claridad, afinación, etc.

Además del sistema adoptado en España (Sistema Boehm), existen otros sistemas y otras innovaciones sobre el Boehm que son desconocidos para muchos de nosotros. Mi intención desde este rincón es acercar a los clarinetistas, poco a poco y con la mayor claridad posible a estos clarinetes, para que entre todos podamos conseguir que cada instrumentista individualmente posea su propio criterio de valoración a la hora de la adquisición de un nuevo instrumento.  

En este artículo he querido empezar por el Clarinete sistema Oehler (Oskar Oehler 1858-1936) también conocido por nosotros simplemente como Clarinete Alemán.

De igual manera que sabemos que Oehler trabajó durante las primeras dos décadas del siglo XX sobre el clarinete sistema Albert cambiando la localización e incorporando ciertas llaves con lo que consiguió un clarinete de una mayor perfección en afinación y calidad tonal (lo cual lo podemos observar hoy en día en sus instrumentos) sobre su persona podemos decir únicamente que fue componente de la Orquesta Filarmónica de Berlín. Casos como el de Oskar Oehler ocurre en la mayoría de los constructores, los cuales siempre se encontrarán detrás del músico, pero que gracias a los cuales, que con su interés y devoción a nuestro instrumento han ido aportando grandes nuevas ideas que han ayudado a evolucionar el clarinete.

También conocido como clarinete sistema Oehler, nombre adoptado por su creador Oskar Oehler que lo diseñó a principios del siglo XX. Se puede considerar que el sistema de digitación alemana que conocemos hoy en día es una evolución del sistema Albert de sistema simple, al cual se le incorpora nuevas llaves, como son, una nueva llave patentada para obtener el Do#, una llave lateral para obtener el Sib, tres anillos en el cuerpo superior y una llave asociada al Fa de horca para resonancia o ventilación. Oskar Oehler adaptó el mecanismo de la resonancia del Fa (Fa de horca) que utiliza el oboe, consiguiendo así eliminar un punto débil que poseía los primitivos modelos de clarinetes alemanes: la falta de fuerza y claridad del sonido en la llave del Sib y Fa.

El propósito principal de todos los constructores alemanes a lo largo del siglo XX fue el de conseguir un clarinete con una sonoridad y comportamiento con la mayor calidad y pureza. Otros constructores importantes involucrados en este objetivo fueron Schmidt (Mannheim), Uebel (Markneukirchen), Mollenhauer (Cassel) y Koktan (Viena), los cuales incorporaron sus propios detalles. Después de la II Guerra Mundial, el principal constructor que realizó modificaciones para mejorar el sistema fue Fritz Wurlitzer y continuado posteriormente por su hijo Herbert, en Neustadt-Aisch.

En los años 50, la tendencia -que provenía de Francia de mano del constructor Robert Carree (de Buffet-Crampon)- fue la de fabricar los clarinetes con taladros de un menor tamaño. Esto provocó que los clarinetes construidos en Alemania tuvieran que cambiar su diámetro, adoptando la medida media de 14.70 mm. Esta nueva evolución hizo recomendable la incorporación de una llave para el pulgar derecho la cual acciona un mecanismo que abre una pequeña llave cerrada en la campana y proporciona un control sobre la ventilación y resonancia sobre las notas Mi y Fa Grave. El clarinetista abre esta llave si encuentra que su Mi grave o Si medio se produce con una afinacion muy baja. La gran ventaja de la incorporación de la llave del pulgar es que asegura que estos sonidos obtengan un sonido más puro, sin comprometer en ningún caso la calidad del timbre y la afinación, lo cual en el clarinete sistema Boehm con tubo estrecho no ocurre, con la excepción de los instrumentos que incorporan un oído de resonancia para el Fa, como es el caso de la Serie Recital fabricado por la casa Selmer.

Funcionamiento del Mecanismo Oehler

El sistema Oehler consta de las siguientes particularidades: 

En el cuerpo inferior:

Patente del Do#.

Esta llave es añadida al clarinete sistema Simple con lo que permite que podamos realizar el Do#(y Fa#) con diferentes posiciones.

Duplicación de la llave para el Mib pulsada con el dedo meñique de la mano izquierda, a veces con una duplicación de la llave para el Fa junto a ella.Fa de horca, muy parecido al que incorpora el sistema Clinton excepto que el sistema Oehler lo traslada al oido V para la mano derecha del instrumento y asociada a una llave lateral para ventilación (n) así de esta manera la llave que pulsamos con el dedo corazón no tiene taladro bajo ella, pero cierra a la vez las dos llaves laterales.
Sistema para la corrección del Mi agudo: Un pequeño taladro soldado al anillo IV (pulsado mediante el dedo índice de la mano derecha) la cual es cerrada por medio de la llave del Mib. El objetivo de esto es proveer mas ventilación al Sol Agudo, pero disminuyendo la ventilación para el Mi Sobreagudo (lll/mmm Eb), corrigiendo la tendencia a tener afinaciones altas.

En el cuerpo Superior:

Incorporación llave horca para la mano izquierda: llamada digitación de horca, lo que quiere decir que el anillo III (dedo anular mano izquierda) cierra la pequeña ventilación soldada al anillo II (dedo corazón) produciendo una mejor calidad de sonido en el registro grave.Llaves “Brille" cuerpo superior (comprende anillos I y II) combinado con la corrección de la apertura del Do# como sigue: la digitación para el Do# sobreagudo es muy común para muchos pasajes, pero ésta llave de brillo lo hace muy altas en afinación. Por consiguiente el anillo I, que lleva incorporada esta apertura, es cerrada automáticamente por la llave de octava. La llave del La también la cierra para prevenir que el La se produzca alto en afinación. La denominación “Brille” proviene del idioma alemán y significa Gafas. Esta llave es llamada asi por la similitud de las llaves de los anillos a unas gafas.

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